La Schauspielhaus, che si affaccia sul retro delle Feste Salisburghesi, può quasi essere definita un consiglio da insider. Sebbene sia il più grande teatro indipendente con un ensemble fisso, sorprendentemente non riceve molta attenzione al di fuori della regione. A torto. Perché offre una grande varietà di produzioni, con attualmente 10 prime a stagione. La seconda produzione di questa stagione, “Frankenstein”, è sotto la responsabilità di Jérôme Junod, attuale direttore del teatro e capo drammaturgo. L’anno scorso ha debuttato a teatro con “King Arthur”, la sua nuova versione del materiale storico. A causa di una chiusura, questa straordinaria produzione è stata purtroppo rappresentata solo poche volte. Ora ha scritto la sua versione teatrale dell’opera di Mary Shelley, scritta nel 1816, dandole un’impronta del tutto particolare e inedita.
La storia può essere immaginata metaforicamente come una bambola matrioska russa: come una commedia, in una commedia, in una commedia. Uno dopo l’altro, si sviluppano diversi filoni narrativi che iniziano e finiscono con Roberta Walton. Questa – riccamente dotata di dominanza maschile – è un’avventuriera dell’acqua più pura che vuole raggiungere il Polo Nord con un piccolo equipaggio sulla propria nave. Petra Staduan incarna non solo questo spirito libero femminile, ma anche la condannata Justine nell’ascensore penitente e la ribelle Agatha, che denuncia la disuguaglianza tra ricchi e poveri. Nei panni di Walton, è quasi costantemente presente sul palco e ascolta le storie del giovane Victor Frankenstein.
Quest’ultimo, salvato da lei dall’inferno di ghiaccio nordico, le racconta della sua giovinezza e degli anni di studio all’università di Ingolstadt sotto il dominio di due professori scorbutici. Questi lo sostennero fino al sacrificio assoluto nel suo tentativo di trasformare la materia morta in materia viva e di creare un essere umano artificiale. Antony Connor e Olaf Salzer hanno le risate dalla loro parte in questi ruoli deliziosamente creati. Dimostrano anche il loro talento comico come marinai e passano con altrettanta abilità ai personaggi seri del padre di Frankenstein e di un rivoluzionario cieco.
“Frankenstein” – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
“Frankenstein” – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
“Frankenstein” – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
“Frankenstein” – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
“Frankenstein” – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
“Frankenstein” – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
Wolfgang Kandler incarna il giovane scienziato curioso che ben presto deve rendersi conto della disgrazia che ha portato nella vita sua e della sua famiglia con la creazione della sua “creatura”. Magdalena Oettl nel ruolo di Elisabeth, la sua fidanzata, fa da cornice alla narrazione così come un nuovo personaggio introdotto da Junod, Margaret Saville, una giornalista mondana a cui viene permesso di vivere un sorprendente sviluppo caratteriale. Il personaggio principale di Paul Andre Worms, Henry, amico d’infanzia di Victor Frankenstein, è il suo completo opposto non solo in termini di struttura del personaggio ma anche visivamente. Allegro e amante del divertimento, disponibile e aperto, viene tuttavia ucciso dal mostro di Frankenstein per sete di vendetta.
Tranne che nell’ultima scena, quest’ultimo appare in pantaloni neri e aderenti con un grande maglione nero con cappuccio, in modo tale da non riuscire a distinguere il suo volto. (Costumi Antoaneta Stereva) Hussan Nimr, nel ruolo della creatura di Frankenstein, è perennemente in movimento, con una voce cupa e minacciosa, e rende chiare le sue origini innaturali attraverso i suoi movimenti animaleschi. Si muove a quattro zampe, si arrampica agilmente sulle impalcature e di solito sta con la testa china mentre cerca di raccontare la sua storia. L’ambivalenza di questo personaggio e, soprattutto, il riconoscimento del motivo per cui lui stesso è diventato un mostro, sono molto toccanti e danno alla storia dello Schauspielhaus di Salisburgo una colorazione tutta sua. Bernhard Eder accompagna musicalmente l’azione dal vivo, sia con la voce che con la chitarra elettrica e l’elettronica, regalando così ulteriori momenti emotivi.
L’interpretazione di Junod di “Frankenstein” non si basa su effetti horror e sulla generazione di pelle d’oca. Invece, colpisce per il suo psicogramma finemente realizzato di un outsider il cui più grande difetto è la sua solitudine, che cerca di sublimare attraverso il sentimento di vendetta, diventando così un assassino di massa. Una serata teatrale di successo in un autunno in cui la storia del mondo purtroppo pullula di mostri.
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Quando ci viene in mente il nome di Shakespeare, la maggior parte di noi probabilmente pensa ai drammi reali come Lear, Macbeth o Amleto. Ma per trovare qualcuno che abbia visto Coriolano, bisogna cercare a lungo. La compagnia teatrale “wortwiege” ha appena rimediato a questo problema con il suo festival “Europa in Szene”. La creatrice teatrale e docente di regia presso il Seminario Max Reinhardt, Anna Maria Krassnigg, ha invitato due ex studenti del suo corso di regia all’attuale edizione del festival per mostrare i loro progetti finali. Azelia Opak ha scavato a fondo nella sua ricerca e, con un ensemble di attori giovani ma già affermati e due membri del ‘wortwiege’, presenta l’ascesa e la caduta del patrizio romano Coriolano. È l’ultima opera di Shakespeare ed è generalmente considerata matura. La sua diversa autorità interpretativa può forse essere responsabile del fatto che non viene eseguita spesso.
Coriolano (Foto: Julia Kampichler)
Coriolano, addestrato alla battaglia fin dall’infanzia, si candida alla carica di console romano, spinto dalla madre. Si è sufficientemente guadagnato i meriti per questo; potrebbe mostrare più di 20 cicatrici al popolo, come era consuetudine prima di assumere l’incarico, per dimostrare di essere fedele a Roma. Potrebbe, se non fosse per il suo indomabile orgoglio. È questo orgoglio che alla fine lo fa crollare. Qualche secolo dopo Shakespeare, ci sarà un secondo personaggio chiamato Michael Kohlhaas che sarà altrettanto inflessibile di Coriolano, anche se il motivo è diverso.
Ma fino a questo momento, Opak mostra i personaggi di Shakespeare in tutta la loro differenziazione psicologica: Coriolano (Lukas Haas), l’indomito, che per una volta non rimane fedele ai suoi principi, ma per il resto può essere considerato un uomo testardo per eccellenza. È fantastico il modo in cui Haas riesce a parlare con se stesso fino a raggiungere una furia quasi spaventosa. Sua madre Volumnia (Judith Richter), che, come le madri sportive di oggi, esige tutto da suo figlio per potersi crogiolare nella sua gloria. Menenio Agrippa (Jens Ole Schmieder), un membro della casta elitaria, che sostiene Coriolano con consigli benintenzionati per non mettere in pericolo la propria posizione. Tullo Aufidio (Philipp Dornauer), il perdente multiplo di Coriolano in battaglia, aspetta solo di vendicarsi al momento giusto. Nonostante la sua giovane età, Dornauer imita un combattente dal sangue caldo, ma mette una grande dose di ponderatezza prima di ogni sua azione. Giunio Bruto (Paul Hüttinger), uno dei primi tribuni del popolo, imparò rapidamente come funzionano gli intrighi politici. Sebbene i suoi attributi esterni, come una spessa catena d’argento al collo, indichino la sua vicinanza al popolo, Hüttinger tuttavia infonde al suo tribuno una grande dose di subdolezza e astuzia. Infine, Sicinius Velutus (Uwe Reichwaldt), secondo tribuno del popolo, che, nella regia di Opak, si districa in tutte le situazioni pericolose come un funzionario austriaco-Slavin e ha la simpatia del pubblico dalla sua parte.
Una scenografia estremamente intelligente (Felix Huber) separa il lungo spazio scenico. Una porta rotonda girevole – la parte anteriore in oro scintillante, la parte posteriore dipinta di nero pece – indica se l’azione si svolge a Roma o con il nemico di Roma, i Volsci. Dopo l’ultima battaglia vinta, Coriolano spalma il sangue delle sue mani sul grande specchio nell’abside del palcoscenico, chiarendo che le sue battaglie sono costate più di una sola vita umana.
L’idea di accompagnare la produzione con musica dal vivo non è solo grandiosa, ma ha anche un senso drammaturgico. Boglarka Bako e Marie Schmidt intonano ripetutamente il motivo del Coriolano di Beethoven con leggere variazioni sui loro strumenti ad arco. Questo sottolinea anche quei momenti in cui il patrizio si vede completamente nel suo elemento come leader popolare e governante aristocratico che si arroga il diritto di prendere le sue decisioni senza il popolo, che in realtà considera fastidioso e dispensabile. I due musicisti siedono a destra e a sinistra sul fondo del palcoscenico, in modo da poter essere visti ma senza disturbare la rappresentazione sul palcoscenico limitato.
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
La produzione non vive solo del fatto che mostra diversi punti di vista su uno Stato di successo e sui rispettivi rappresentanti. La produzione vive anche di momenti forti ed emotivi, come quello in cui la madre di Coriolano si getta in ginocchio davanti a lui e lo implora di avere pietà per Roma. Il modo in cui si aggrappa a lui poco dopo mostra chiaramente il legame fatale tra lei e suo figlio. Judith Richter rimane indelebile nella memoria con questa scena. Ma Jens Ole Schmieder riesce anche a dimostrare cosa sia l’alta recitazione in un’interpretazione quasi senza parole. Il modo in cui spinge le tribune ai lati del palco con brevi scatti denigratori e non lascia che prendano posto al centro entra nella pelle e lo rende profondamente spregevole in questo momento.
Chi è il bene qui e chi è il male qui, in definitiva, non è realmente distinguibile. Come nella vita reale, in questa opera non c’è un vero nero e un vero bianco. Ciò che rimane è la consapevolezza che un tempo la politica era fatta dalle persone, proprio come oggi. Da persone che, da un lato, si trovano dove sono in virtù della loro volontà e, dall’altro, si sono conquistate un posto grazie a reti familiari o politiche, per le quali sono disposte a fare sacrifici personali, ma anche a passare sui cadaveri.
Il fatto che l’opera sembra fatta per le casematte di Wiener Neustadt è un altro punto a favore della produzione. Le altre performance sono incorniciate da colloqui salottieri, ma anche da un nuovo formato. Con i “discorsi”, vengono riproposti i discorsi di personaggi famosi, che di solito si conoscono solo per sentito dire. Un’altra grande idea artistica che getta luce da un’angolazione diversa sul grande campo del ‘potere’, che è in definitiva ciò che riguarda la ‘Szene Europa’ nelle casematte di Wiener Neustadt.
Il programma del ‘Musiktheatertage Wien’ di Thomas Cornelius Desi e Georg Steker offre al pubblico una gamma quasi mozzafiato di performance diverse. Lo dimostrano le due produzioni tematicamente diametralmente opposte “Chornobyldorf” e ‘Incontri di cucina europea: VR-Bania’.
Questo ‘progetto di realtà virtuale con gusto’, come dice il sottotitolo, è opera della regista austriaca Carmen C. Kruse e del compositore italiano Manuel Zwerger. Si sono recati nella città italiana di Verbania, sul Lago Maggiore, e hanno intervistato diversi residenti sul tema dell’alimentazione. Le interviste sono state montate in piccole sequenze che potevano essere viste con gli occhiali VR proprio come la preparazione di un risotto – per essere precisi, un “risotto giallo con salciccia”, cucinato dalla performer Anna Piroli. Era supportata da Leo Morello con un bel paesaggio sonoro in cui si poteva sentire il raschiare del coltello sulla tavola di legno in modo altrettanto alienato del ritmico gocciolare dei chicchi di riso nella pentola. Ringhiando, vibrando, picchiettando, ha sostenuto Piroli con tutti i tipi di strumenti a percussione, proprio come si faceva la musica dei film muti di una volta. L’unica differenza era che il repertorio uditivo era molto più contemporaneo.
VR-Bania (Foto: Nick-Mangafas)
Il pubblico è stato invitato a seguire la procedura di cottura e le interviste con movimenti sulle sedie girevoli su cui sono stati posizionati. Il punto culminante della performance, tuttavia, è stato che mentre i video venivano riprodotti nell’angolo cottura del WUK dietro il pubblico, questo piatto veniva effettivamente preparato, e quindi gli eventi olfattivi si fondevano con quelli videoregistrati per formare un’esperienza dal vivo.
VR-Bania (Foto: Nick-Mangafas)
La successiva cena con il regista e il compositore ha offerto l’opportunità di parlare non solo di ciò che è stato visto, ma anche di ciò che è stato fatto prima. Questa parte in particolare va sottolineata, perché è l’esperienza di unione che non si può provare indossando gli occhiali VR che ha dato alla performance il suo vero pepe. È ciò di cui il pubblico ha bisogno, ora più che mai, quando viene esposto alle esperienze teatrali. I video, i lungometraggi o le opere teatrali registrate possono essere guardati post Corona in massa davanti allo schermo video di casa. La conversazione con persone che non si conoscono, ma che hanno almeno un denominatore comune – il desiderio di teatro – questa conversazione e questo scambio non possono essere sostituiti, ma dovrebbero essere intensificati – come esemplificato in questa produzione.
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Immagini che il suo raggio d’azione sia limitato a quattro pareti e che non le dispiaccia affatto, anzi, lo trovi addirittura comodo. Immagini di avere un assistente personale che si occupa di tutto per lei. La chiami Isadora e le parli come se fosse la sua migliore amica. Immagini che tutto sia organizzato in modo così comodo per lei che può persino ricevere gli amici al tavolo da pranzo virtuale. Immagini di essere completamente indipendente dal mondo esterno e di essere felice, solo che non esce mai perché ne ha paura.
Questa è esattamente l’ambientazione che Caroline Peters ha offerto con il gruppo Ledwald nello spettacolo “Die Maschine steht nicht still”. La produzione è una parafrasi di un testo di E.M. Forster “La macchina si ferma” del 1909 ed è stata creata come reazione alla pandemia in cui la maggior parte di noi è diventata molto più dipendente dai computer e da Internet.
I sorprendenti effetti visivi di Eric Dunlap, la guida permanente della telecamera dal vivo di Andrea Gabriel (responsabile anche dei video registrati) e il design di luci e suoni perfettamente coordinato da Lars Deutrich aggiungono un livello elettronico alla performance che non solo è assolutamente zeitgeisty, ma ha anche un senso qui. Il testo, adattato da Caroline Peters, racconta di una donna che un giorno riceve una telefonata da suo padre. Come lei, vive a 2,5 km di distanza da lei in un ambiente come quello descritto sopra, vuole dirle qualcosa e le chiede di mettersi in viaggio e di venire da lui non solo virtualmente, ma in carne e ossa.
Questa situazione iniziale mette la figlia in difficoltà, poiché deve lasciare il suo ambiente protettivo contro ogni ordine e andare in un terreno di cui non ha idea di cosa l’aspetta. Il controllo della mente è progredito a tal punto che qualsiasi esperimento al di fuori delle proprie quattro mura non sembra più desiderabile e si applica la massima: l’immobilità è un progresso e ciò che non provo non può andare male. Verso la fine, tuttavia, la figlia riesce effettivamente a liberarsi dalla sua compagna di monitoraggio Isadora, che invita immediatamente al confronto con Alexa, Siri o altri aiutanti elettronici attualmente attivi. Oltre alla descrizione della vita quotidiana, che Peters rende con grande abilità recitativa, sia che si tratti di una ricetta di cucina che vuole che Isadora metta in pratica, sia che si tratti di rispondere a chiamate vocali o di guardare lezioni video, è affascinante in più ruoli nella scena a tavola con gli amici invitati. Tutti sono stati registrati da lei in precedenza e, premendo un pulsante, si riuniscono intorno al tavolo apparecchiato nello spazio virtuale per – come è noto nella vita reale – mostrarsi, spaventarsi, stupirsi o essere ammirati, proprio come i rispettivi personaggi.
Lars Deutrich alla macchina del suono elettronica e Andrea Gabriel nel ruolo della muta Isadora, che cattura tutto con la sua telecamera dal vivo e allo stesso tempo lo salva, sono permanentemente presenti sul palco. Sia Peters che Gabriel indossano costumi verde veleno con un motivo a ragno – un simbolo di imprigionamento nella rete, che tuttavia viene percepito come chic ed essenziale. (Costumi Flora Miranda) Non è solo l’ambientazione illusionistica a colpire, ma anche il testo, che presenta tutta una serie di perle di frasi folgoranti come: “Dopo la pandemia, sappiamo che i virus e la tecnologia crescono in modo esponenziale”, “La conoscenza è una sorta di finzione”, “L’intelligenza profonda è solo un altro tipo di imbroglio” o “Al tempo il suo ciclo, al ciclo la sua libertà” – una riscrittura dello slogan di Hevesi impresso sulla Secessione di Vienna. Queste sono solo alcune, poche dichiarazioni che si vorrebbero leggere a casa per l’ulteriore abbondanza di idee filosofiche, bon mots e visioni del futuro.
Il finale intelligente e aperto lascia un sapore di sollievo e di paura allo stesso tempo e non sorvola in alcun modo sul futuro digitale in cui ci troviamo già.
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Progettato come una “passeggiata per la figura”, invita il pubblico a spostarsi dal cortile del teatro al parco Arne Karlsson di fronte con un conferenziere. Lì, in varie stazioni, scopre tutta una serie di figure animali che si rivelano essere candidati alle elezioni con discorsi infuocati.
La scimmia Sunni, insignita di un numero così elevato di titoli che alla fine non resta altro che rivolgersi a lui solo come Sunni, libera il pubblico con il suo accompagnatore Markus-Peter Gössler nella natura. Lì incontrano uno Stregatto, sotto la cui guida è possibile rintracciare i candidati alle elezioni.
Un ratto del sottosuolo brandisce un discorso infuocato contro l’ingiustizia con cui gli agili scoiattoli sono favoriti rispetto a loro. Un misterioso coniglio intrattiene il pubblico con altrettanto misteriose promesse elettorali, che dopo averle interrogate sanno poco di sé come prima. Due antichi vermi cercano di convincere la clientela a passare dalla loro parte con il suono dei papaveri, con grande divertimento dei bambini presenti, che si sono staccati dal gioco e si godono l’inaspettato spettacolo dei vermi. Infine, un ex generale sotto le sembianze di un cinghiale offre polpettoni agli elettori interessati presenti, per poter aumentare la protezione della sua patria con i loro voti.
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Schubertheater)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Schubert Theater)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Per tutti coloro che fanno parte del pubblico abituale del Teatro Schubert, il piccolo viaggio è anche una splendida occasione per rivedere i singoli personaggi. I due vermi grassi e avidi hanno fatto la loro grande apparizione in Wolkenkuckucksheim XX, la bestia ratto anche in Ochkatzlschwoaf. L’Ebergenerale deriva dall’opera teatrale Go West! E il coniglio bianco era in ALICE.
Che ci si unisca al piccolo tour come nuovi arrivati o come vecchie conoscenze, tuttavia, non fa differenza. La gioia del teatro di figura e il suo noto segreto, ovvero che le persone che le servono scompaiono dietro di loro e tuttavia rimangono visibili, è sempre la stessa.
Diretti da Simon Meusburger, Soffi Povo, Angelo Konzett e Markus-Peter Gössler si fondono con i loro pupazzi, pur rimanendo visibili nelle loro simpatiche performance attoriali.
Altre date ogni fine settimana di giugno, sabato 14:30 & 17:30, domenica 11:00 & 15:00.
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C’è stato un tempo in cui alcuni dei suoi pensieri formulati facevano fermare il cuore quasi ogni minuto. C’è stato un tempo in cui lo sapevi: Ovunque sia scritto Rabtaldirndl, c’è dentro arguzia, esprit e intelligenza. Ribellismo e dimostrazione di auto-emancipazione, ma anche domande intelligenti sullo stato d’animo femminile, hanno accompagnato con leggerezza la grande trama del titolo scelto. Sia che la marmellata venisse raffinata in una “frase d’oro“, sia che si permettesse di litigare all’aperto dietro la “Uschi Kümmernis”, i lampi di ispirazione scintillavano sempre e l’insieme incoraggiava sempre la riflessione e il ripensamento.
Il nome Sogni tossici è sinonimo di esperienze teatrali non convenzionali. Si tratta di mettere le condizioni sociali in una luce teatrale che rivela ciò che sembra quasi indicibile senza di essa.
Nella produzione “The unreal Housewife of Vienna vs. The unreal Housewives of Graz”, le due compagnie hanno unito le forze per affrontare il tema delle “casalinghe ricche”. Il format reality “The real housewives” è servito da modello per questo, in cui il pubblico è autorizzato a guardare nella presunta vita interiore ma anche esteriore delle ricche e belle.
L’attuale produzione, diretta da Yosi Wanunu, direttore artistico di toxic dreams e uomo di teatro di grande esperienza, non è all’altezza delle aspettative di questa collaborazione. Questa circostanza ha diverse cause. Tradurre un format televisivo in teatro non è un compito facile, soprattutto perché esistono già parodie teatrali per questa serie in particolare.
In secondo luogo, può darsi che l’uno o l’altro trovi divertente vedere donne che si smascherano psicologicamente e si affrontano come corvi. Ma questo tipo di intrattenimento non ha davvero fatto alzare dalla sedia il pubblico presente.
In terzo luogo, c’è la questione del senso di contrapporre le cricche femminili viennesi e grazesi dell’ambiente benestante e farle competere l’una contro l’altra in una prova di forza come in un’arena. L’eleganza in bianco e nero delle grandi città, contrapposta al costume colorato e alla moda, fa capire quali sono le donne squalo che comandano qui a livello internazionale e quali al massimo a livello nazionale. I costumi di Susanne Bisovsky, una grande della moda viennese, sono il punto forte della produzione. Il fatto che le donne di Graz si definiscano maggiormente in base ai loro beni e ne facciano sfoggio, mentre le donne viennesi si lasciano andare a una maggiore introspezione fin dall’inizio, ma poi fanno anche commenti denigratori su ciò che sentono in ogni caso: questa differenza da sola non rende la serata entusiasmante.
Che si tratti degli interni bianchi ed eleganti di una villa di Ruckerlberg o dei dignitosi divani in pelle marrone di un appartamento con vista sulla cattedrale di Santo Stefano (palcoscenico: Götz Bury, Paul Horn), che le signore si vestano in tenuta da tennis o in cappotto da sauna, l’osservazione dell’alta società di Graz o di Vienna si esaurisce relativamente presto. Forse questa sensazione è stata intensificata anche dal calore sempre crescente nella sala dei Kristallwerk.
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
Anche gli intermezzi musicali eseguiti dal vivo verso la fine non aiutano. Il testo utilizzato non riflette nulla di diverso da ciò che si è già sperimentato in precedenza. Chi è ricco e bello può farla franca, chi è ricco e bello, non importa come ci sia arrivato, deve solo preoccuparsi degli altri per amore della forma. E – per non dimenticare: Coloro che sono ricchi e belli soffrono per la loro vita senza senso. Uno soffre un po’ di più, l’altro un po’ di meno, ma non è facile nemmeno per loro!
Manca l’arguzia pungente che può smascherare le strutture socialmente tossiche orientate esclusivamente al principio della mia casa, della mia auto, del mio yacht. Ciò che manca è la finezza linguistica, che il Rabtaldirndln in particolare rappresenta. I loro pezzi di dialetto stiriano, spesso buttati giù con tanta disinvoltura, sono di solito di gran lunga superiori all’alto tedesco per la loro concisione e trasformano molte presunte divagazioni in un lungo diamante intellettuale e scintillante.
Ma manca anche il senso di quanti luoghi comuni un testo possa sopportare senza scadere nella noia, nella ripetizione e nella prevedibilità.
In breve, manca quel momento in cui la scintilla salta verso il pubblico e ne accende le emozioni. Coloro che appartengono alla fascia di popolazione a cui ci si rivolge con mezzi non particolarmente idonei non si sentiranno realmente indirizzati. E se lo fanno, si oppongono ferocemente in una sorta di posizione difensiva. Chi non fa parte della scena chic non deve aspettarsi profondi approfondimenti psicologici sulle signore che si incarnano sul palco. Il testo offre loro troppo poco contorno personale perché ci si possa identificare con loro.
La seconda serie di rappresentazioni avrà luogo al brut di Vienna a partire dall’autunno. Forse per allora ci saranno degli adattamenti che renderanno la visita più interessante. Gli slittamenti sono consentiti e fanno parte dell’attività del teatro. “L’irreale casalinga di Vienna contro l’irreale casalinga di Graz” non dovrebbe in alcun modo contribuire a non visitare le prossime produzioni del Rabtaldirndln e i sogni tossici. La focalizzazione sulle proprie competenze di base e, soprattutto, su temi appassionanti offrirà sicuramente al pubblico ancora una volta serate teatrali interessanti e di grande impatto emotivo.
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