da Michaela Preiner | Ott 12, 2023 | 2021, Konzert, orf musikprotokoll, steirischer herbst
“IX KLA VIER E” è il nome della performance di mezz’ora di Nick Acorne, per la quale sono stati costruiti 3×3 pianoforti uno sopra l’altro nell’anticamera. Davanti a loro si estendeva un’impalcatura, sulla quale Acorne poteva agilmente arrampicarsi. Dotato di un elmetto e di una cintura alla quale pendevano utensili da cucina di ogni tipo, controfissati da una corda, egli oscillava non da un ramo all’altro ma da un pianoforte all’altro, suonando brevi brani su ciascuno di essi. Il risultato era una composizione davvero mozzafiato, ma prima di tutto per il pianista stesso. Ogni volta, infatti, doveva arrampicarsi per diversi metri, sia in salita che in discesa, o spostarsi lungo i montanti metallici per raggiungere lo strumento successivo. I pianoforti stessi erano preparati e avevano caratteristiche sonore diverse.
“IX Kla vier e”
L’elemento fondamentale di ogni lezione di pianoforte – la corretta posizione della mano e della seduta – si è rivelato ad absurdum in questa performance. Nelle zone più alte, Acorne ha dovuto trovare un appiglio appeso alla corda o inginocchiarsi davanti ai pianoforti nella zona più bassa. È stato sorprendente che, nonostante le difficoltà sportive, sia emersa una composizione improvvisata che poteva essere ascoltata anche senza arrampicarsi. Il fatto che ogni performance – tre in totale – fosse diversa è ovvio, visto il concetto. L’artista, che in precedenza aveva seguito un corso di arrampicata per principianti, ha dichiarato in un’intervista con Daniela Fietzek che non avrebbe sottovalutato lo sforzo fisico, “ma so da me che quando si tratta di arte, trovo sempre risorse nel mio corpo”.
“IX Kla vier e” (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
I calzini di colore diverso alla seconda esibizione – uno era giallo, l’altro blu – così come il breve bis – appesi a testa in giù alla corda – parlavano un linguaggio chiaro.
Se da un lato si deve apprezzare la performance fisica e artistica di Nick Acorne, dall’altro non si deve dimenticare che ciò che fa è anche condito da una grande dose di umorismo. Risate e stupore erano ugualmente ammessi.
da Michaela Preiner | Ott 12, 2023 | 2021, Oper, orf musikprotokoll, steirischer herbst
È stata presentata la prima di “canvas” della compositrice slovena Nina Šenk e della librettista Simona Semenič. Dopo la rappresentazione, la Šenk ha ricevuto il premio del Concorso di composizione lirica Johann-Joseph-Fux, che aveva vinto con quest’opera.
“canvas” (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
Racconta la storia di quattro donne che, senza saperlo, amano lo stesso uomo. Quest’ultimo svolazza dall’una all’altra a suo piacimento, cercando di manipolare le donne in dipendenze emotive e di mantenerle. Ingo Kerkhof – docente KUG per la Musica Presentazione drammatica (interpretazione scenica) ha curato la regia, Katharina Zotter la scenografia e Gerrit Prießnitz la direzione musicale.
L’orchestra è stata spostata sulla parete sinistra della sala, il direttore d’orchestra si trovava con le spalle al muro e quindi aveva in vista sia l’ensemble strumentale che i cantanti. Una pedana girevole quadrata, ricoperta di bianco e alta pochi centimetri, delimitava l’area in cui la musica veniva suonata e cantata. Inoltre, i cantanti si alternavano a una scrivania rivolta verso il pubblico al margine destro del palcoscenico.
“canvas” (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
“canvas” (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
Gli studenti si sono calati in diversi ruoli e hanno mimato, tra gli altri, una parte di operai. Una ragazza ha vissuto la sua tragica morte su una barella d’ospedale proprio all’inizio. Il suo alter ego ha cantato questo processo come se stesse guardando se stessa morire. Le circostanze esatte che hanno portato a questa morte rimangono inspiegabili – le speculazioni in merito possono chiaramente essere individuali.
L’accattivante libretto, composto da movimenti brevi e concisi, con ripetizioni ed espressioni a volte sgarbate, ha offerto al compositore una grande quantità di materiale emotivo, che doveva essere trasposto sonicamente. Šenk è riuscito a lasciare straordinariamente udibili le voci in primo piano e a utilizzare la parte strumentale solo come supporto.
Solo in un passaggio, che parla di abusi sessuali, l’orchestra svolge un ruolo molto più incisivo. In questa parte, il testo è per la maggior parte parlato e l’evento violento è reso evidente dall’infuriare degli strumenti con rumori di schianto e sferragliamento. In questa scena, tutte le donne stanno immobili, vestite di nero, sulla piattaforma e perseverano in questa posizione finché una di loro sussurra: “Devo stare zitta quando è il momento di stare zitta”. Questa frase viene raccolta dalle altre e trasformata in un canto sussurrato che entra nella pelle.
“canvas” (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
Sono stati ben evidenziati i vari personaggi: donne sposate che temono la scoperta della loro relazione, una giovane ragazza che chiede a Dio di liberarla, un’operaia che vede nell’uomo la realizzazione suprema, una signora che ricomincia a sentirsi giovane grazie alla felicità dell’amore. Lo stesso Womanizer – anch’esso interpretato da una delle donne – entra in gioco solo brevemente e non si mostra né seduttivo né violento. Solo una donna si pone al di fuori della spirale amorosa. Viene annunciata come una donna italiana grassa che entra in scena senza cantare e se ne va di nuovo. È l’unica che non sembra essere emotivamente dipendente, ma che, in base alla descrizione del suo corpo, potrebbe esercitare una forte attrazione sessuale.
Il compositore utilizza quartetti, ma anche arie soliste, e scandisce i cambi di scena con forti rumori respiratori amplificati dal microfono. È l’equilibrio particolarmente riuscito tra parola e musica a rendere questa rappresentazione così speciale. Utile, ma anche esteticamente ben risolta, è stata la proiezione del testo inglese su un grande schermo alle spalle dei cantanti. Inoltre, i cantanti, studenti dell’Università della Musica di Graz, erano tutti molto ben disposti.
Melis Demiray, Lavinia Husmann, Laure-Cathérine Beyers, Marija-Katarina Jukić, Ellen Rose Kelly, Christine Rainer e Ana Vidmar devono congratularsi per la loro grande performance.
da Michaela Preiner | Ott 10, 2023 | 2021, Konzert, orf musikprotokoll, steirischer herbst
Il musikprotokoll ha presentato al pubblico dello Steirischer Herbst un programma così denso per ogni serata che molte persone hanno lasciato il rispettivo luogo di esibizione a circa metà tempo. Ciò può essere dovuto non tanto a una mancanza di interesse quanto a un eccesso di ciò che è stato ascoltato e visto. Inoltre, la List Hall, dove si sono svolte tre serate di fila, è servita dal tram in direzione del centro città solo fino alle 23.15. Purtroppo, questo ha fatto sì che molte persone abbiano perso il treno. Purtroppo, questo ha fatto sì che molte persone si siano perse cose che sarebbe valsa la pena ascoltare. Come l'”Aria” di Beat Furrer di questa sera, alla quale non abbiamo potuto assistere.
Klangforum (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
Klangforum (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
Klangforum (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
La serata si è aperta brillantemente con il “Concerto per pianoforte e orchestra” di Kristine Tjøgersen. Al pianoforte c’era Ellen Ugelvik, che non lo ha fatto suonare dai tasti. Piuttosto, mentre l’orchestra suonava, lei costruiva gradualmente nello spazio di risonanza una foresta di piccoli alberi, come quelli che si trovano nelle stazioni di servizio dei modellini ferroviari. Il compositore è affascinato dalla comunicazione degli alberi, che avviene in modo invisibile sotto il suolo, e ha così trovato una realizzazione adeguata alla visualizzazione. Oltre ai suoni, sono soprattutto i rumori come crepitii e sferragliamenti, ma anche fruscii, rumori del vento o il ronzio delle api che si potevano sentire insieme a linee di basso ripetitivamente discendenti, ma anche a piccoli frammenti di melodia. Una volta terminata la costruzione della foresta artificiale, l’esecutore si è occupato di una registrazione video dal vivo, che è stata proiettata sul grande schermo dietro l’orchestra. Il compito che la compositrice si era prefissata per questo concerto, dare voce alla natura nella sala da concerto, è stato effettivamente realizzato in modo udibile e visibile in questo contesto.
Madli Marje Gildemann è interessata agli uccelli notturni e ha cercato di immedesimarsi in questi animali osservandoli. Nella sua composizione “Nocturnal Migrants” (Migranti notturni), crea un suono in bilico che si gonfia e si affievolisce e si ripete in un’esecuzione simile ma non uguale. Un cinguettio di panico tradisce la sventura a un certo punto della composizione, così come una parte dai colori molto scuri che emerge nel basso del pianoforte dopo lo spavento degli uccelli. Il tenore di base è dominato da un’eccitazione, una tensione permanente che si placa solo quando la musica si spegne alla fine della composizione. Il suo lavoro tratta dell’attrazione della luce, che si esercita sugli uccelli e che può avere conseguenze fatali. Ma lei stessa lo descrive anche “come una metafora dei comportamenti impulsivi e compulsivi delle persone… che hanno poca idea dei motivi che le spingono”.
“if left to soar on winds wings” di Karen Power è stato creato insieme alla parte live del Klangforum da suoni registrati che la compositrice ha raccolto in giro per il mondo. Preferisce recarsi in luoghi con poche persone, per poi scoprire di volta in volta che non esistono luoghi al mondo in cui la gente non sia già stata e non abbia lasciato le proprie tracce. Ciò che si sente ovunque come una costante è il vento, anche se in forme diverse. È questo fenomeno naturale che si sente fin dall’inizio della composizione. Nelle sue opere compaiono anche cinguettii e canti di uccelli, ma l’elemento determinante rimane il vento, a cui si può attribuire persino la funzione di basso continuo. “Come molti dei miei lavori, “…se lasciati volare sulle ali del vento…” chiede a ogni esecutore e spettatore di ascoltare tutti i suoni semplicemente come musica che non abbiamo mai sentito prima. Chiedo a tutti noi di aprire le orecchie e di riconnetterci con il nostro ambiente come qualcosa che ci unisce piuttosto che dividerci, e di riconsiderare il nostro potere e la nostra influenza su tutto ciò che ci circonda”. – ha dichiarato Karen Power nella sua dichiarazione, che si può leggere nel libretto del programma.
La performance di “Exercises in Estrangement II – L’animal que donc je suis” di Sandeep Bhagwati è stata originale.
“Exercises in Estrangement II – L’animal que donc je suis” (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
All’ensemble è stato permesso di muoversi coreograficamente sul palco, trovandosi in costellazioni sempre nuove. Inginocchiati all’inizio, ma poi camminando o ruotando sul proprio asse, i musicisti hanno offerto non solo un’alimentazione uditiva ma anche visiva. Il punto di partenza del lavoro è stato un libro di Jacques Derrida, in cui l’autore esplora le strette connessioni tra animali e uomini. I musicisti si sono calati più volte nei ruoli di animali diversi, comunicando costantemente tra loro. In combinazione con le voci registrate, il cui testo era in parte volutamente incomprensibile, il risultato è stato una rete animale-umana-uditiva i cui singoli componenti non costituivano più un punto focale. I richiami degli uccelli, il ruggito degli elefanti o il frinire delle cicale sono stati ascoltati con l’aiuto di singoli strumenti e voci attive.
Schallfeld Ensemble (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
La seconda parte della serata ha visto lo Schallfeld Ensemble eseguire “My fake plastic love” di Sehyung Kim, Dune di Carlo Elia Praderio e Katharina Klements “Monde II”. Quest’ultimo lavoro ha sperimentato una sorta di “prassi esecutiva storica” con due macchine per la miscelazione riparate, in quanto queste ultime erano già state utilizzate in un lavoro precedente della Klement.
A causa delle grandi somiglianze, o meglio, delle grandi affinità in alcune composizioni, la programmazione di questa sequenza di concerti può essere descritta come molto coerente in sé. Tutte le composizioni sono caratterizzate da gruppi di suoni ricorrenti e da un flusso e riflusso opposto. Sehyung Kim lavora con diversi timbri degli strumenti e verso la fine con intervalli sempre più stretti. La composizione di Praderio è stata percepita come minimalista-contemplativa e oscura nella sua impressione generale. Klement utilizza spesso suoni di campane in contrasto con i rumori dei mixer. Le registrazioni elettroniche ampliano il suo cosmo sonoro, caratterizzato anche da passaggi ricorrenti.
Una serata di concerto piena fino all’inverosimile, che ha offerto qualcosa di nuovo, ma anche l’opportunità di fare confronti tra le singole composizioni.
da Michaela Preiner | Ott 9, 2023 | 2021, Konzert, orf musikprotokoll, steirischer herbst
Il programma – quattro brani più altri tre presentati al concorso Student 3D Audio Competition – ha esemplificato ciò che è stato richiesto al pubblico anche nelle serate successive: La resistenza. Dalle 19.00 alle 22.30 – con brevi pause – sono state proposte esperienze sonore che hanno trovato un pubblico internazionale.
Il primo brano è stato “Organa Quadrupla” di Heinali, che ha utilizzato il suo sintetizzatore modulare per sfruttare le grandiose possibilità sonore del sistema Ambisonics del Dom im Berg. Affascinato dalle strutture polifoniche utilizzate nel Rinascimento, ha impostato la sua composizione in modo simile. Ha prodotto il suono di vecchi organi, di flauti contralti o di una cornamusa, e ha sottolineato le linee melodiche in esecuzione con una sorta di basso continuo. Dopo un’introduzione, ancora interamente legata a un paesaggio sonoro storico, diventa udibile che qui si producono suoni elettronici. L’ingrossamento con l’aumento delle voci si traduce in un suono da cattedrale, in cui un penetrante saliscendi di corse si fa sentire in modo caratteristico. Nell’ultima parte dell’opera viene anche abilmente depositato un ritmo nel basso, che si perde verso la fine. Un’entrata al festival sonicamente riuscita, che non rompe troppo con le nostre abitudini d’ascolto e che quindi ha trovato un grande consenso da parte del pubblico.
“Organa Quadrupla” – Dom im Berg (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
In netto contrasto con l’opera collaborativa “forest Floodlights” della croata Manja Ristić, nonché di Abby Lee Tee e Franziska Thurner, entrambe austriache. Hanno ricevuto una commissione di composizione nell’ambito di una residenza d’artista SHAPE+ e hanno esplorato il suono di un’area isolata nel Mühlviertel. SHAPE+ è la piattaforma per nuovi entusiasmanti progetti nel campo della musica e delle arti audiovisive della rete di festival ICAS, fondata nel 2014 dal protocollo musicale insieme ad altri quindici festival. https://shapeplatform.eu/ È finanziato dal programma Creative Europe dell’Unione Europea. Una delle sue basi, da cui il trio ha lavorato, è stato il Garage Drushba, fondato in passato da Karl Katzinger. Fino alla sua morte, avvenuta nel 2021, era un luogo di incontro per eventi culturali fuori dagli schemi. Da questo luogo hanno esplorato la zona e creato un diario visivo-uditivo e artistico. Sono state catturate la ricchezza idrica del paesaggio, la lontananza, le antiche scenografie del Garage Drushba, ma anche la bellezza della natura. Grazie alla combinazione di registrazioni sonore e registrazioni dal vivo, si è ottenuta una performance coerente in cui è possibile immergersi in profondità nel confine settentrionale dell’Austria. La realizzazione visiva ha ricevuto una straordinaria componente estetica grazie alla sovrapposizione di diverse registrazioni video. Suoni della natura come il cinguettio degli uccelli, lo scorrere dell’acqua o il fruscio delle foglie secche quando si cammina sopra di esse si sono alternati a suoni elettronici, ma anche a suoni dal vivo di un violino e a suoni di animali. “forest floddlights” è un’opera non solo con un alto valore di riconoscimento, ma che fa venire voglia di guardarla e ascoltarla più di una volta.
“Forest floodlights” – Dom im Berg (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
“Forest floodlights” – Dom im Berg (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
“Forest floodlights” – Dom im Berg (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
L’artista di Taiwan Sabiwa ha presentato “Island N. 16 – Memories of future Landscapes” insieme al suo partner Nathan L.. L’artista descrive l’opera come un luogo della memoria creato durante la pandemia.
“Island no. 16” – Dom im Berg (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
“Island no. 16” – Dom im Berg (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
“Island no. 16” – Dom im Berg (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
Oltre a una variegata installazione video che alterna filmati reali, filmati in cui il materiale reale è stato alienato e filmati puramente generati al computer, l’artista ha creato una rete sonora altrettanto variegata. Le registrazioni sono mescolate con registrazioni dal vivo. Pesci in un acquario, che si vedono nel video, fiori freschi in un vaso da terra sul palco, in cui sono inseriti tubi da giardino, attraverso i quali viene soffiata l’aria, suoni di flauto, quelli di un sassofono alienato e il canto, tutto questo risulta in un caleidoscopio visivo e uditivo, che cambia continuamente forma, colore e suono. All’inizio, il video rimane interamente radicato nel cliché asiatico delle pratiche di bondage, ma presto passa a costellazioni di colori puramente animate al computer, e successivamente a impressioni di paesaggi e città e a riprese ravvicinate di farfalle o vespe che si nutrono. Lo stile complessivo parla di un linguaggio sonoro giovanile con un’alta densità di rumore, in cui i passaggi virano poi verso la psichedelia. “Island N. 16 – Memories of future Landscapes” è un buon esempio della fluidità di fonti musicalmente diverse, che si alternano tra i regni della musica seria e di quella popolare, che non può essere sostenuta in questo modo.
“OSWYC” – Dom im Berg (Foto: ORF musikprotokoll/Martin Gross)
In OSWYC – il titolo della composizione di Robert Schwarz – combina suoni artificiali e naturali, ma indistinguibili l’uno dall’altro. Con il frinire dei grilli, i rumori del vento e un suono di soffi che attraversa la stanza, egli fa entrare il pubblico nella sua opera. Scricchiolii di porte, un suono simile a una pallina della roulette che rimbalza e un cinguettio accompagnato da un basso sordo si ripetono con lievi variazioni. Un ronzio, un mormorio, un gorgoglio e uno sferragliamento sono interrotti da un tintinnio, seguito a breve distanza dal suono degli insetti. Ancora e ancora, sono i suoni della natura che si pensa di percepire, ancora e ancora i suoni e i rumori vagano per la stanza e fingono ciò che è stato creato solo elettronicamente.
La serata si è conclusa con i contributi di tre studenti che si sono candidati al concorso “Student 3D Audio Competition”. Tutti e tre hanno chiarito quanto siano immersi nella questione delle percezioni spazio-corporee e hanno dimostrato ancora una volta le possibilità di ascolto mozzafiato che il sistema audio del Dom im Berg è in grado di riprodurre.
da Michaela Preiner | Set 27, 2023 | 2021, steirischer herbst, Theater
La “performance poetico-documentaria” ha un forte legame con Graz e si svolge come co-produzione nell’ambito dello “Steirischer Herbst” presso il Theater am Lend. Questo ha senso, dato che il tema del festival di quest’anno è “Uomini e demoni” e molti dei contributi e dei loro contenuti sono legati a Graz.
Il testo è stato scritto dall’ensemble stesso. Bernhard Berl, Vinko Cener, Franciska Farkas, Natalija Teodosieva e Christian Winkler raccontano storie della loro vita e di quella dei loro antenati. Ad eccezione di Natalija e Christian, che si occupa della parte introduttiva, tutti appartengono al gruppo di popolazione Rom e provengono da Austria, Slovenia, Ungheria e Macedonia. Tra una descrizione e l’altra, lavorano tutti insieme su una barca di legno con la scritta Feuerwehr Steiermark. La carotano, levigano parti della superficie, verniciano e incollano le singole parti in legno.
Moritz Weiß e Ivan Trenev (foto Edi Haberl)
Ivan Trenev (fisarmonica) e Moritz Weiß (clarinetto/clarinetto basso) forniscono l’accompagnamento musicale dal bordo del palco. Il loro repertorio comprende brani klezmer con una forte impronta balcanica, ma anche pezzi lirici e facili da ascoltare, così come suoni drammatici quando gli eventi sul palcoscenico si fanno sentire.
L’imbarcazione utilizzata sul palco è una di quelle già utilizzate come scialuppa di salvataggio nel Mur negli anni ’30. Il fatto che non sia stata utilizzata quando la bisnonna di Bernhard Berl annegò nella Mur il 13 marzo 1938 testimonia l’atteggiamento sociale ostile che i Rom dovettero subire nel periodo tra le due guerre e durante la Seconda Guerra Mondiale.
Bernhard, che proviene dalla Stiria orientale, racconta vividamente che quando aveva appena 20 anni, si mise alla ricerca dei suoi antenati e scoprì di essere un Rom. Durante la sua narrazione, si nota quanto sia ancora emotivamente colpito da questa circostanza, anche se prima di tutto la sdrammatizza con umorismo. “Sono rom? Fantastico, un italiano!” è stata la sua reazione alla rivelazione della sua ascendenza. Solo la brusca risposta della nonna: “No, non sono italiano, sono uno zingaro!”, fa cadere il tappeto sotto i piedi del giovane. Ammette liberamente che senza un supporto psicologico non sarebbe stato in grado di rimettere in piedi la sua vita.
Natalja ha avuto esperienze opposte. Fin da piccola era molto legata a uno dei suoi “babà”, uno dei più famosi cantanti rom. Voleva diventare come lei. Quando, all’età di otto anni, suo fratello le disse che non c’era alcun legame di sangue tra questa nonna e lei e che non era una Rom, le crollò il mondo addosso.
Vinko, un rom sloveno, ha dovuto imparare la lingua dei suoi antenati solo in età adulta. I suoi genitori erano troppo ansiosi di integrarsi nel loro paese e di non distinguersi come rom. Sembra quasi un’ironia della sorte che Vinko alla fine abbia avuto un proprio programma televisivo in cui presentava le vicende dei Rom. Vive a Graz da molti anni e sperimenta continuamente cosa significa non essere nato qui.
Franciska inizia il suo racconto con un’orribile storia dell’epoca nazista. Dopo una pausa di sgomento, durante la quale ci si accorge che il pubblico si è sentito a disagio, la donna assume improvvisamente una faccia completamente diversa e chiede cosa accadrebbe se questa storia fosse inventata. Franciska è un’attrice professionista, una celebrità in Ungheria e non vorrebbe altro che non essere costantemente scritturata solo per ruoli da Romnja.
La nave di Teseo (Foto Edi Haberl)
La nave di Teseo (Foto Edi Haberl)
La nave di Teseo (Foto Edi Haberl)
Per quanto le storie di vita e gli approcci alle loro origini rom siano diversi, tutti i membri dell’ensemble sono accomunati dal fatto che a un certo punto della loro vita le loro identità hanno cominciato a vacillare e hanno dovuto fare i conti con le loro origini, che lo volessero o meno. Con l’inclusione della barca, Franz von Strolchen ha creato due livelli drammaturgici che, a prima vista, sembrano abbastanza discreti. Da un lato, il paradosso filosofico della la nave di Teseo viene spiegato con l’aiuto di testi scorrevoli. In secondo luogo, crea una parentesi con la barca a remi. Essa racchiude la storia della bisnonna di Bernhard, che viene raccontata all’inizio della produzione, fino alla fine: Nell’ultima scena, la barca viene rivestita di tessuto bianco senza parole, avvolta in corde e infine lasciata sola sul palco. L’associazione che viene lasciata qui ha tutto: legate in questo modo, le persone che muoiono in alto mare non vengono portate a terra, ma trovano la loro ultima dimora nelle piene dei mari o dei fiumi.
“La nave di Teseo” apre molte finestre sul passato, ma allo stesso tempo diventa palpabile il desiderio quasi irrefrenabile degli interpreti di un futuro migliore. Un futuro in cui l’ascendenza e le origini di una persona non dovrebbero più giocare un ruolo. Le utopie diventano realtà quando vengono vissute. Iniziare ora sembra essere all’ordine del giorno in tempi come questi, in cui le controcorrenti nazionali sono di nuovo in aumento. Il teatro contemporaneo non può essere più attuale.
Questo articolo è stato tradotto automaticamente da deepl.com
da Elisabeth Ritonja | Set 24, 2023 | 2021, Tanz
Secondo la mitologia greca, Dido, che proveniva dalla famiglia reale fenicia, fu il fondatore di Cartagine. Fuggì dalla sua patria per sfuggire al fratello e, agendo con intelligenza, ottenne nella nuova terra, dove era arrivata con seguaci e navi, un terreno sufficiente per costruire Cartagine. Descritta come una regina alta, bella, intelligente e intoccabile, si innamorò, per intervento degli dei, di Enea che, fuggito da Troia, le chiese il diritto di restare. La storia d’amore, che si conclude tragicamente, è stata adattata molte volte in letteratura e ha trovato spazio in circa 90 opere. Henry Purcell creò “Dido ed Enea“, da cui ‘il Lamento di Didone‘ ha dato origine a una delle più famose e belle arie funebri della storia dell’opera.
“Dido” di e con Korhan Basaran al wortwiege nel Kasematten di Wiener Neustadt (Foto: Julia Kampichler)
“Dido” di e con Korhan Basaran al wortwiege nel Kasematten di Wiener Neustadt (Foto: Julia Kampichler)
“Dido” di e con Korhan Basaran al wortwiege nel Kasematten di Wiener Neustadt (Foto: Julia Kampichler)
Il ballerino e coreografo turco Korhan Basaran ha fatto un’apparizione come ospite al wortwiege festival “Europa in scena“, questa volta sottotitolato “Sea change”. Ha presentato il suo pezzo di danza “Dido”, in cui lui stesso si cala nel ruolo della donna amata e poi abbandonata da Enea. Gli dei chiedono a Enea di lasciare Didone da sola a Cartagine e di attraversare il mare con il suo popolo per fondare lui stesso una città, Roma. Questo spezza il cuore della donna, un tempo orgogliosa. Basaran condensa l’azione agli ultimi momenti della vita di Didone, dopo l’abbandono da parte di Enea, e rende visibili tutte le emozioni che lo strazio può portare.
Nel monologo interiore di Didone, si concentra sulle emozioni esistenziali che sorgono nel momento dell’abbandono. Piccole barchette di carta, piegate dal pubblico sotto la sua guida all’inizio dello spettacolo e disposte sul pavimento del palcoscenico, chiariscono che è il mare che ha unito i due amanti, ma che alla fine li separa di nuovo.
Sostenuto da strati musicali del compositore Tolga Yayalar, il Lamento di Didone di Purcell risuona fin dall’inizio. All’inizio è solo la sequenza armonica, trasposta in suoni elettronici, che si sente delicatamente, ma alla fine Didone stessa canta il ritornello di questo lamento a voce alta ed emotivamente veemente. Yayalar ha anche creato le percezioni uditive del corno di un grande piroscafo, il cinguettio degli uccelli, rumori demoniaci dal suono minaccioso e il crepitio e lo scoppiettio della legna che brucia. Anche Ataman Girisken contribuisce in modo significativo al successo della produzione con le sue immagini. A seconda dello stato d’animo, egli immerge la sala in scintillanti rifrazioni di onde bianche e blu, la dota di un cielo stellato scintillante, la trasforma in una grotta buia o scatena momenti di paura quando Didone incontra la morte sul rogo. Lingue di fuoco rosso divampano fino a dissolvere visivamente la figura di Didone distesa a terra. La conflagrazione che ne consegue rimane palpabile anche nelle sue ondulazioni astratte, che allo stesso tempo hanno un effetto incredibilmente estetico.
“Dido” di e con Korhan Basaran al wortwiege nel Kasematten di Wiener Neustadt (Foto: Julia Kampichler)
“Dido” di e con Korhan Basaran al wortwiege nel Kasematten di Wiener Neustadt (Foto: Julia Kampichler)
“Dido” di e con Korhan Basaran al wortwiege nel Kasematten di Wiener Neustadt (Foto: Julia Kampichler)
La Didone di Korhan Basaran è tormentata da convulsioni dolorose, ma rivela anche quell’atteggiamento difensivo che deriva dall’orgoglio ferito. Un’espressione facciale espressiva rende visibile ogni singolo movimento emotivo. Che si tratti di disperazione, paura, speranza o disgusto. La figura alta in una lunga gonna, con la parte superiore del corpo vestita solo di una camicia, trasmette in modo contemporaneo l’immagine di Didone che è stata tramandata dalla tradizione. Ma Basaran si cala anche in Enea, che, lanterna alla mano, afferma a Didone che non è per volontà sua ma degli dei che deve lasciarla.
È il melange brillantemente realizzato della sua danza espressiva, dei brani di testo selezionati da Virgilio e Christopher Marlowe che recita, delle immagini atmosferiche e della musica a creare un evento scenico armonioso ed emotivamente coinvolgente. Con l’interpretazione di Didone, Basaran continua a scrivere una tradizione che ha affascinato innumerevoli generazioni e che, a giudicare dalla reazione del pubblico, lo coinvolge emotivamente ancora oggi.
