da Michaela Preiner | Set 19, 2022 | 2021, Theater
Il programma del ‘Musiktheatertage Wien’ di Thomas Cornelius Desi e Georg Steker offre al pubblico una gamma quasi mozzafiato di performance diverse. Lo dimostrano le due produzioni tematicamente diametralmente opposte “Chornobyldorf” e ‘Incontri di cucina europea: VR-Bania’.
Questo ‘progetto di realtà virtuale con gusto’, come dice il sottotitolo, è opera della regista austriaca Carmen C. Kruse e del compositore italiano Manuel Zwerger. Si sono recati nella città italiana di Verbania, sul Lago Maggiore, e hanno intervistato diversi residenti sul tema dell’alimentazione. Le interviste sono state montate in piccole sequenze che potevano essere viste con gli occhiali VR proprio come la preparazione di un risotto – per essere precisi, un “risotto giallo con salciccia”, cucinato dalla performer Anna Piroli. Era supportata da Leo Morello con un bel paesaggio sonoro in cui si poteva sentire il raschiare del coltello sulla tavola di legno in modo altrettanto alienato del ritmico gocciolare dei chicchi di riso nella pentola. Ringhiando, vibrando, picchiettando, ha sostenuto Piroli con tutti i tipi di strumenti a percussione, proprio come si faceva la musica dei film muti di una volta. L’unica differenza era che il repertorio uditivo era molto più contemporaneo.
VR-Bania (Foto: Nick-Mangafas)
Il pubblico è stato invitato a seguire la procedura di cottura e le interviste con movimenti sulle sedie girevoli su cui sono stati posizionati. Il punto culminante della performance, tuttavia, è stato che mentre i video venivano riprodotti nell’angolo cottura del WUK dietro il pubblico, questo piatto veniva effettivamente preparato, e quindi gli eventi olfattivi si fondevano con quelli videoregistrati per formare un’esperienza dal vivo.
VR-Bania (Foto: Nick-Mangafas)
La successiva cena con il regista e il compositore ha offerto l’opportunità di parlare non solo di ciò che è stato visto, ma anche di ciò che è stato fatto prima. Questa parte in particolare va sottolineata, perché è l’esperienza di unione che non si può provare indossando gli occhiali VR che ha dato alla performance il suo vero pepe. È ciò di cui il pubblico ha bisogno, ora più che mai, quando viene esposto alle esperienze teatrali. I video, i lungometraggi o le opere teatrali registrate possono essere guardati post Corona in massa davanti allo schermo video di casa. La conversazione con persone che non si conoscono, ma che hanno almeno un denominatore comune – il desiderio di teatro – questa conversazione e questo scambio non possono essere sostituiti, ma dovrebbero essere intensificati – come esemplificato in questa produzione.
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da Michaela Preiner | Set 19, 2022 | 2021, Oper
Nell’oscurità della sala, la voce di un uomo diventa udibile. Racconta di come ciò che viene detto sia in realtà la fine di una lettera; una lettera che non è mai stata spedita, ma che sarà comunque scritta un giorno. Poco dopo, la sua voce è accompagnata visivamente da una donna il cui ritratto appare in un video. Mentre l’uomo parla e recita una lunga poesia in ucraino, lei inizia ad esprimersi con suoni onomatopeici in una lingua artificiale sconosciuta. Anche se – se non si parla ucraino – non si può né seguire il contenuto della voce dell’uomo né sapere esattamente cosa vuole dire la donna, si ha la sensazione che ciò che viene trasmesso qui derivi da esperienze dolorose.
Infatti, il titolo “Chornobyldorf. Opera archeologica” è già un indizio che uno dei riferimenti di questa nuova opera è la tragedia di Chernobyl. La combinazione con l’affisso sostantivato ‘dorf’ è nata perché l’ensemble ha visitato Zwentendorf e i suoi dintorni all’inizio dell’opera. La centrale nucleare in Austria, che non è mai entrata in funzione, e quella in Ucraina, la cui costruzione è iniziata nel 1970, prima dell’indipendenza del Paese, hanno spinto i creatori culturali ucraini a proporre una visione globale del tema delle centrali nucleari e dei loro effetti distopici; indipendentemente dal luogo in cui si trovano, questi reattori rappresentano una minaccia transfrontaliera per l’umanità.
L’opera è ambientata tra il 23° e il 27° secolo, in un’epoca in cui siamo già passati alla storia e non ci saremo più. Si basa sull’ipotesi di una catastrofe di portata mondiale, in cui i sopravvissuti devono prendere nuovamente coscienza della propria identità. In un futuro in cui vengono creati nuovi rituali e tuttavia tutto ciò che accade a livello interpersonale nelle società attinge consapevolmente o inconsapevolmente a modelli storici.
I sette capitoli, che si fondono l’uno nell’altro senza soluzione di continuità ma in modo riconoscibile, portano i titoli: Elektra, Dramma per musica, Rhea, La piccola Akkorden, Messe de Chornobyldorf, Orfeo ed Euridice e Saturnalia. In questo modo, i due compositori Roman Grygoriv e Illia Razumeiko da un lato riprendono i grandi miti greci, che sono diventati il terreno di coltura principale della produzione artistica europea. D’altra parte, fanno riferimento direttamente alle tradizioni musicali slave. Questo intreccio artistico, in cui vengono utilizzati diversi mezzi stilistici musicali, rende chiara una cosa: le persone che sono in scena qui e tutti coloro che hanno lavorato a quest’opera si vedono profondamente appartenenti all’Europa. L’attuale discussione sull’ammissione dell’Ucraina all’UE è legittimata in modo quasi storico-culturale dai riferimenti storici che vengono fatti qui. Ma anche ciò che rende l’Europa, l’individualità dei Paesi e dei loro diversi gruppi etnici, viene espresso con veemenza. Ancora e ancora, le citazioni musicali storiche – trasformate in immagini sonore moderne – sono sostituite da melodie popolari bosniache-erzegovesi e ucraine. Le lamentazioni e i canti nuziali sono cantati nella loro tipica linea melodica. Le linee all’unisono si separano in una microtonalità brevemente udibile che è vecchia di secoli eppure suona nuova e fresca. I secondi di distacco, già quasi puramente sentiti, così come i successivi salti di settima intensificano l’espressione emotivamente dolorosa. Le progressioni di accordi mahleriane, cantate coralmente, e una fuga di Bach che sembra andare fuori controllo, pongono una traccia storico-musicale in quel nucleo dell’Europa che ha letteralmente dato il tono dal Barocco al secolo scorso.
A tutto questo si aggiunge una ricchezza di nuovo materiale sonoro: strani suoni di corde, i ritmi più diversi, a volte fortemente accentuati, suonati su un costrutto di percussioni assemblato da vari oggetti trovati (Evhen Bal), così come aggiunte elettroniche che rendono udibili atmosfere di vento o un drone minaccioso e indefinibile.
Villaggio Chornobyl (Foto: Anastasiia Yakovenko eSel)
Una rapida successione di immagini, supportata da inserti video che mostrano fragili figure umane in paesaggi ucraini, frequenti cambi di persone e di costumi, nonché la creazione di bagni emozionali alternati, creano un’abbondanza di eventi teatrali che si riversano su di lei come uno tsunami. Allo stesso tempo, si viene coinvolti negli eventi, a volte sonnambolici, in modo tale che è difficile mettere le proprie capacità cognitive al di sopra dei propri forti sentimenti.
L’incoronazione quasi surreale, ma allo stesso tempo molto romantica, di un giovane fisarmonicista, supportata da un feed video che espande lo spazio, viene sostituita da suoni e immagini religiose. Un Agnus Dei appropriato, cantato in una struttura classica-armonica, viene interrotto da uno simile, ma esplosivamente punk. In modo scioccante, ci si ritrova nel qui e ora, in uno stato in cui il romanticismo non trova più posto. La sepoltura di Euridice, il lamento del suo Orfeo, si concretizza in una coreografia visivamente potente, in cui la nudità dei partecipanti sottolinea in modo particolare la loro fragilità e il bisogno di protezione. Il finale è un’orgia saturnale intorno a un ritratto di cartone di Lenin capovolto. Tutto ciò che si è accumulato in precedenza in sentimenti e sofferenze inesprimibili, tutto ciò di cui è difficile parlare, si dissolve in questa scena selvaggia ed esuberante, in cui si vorrebbe ballare con se stessi. Il fatto che la fine, con il suo rumore del vento, ricordi l’inizio della produzione può simboleggiare un ciclo eterno. Un ciclo in cui l’umano esistenziale viene vissuto in definitiva più e più volte, ma viene anche reinventato, anzi deve essere reinventato. Quando nulla è più come una volta, bisogna ripiegare su ciò che è sopito nel profondo dell’essere umano, ma anche su ciò che lo distingue come essere vivente sulla terra. È un essere che si riforma e si adatta costantemente, eppure porta ancora dentro di sé le sue radici presumibilmente tagliate.
Nessuno degli artisti avrebbe sognato, quando l’opera è stata creata, che tanto di ciò che viene mostrato in essa avrebbe avuto un riferimento all’attualità. Gli orrori della guerra e le sofferenze che si stanno verificando in Ucraina risuonano fortemente nell’accoglienza in questo momento. La minaccia alla terra rappresentata dal progresso tecnologico, le forme ibride di esseri umani che praticano generi artistici che tuttavia non potranno mai essere animati da loro, anche questo è contenuto in “Chornobyldorf”. Si spera che l’opera, dopo la prima a Rotterdam e la seconda stazione nella WUK a Vienna, in occasione del ‘Musiktheatertage Wien’, possa conoscere molte altre stazioni. E si spera che l’ensemble riceva dal pubblico il messaggio che un’opera come questa, soprattutto in tempi difficili, è necessaria, e ancora di più: che contribuisce anche alla sopravvivenza. Alla luce della brutalità degli eventi, una cantante ha detto, durante la discussione con il pubblico, che non era più convinta che il teatro potesse ottenere qualcosa. L’esperienza della violenza, che sopprime tutto, è troppo diametralmente opposta a questa idea.
Che l’affermazione “vita brevis, ars longa” dia a lei e all’ensemble un piccolo spostamento. Che possa offrire loro un barlume di speranza che l’arte sopravviva alla vita e quindi anche a questa, la loro produzione. Un giorno sarà disponibile per le generazioni successive – in qualsiasi modo – e offrirà una visione di quel presente così difficile da sopportare per la popolazione ucraina, ma anche per tutti gli altri partecipanti sofferenti.
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da Michaela Preiner | Giu 23, 2022 | 2021, Letteratura
Se vi siete mai chiesti chi sia il narratore che guarda costantemente alle spalle dell’antieroe Brenner nei romanzi gialli di Wolf Haas, dovreste assistere a una lettura dell’autore stesso.
A Graz, la sede di questa lettura è stata spostata con poco preavviso dalle casematte sullo Schlossberg all’Orpheum. La sede sullo Schlossberg era difficilmente raggiungibile con la ferrovia a cremagliera a causa di lavori di manutenzione. Nonostante il fine settimana prolungato e il caldo che si era appena instaurato, la sala dell’Orpheum non era affatto piena. Mentre le letture si svolgono di solito nelle librerie, una persona come Wolf Haas riempie sale più grandi. Da un lato ha una comunità di lettori fedeli, dall’altro molti lo conoscono grazie agli adattamenti cinematografici di alcuni dei suoi libri. Josef Hader interpreta l’ispettore Brenner, che lascia presto la polizia e deve risolvere molti casi da solo.
Da un lato, è proprio questo carattere speciale ad affascinare il pubblico dei lettori. Quest’uomo scontroso, solitario e allo stesso tempo amabile si infila in casi criminali contro la sua volontà e senza fare nulla.
Nel corso del processo, egli – come la maggior parte del pubblico – deve affrontare le avversità quotidiane, che cerca di evitare in modo altamente non convenzionale. D’altra parte, è anche la lingua facile che piace a molti. Nonostante questa leggerezza, i profondi problemi del mondo sono discussi en passant, come se fossero marginali. Questa speciale miscela garantisce un grande piacere di lettura.
Anche il suo nuovo romanzo “Müll”, che Haas ha letto a Graz, contiene tutti questi fattori. Non solo ha prestato la sua voce al narratore, ma si può avere l’impressione che il narratore sia una sorta di alter ego di Wolf Haas. Con il paradosso, però, che questo alter-ego, se dovesse prendere vita, non avrebbe molto in comune con lo scrittore stesso. Haas, infatti, lascia sul palcoscenico l’impressione di una persona calma, equilibrata e intellettuale, con un’elevata capacità di espressione linguistica. Il suo narratore, invece, parla con una serie di frasi ripetitive come “Non ci crederete”, “Non chiedete” o “Non dovete dimenticare una cosa” e ama fare commenti con frasi senza verbi. In “Rubbish”, questo slang si adatta come una seconda pelle ai personaggi che lo abitano: Sono i cosiddetti “Mistler” di una discarica viennese che trovano un cadavere smembrato nelle loro vasche di rifiuti. C’è un motivo per cui Simon Brenner è tra loro. Lui stesso ci lavora e considera il suo lavoro il migliore che abbia mai avuto. Che si tratti di Udo o del signor Nowak, del giovane stagista o dello stesso Brenner, Haas riesce a creare meravigliosi studi di carattere di uomini che, in quanto dipendenti fissi del Comune di Vienna, conoscono molti capi. Tuttavia, sono fieri dominatori del loro ambiente di lavoro, decidendo chi può o meno depositare il letame gratuitamente. I nostri clienti sono sempre attenti al corretto posizionamento dei rifiuti nelle apposite vaschette, e un piccolo suggerimento di solito porta a una particolare disponibilità – chi non conosce questa procedura in Austria?
Brenner vive in un elegante appartamento sopra i tetti della città, ma solo come “camminatore di letti”. Per questo motivo, utilizza appartamenti vuoti per trascorrere la notte, con il nobile obiettivo di non lasciare tracce.
La grande arte di Wolf Haas consiste nell’intrecciare temi di rilevanza sociale con una storia di crimine in un linguaggio che – pur essendo artistico – risulta sciolto e vaporoso, come se avesse raccolto e scritto ogni frase in osterie che tracannano birra o in festival di tende. Che si tratti del problema della spazzatura o della mafia degli organi, che si tratti di stress relazionale o di modi di vita borghesi, sembra che non ci sia nulla che Haas non possa affrontare in modo profondo e umoristico allo stesso tempo. Allo stesso tempo, la tragica storia di un uomo le cui parti del corpo sono finite in una discarica viene servita in bocconi facilmente digeribili.
Come surplus, Haas ha offerto al pubblico della sua lettura una storia molto divertente sulle difficoltà di traduzione dei suoi testi in giapponese. In “Müll”, le teste di traduzione inizieranno a fumare al più tardi nel punto in cui “Spuckerl” è il nome di un piccolo carrello di pulizia che Brenner mette in funzione – chiaramente non autorizzato. La scena in cui pulisce involontariamente le scarpe di centinaia di passanti a Vienna a causa di un difetto del sistema di spruzzatura del veicolo, che non può essere disattivato, non è solo una delle più umoristiche del libro. Inoltre, dimostra l’abilità letteraria di Haas nel far rivivere nella mente del lettore, con poche frasi, un’intera scena cinematografica.
Conclusione: le letture di Wolf Haas sono utili. Comunque, sto leggendo i suoi libri.
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da Michaela Preiner | Giu 14, 2022 | 2021, Theater
Immagini che il suo raggio d’azione sia limitato a quattro pareti e che non le dispiaccia affatto, anzi, lo trovi addirittura comodo. Immagini di avere un assistente personale che si occupa di tutto per lei. La chiami Isadora e le parli come se fosse la sua migliore amica. Immagini che tutto sia organizzato in modo così comodo per lei che può persino ricevere gli amici al tavolo da pranzo virtuale. Immagini di essere completamente indipendente dal mondo esterno e di essere felice, solo che non esce mai perché ne ha paura.
Questa è esattamente l’ambientazione che Caroline Peters ha offerto con il gruppo Ledwald nello spettacolo “Die Maschine steht nicht still”. La produzione è una parafrasi di un testo di E.M. Forster “La macchina si ferma” del 1909 ed è stata creata come reazione alla pandemia in cui la maggior parte di noi è diventata molto più dipendente dai computer e da Internet.
I sorprendenti effetti visivi di Eric Dunlap, la guida permanente della telecamera dal vivo di Andrea Gabriel (responsabile anche dei video registrati) e il design di luci e suoni perfettamente coordinato da Lars Deutrich aggiungono un livello elettronico alla performance che non solo è assolutamente zeitgeisty, ma ha anche un senso qui. Il testo, adattato da Caroline Peters, racconta di una donna che un giorno riceve una telefonata da suo padre. Come lei, vive a 2,5 km di distanza da lei in un ambiente come quello descritto sopra, vuole dirle qualcosa e le chiede di mettersi in viaggio e di venire da lui non solo virtualmente, ma in carne e ossa.
Die Maschine steht nicht still (Foto: © Frank Dehner)
Die Maschine steht nicht still (Foto: © Frank Dehner)
Die Maschine steht nicht still (Foto: © Frank Dehner)
Die Maschine steht nicht still (Foto: © Frank Dehner)
Questa situazione iniziale mette la figlia in difficoltà, poiché deve lasciare il suo ambiente protettivo contro ogni ordine e andare in un terreno di cui non ha idea di cosa l’aspetta. Il controllo della mente è progredito a tal punto che qualsiasi esperimento al di fuori delle proprie quattro mura non sembra più desiderabile e si applica la massima: l’immobilità è un progresso e ciò che non provo non può andare male. Verso la fine, tuttavia, la figlia riesce effettivamente a liberarsi dalla sua compagna di monitoraggio Isadora, che invita immediatamente al confronto con Alexa, Siri o altri aiutanti elettronici attualmente attivi. Oltre alla descrizione della vita quotidiana, che Peters rende con grande abilità recitativa, sia che si tratti di una ricetta di cucina che vuole che Isadora metta in pratica, sia che si tratti di rispondere a chiamate vocali o di guardare lezioni video, è affascinante in più ruoli nella scena a tavola con gli amici invitati. Tutti sono stati registrati da lei in precedenza e, premendo un pulsante, si riuniscono intorno al tavolo apparecchiato nello spazio virtuale per – come è noto nella vita reale – mostrarsi, spaventarsi, stupirsi o essere ammirati, proprio come i rispettivi personaggi.Lars Deutrich alla macchina del suono elettronica e Andrea Gabriel nel ruolo della muta Isadora, che cattura tutto con la sua telecamera dal vivo e allo stesso tempo lo salva, sono permanentemente presenti sul palco. Sia Peters che Gabriel indossano costumi verde veleno con un motivo a ragno – un simbolo di imprigionamento nella rete, che tuttavia viene percepito come chic ed essenziale. (Costumi Flora Miranda) Non è solo l’ambientazione illusionistica a colpire, ma anche il testo, che presenta tutta una serie di perle di frasi folgoranti come: “Dopo la pandemia, sappiamo che i virus e la tecnologia crescono in modo esponenziale”, “La conoscenza è una sorta di finzione”, “L’intelligenza profonda è solo un altro tipo di imbroglio” o “Al tempo il suo ciclo, al ciclo la sua libertà” – una riscrittura dello slogan di Hevesi impresso sulla Secessione di Vienna. Queste sono solo alcune, poche dichiarazioni che si vorrebbero leggere a casa per l’ulteriore abbondanza di idee filosofiche, bon mots e visioni del futuro.
Il finale intelligente e aperto lascia un sapore di sollievo e di paura allo stesso tempo e non sorvola in alcun modo sul futuro digitale in cui ci troviamo già.
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da Michaela Preiner | Giu 10, 2022 | 2021, Theater
Progettato come una “passeggiata per la figura”, invita il pubblico a spostarsi dal cortile del teatro al parco Arne Karlsson di fronte con un conferenziere. Lì, in varie stazioni, scopre tutta una serie di figure animali che si rivelano essere candidati alle elezioni con discorsi infuocati.
La scimmia Sunni, insignita di un numero così elevato di titoli che alla fine non resta altro che rivolgersi a lui solo come Sunni, libera il pubblico con il suo accompagnatore Markus-Peter Gössler nella natura. Lì incontrano uno Stregatto, sotto la cui guida è possibile rintracciare i candidati alle elezioni.
Un ratto del sottosuolo brandisce un discorso infuocato contro l’ingiustizia con cui gli agili scoiattoli sono favoriti rispetto a loro. Un misterioso coniglio intrattiene il pubblico con altrettanto misteriose promesse elettorali, che dopo averle interrogate sanno poco di sé come prima. Due antichi vermi cercano di convincere la clientela a passare dalla loro parte con il suono dei papaveri, con grande divertimento dei bambini presenti, che si sono staccati dal gioco e si godono l’inaspettato spettacolo dei vermi. Infine, un ex generale sotto le sembianze di un cinghiale offre polpettoni agli elettori interessati presenti, per poter aumentare la protezione della sua patria con i loro voti.
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Schubertheater)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Schubert Theater)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Per tutti coloro che fanno parte del pubblico abituale del Teatro Schubert, il piccolo viaggio è anche una splendida occasione per rivedere i singoli personaggi. I due vermi grassi e avidi hanno fatto la loro grande apparizione in Wolkenkuckucksheim XX, la bestia ratto anche in Ochkatzlschwoaf. L’Ebergenerale deriva dall’opera teatrale Go West! E il coniglio bianco era in ALICE.Che ci si unisca al piccolo tour come nuovi arrivati o come vecchie conoscenze, tuttavia, non fa differenza. La gioia del teatro di figura e il suo noto segreto, ovvero che le persone che le servono scompaiono dietro di loro e tuttavia rimangono visibili, è sempre la stessa.
Diretti da Simon Meusburger, Soffi Povo, Angelo Konzett e Markus-Peter Gössler si fondono con i loro pupazzi, pur rimanendo visibili nelle loro simpatiche performance attoriali.
Altre date ogni fine settimana di giugno, sabato 14:30 & 17:30, domenica 11:00 & 15:00.
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da Michaela Preiner | Giu 10, 2022 | 2021, Theater
C’è stato un tempo in cui alcuni dei suoi pensieri formulati facevano fermare il cuore quasi ogni minuto. C’è stato un tempo in cui lo sapevi: Ovunque sia scritto Rabtaldirndl, c’è dentro arguzia, esprit e intelligenza. Ribellismo e dimostrazione di auto-emancipazione, ma anche domande intelligenti sullo stato d’animo femminile, hanno accompagnato con leggerezza la grande trama del titolo scelto. Sia che la marmellata venisse raffinata in una “frase d’oro“, sia che si permettesse di litigare all’aperto dietro la “Uschi Kümmernis”, i lampi di ispirazione scintillavano sempre e l’insieme incoraggiava sempre la riflessione e il ripensamento.
Il nome Sogni tossici è sinonimo di esperienze teatrali non convenzionali. Si tratta di mettere le condizioni sociali in una luce teatrale che rivela ciò che sembra quasi indicibile senza di essa.
Nella produzione “The unreal Housewife of Vienna vs. The unreal Housewives of Graz”, le due compagnie hanno unito le forze per affrontare il tema delle “casalinghe ricche”. Il format reality “The real housewives” è servito da modello per questo, in cui il pubblico è autorizzato a guardare nella presunta vita interiore ma anche esteriore delle ricche e belle.
L’attuale produzione, diretta da Yosi Wanunu, direttore artistico di toxic dreams e uomo di teatro di grande esperienza, non è all’altezza delle aspettative di questa collaborazione. Questa circostanza ha diverse cause. Tradurre un format televisivo in teatro non è un compito facile, soprattutto perché esistono già parodie teatrali per questa serie in particolare.
In secondo luogo, può darsi che l’uno o l’altro trovi divertente vedere donne che si smascherano psicologicamente e si affrontano come corvi. Ma questo tipo di intrattenimento non ha davvero fatto alzare dalla sedia il pubblico presente.
In terzo luogo, c’è la questione del senso di contrapporre le cricche femminili viennesi e grazesi dell’ambiente benestante e farle competere l’una contro l’altra in una prova di forza come in un’arena. L’eleganza in bianco e nero delle grandi città, contrapposta al costume colorato e alla moda, fa capire quali sono le donne squalo che comandano qui a livello internazionale e quali al massimo a livello nazionale. I costumi di Susanne Bisovsky, una grande della moda viennese, sono il punto forte della produzione. Il fatto che le donne di Graz si definiscano maggiormente in base ai loro beni e ne facciano sfoggio, mentre le donne viennesi si lasciano andare a una maggiore introspezione fin dall’inizio, ma poi fanno anche commenti denigratori su ciò che sentono in ogni caso: questa differenza da sola non rende la serata entusiasmante.
Che si tratti degli interni bianchi ed eleganti di una villa di Ruckerlberg o dei dignitosi divani in pelle marrone di un appartamento con vista sulla cattedrale di Santo Stefano (palcoscenico: Götz Bury, Paul Horn), che le signore si vestano in tenuta da tennis o in cappotto da sauna, l’osservazione dell’alta società di Graz o di Vienna si esaurisce relativamente presto. Forse questa sensazione è stata intensificata anche dal calore sempre crescente nella sala dei Kristallwerk.
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
Anche gli intermezzi musicali eseguiti dal vivo verso la fine non aiutano. Il testo utilizzato non riflette nulla di diverso da ciò che si è già sperimentato in precedenza. Chi è ricco e bello può farla franca, chi è ricco e bello, non importa come ci sia arrivato, deve solo preoccuparsi degli altri per amore della forma. E – per non dimenticare: Coloro che sono ricchi e belli soffrono per la loro vita senza senso. Uno soffre un po’ di più, l’altro un po’ di meno, ma non è facile nemmeno per loro!
Manca l’arguzia pungente che può smascherare le strutture socialmente tossiche orientate esclusivamente al principio della mia casa, della mia auto, del mio yacht. Ciò che manca è la finezza linguistica, che il Rabtaldirndln in particolare rappresenta. I loro pezzi di dialetto stiriano, spesso buttati giù con tanta disinvoltura, sono di solito di gran lunga superiori all’alto tedesco per la loro concisione e trasformano molte presunte divagazioni in un lungo diamante intellettuale e scintillante.
Ma manca anche il senso di quanti luoghi comuni un testo possa sopportare senza scadere nella noia, nella ripetizione e nella prevedibilità.
In breve, manca quel momento in cui la scintilla salta verso il pubblico e ne accende le emozioni. Coloro che appartengono alla fascia di popolazione a cui ci si rivolge con mezzi non particolarmente idonei non si sentiranno realmente indirizzati. E se lo fanno, si oppongono ferocemente in una sorta di posizione difensiva. Chi non fa parte della scena chic non deve aspettarsi profondi approfondimenti psicologici sulle signore che si incarnano sul palco. Il testo offre loro troppo poco contorno personale perché ci si possa identificare con loro.
La seconda serie di rappresentazioni avrà luogo al brut di Vienna a partire dall’autunno. Forse per allora ci saranno degli adattamenti che renderanno la visita più interessante. Gli slittamenti sono consentiti e fanno parte dell’attività del teatro. “L’irreale casalinga di Vienna contro l’irreale casalinga di Graz” non dovrebbe in alcun modo contribuire a non visitare le prossime produzioni del Rabtaldirndln e i sogni tossici. La focalizzazione sulle proprie competenze di base e, soprattutto, su temi appassionanti offrirà sicuramente al pubblico ancora una volta serate teatrali interessanti e di grande impatto emotivo.
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