L’evoluzione e la sua eredità fisica

L’evoluzione e la sua eredità fisica

“Ossa e pietre” sono due sostantivi che emanano tutt’altro che calore e sicurezza e che non necessariamente si associano immediatamente l’uno all’altro. Eppure, come sottolinea Claudia Bosse nel suo ultimo lavoro, sono inestricabilmente legati. “Bones and Stones” ha avuto la sua prima mondiale nella Sala G del MuseumsQuartier e – secondo la regista teatrale – presto si sposterà all’aperto. Questo ha senso, perché il tema dello spettacolo è il rapporto dell’uomo con la sua vita interiore fatta di ossa, ma anche con la natura con le sue formazioni pietrose e l’evoluzione dalla formazione della terra fino ai giorni nostri.

Bosse lavora con sei donne di età compresa tra i 24 e i 75 anni, la maggior parte delle quali si muove nuda tra il pubblico durante le due ore e mezza di spettacolo. Ti è consentito passeggiare con l’ensemble o allontanarti da esso. La posizione che assumerai dipende da te e anche da come e quando vorrai cambiarla. Di fatto, però, la maggior parte delle persone segue la direzione, che sfrutta appieno lo spazio e sposta costantemente il focus delle azioni. L’oscurità della sala e l’illuminazione parziale su piccoli “vulcani” segnati da mattoni, così come la prima apparizione delle donne, trasportano in un’epoca molto precedente a quella in cui l’uomo come specie dominava la terra. Dotate di piccole ossa, estensioni delle dita dei piedi e delle mani, le donne si comportano come esseri che hanno ancora molto di animalesco dentro di loro. Rimarranno mute – salvo eccezioni – fino alla fine, ma il loro habitus cambierà in modo permanente.

Dopo che le piccole caviglie sono state riconosciute e scrollate via come fastidiose appendici, ci si imbarca insieme agli artisti nella narrazione dello sviluppo umano, partendo dalla preistoria fino ai giorni nostri. È una narrazione senza parole, con molte tappe. Quelle di facile comprensione e altre che lasciano più spazio all’interpretazione.

“Bones & Stones” – Claudia Bosse – Tanzqaurtier (Foto: Markus Gradwohl)

Lì masse di corpi sono presentate come una scultura posta sul pavimento, in cui la vita inizia gradualmente ad agitarsi. Vengono evocati i ricordi della coppia di artisti Prince Gholam e le opere di Mette Ingvartsen. La danza e l’estetica delle arti visive sono qui abilmente bilanciate. Poco dopo che le donne si sono separate l’una dall’altra e agiscono ora come individui, vestite con lunghi grembiuli di plastica, i loro volti sorridenti cambiano. L’espulsione dal paradiso, che gli esseri umani potevano ancora sperimentare senza riflettere, con il sorriso sulle labbra, è seguita da un’azione di vero e proprio disprezzo per l’umanità. Coloro che si accasciano a terra vengono trascinati via dalla massa di persone che li circonda per le braccia o per le gambe. Con dei calci, le estremità dei corpi senza vita vengono portate in posizione in modo che possano essere trascinate dietro di loro senza ostacoli. Un testo accompagna l’atto brutale sottolineando che sono le ossa dei corpi a lasciare tracce sul terreno. Questo richiama l’attenzione sulla fisicità delle donne. Ma non su quegli stereotipi a cui di solito si presta attenzione nelle donne: i loro volti, i loro seni, i loro fianchi. Piuttosto, è lo scheletro ad acquisire improvvisamente un forte momento di attrazione. Ciò è rafforzato da una scena in cui la maggior parte del pubblico guarda le donne sedute e in piedi da dietro. Movimenti lenti con allungamenti a destra e a sinistra dal loro centro illustrano la flessibilità della loro colonna vertebrale e mettono abilmente in evidenza la forma delle scapole.

Seguendo la performance, sorgono continuamente domande sulla propria costituzione fisica. Da dove veniamo, cosa portiamo dentro di noi che era già presente migliaia e milioni di anni fa? In che modo questo speciale modo di vedere cambia il modo in cui guardiamo noi stessi, ma anche il modo in cui guardiamo gli altri? Che ruolo abbiamo come parte della natura su questa terra?

I momenti dionisiaci con frammenti sonori e linguistici cantati e parlati dal vivo fanno avanzare di millenni l’immaginaria ruota del tempo, lasciandola a metà tra l’industrializzazione e il mito del Graal di Wagner. Il suono del martellamento sudato su grandi pezzi di pietra si fonde con una potente voce femminile che ripete più volte la frase “la realtà esiste di processi piuttosto che di oggetti materiali”. Lo strato sonoro – prodotto in modo ingegnoso e con molte sfaccettature da Günther Auer fin dall’inizio – diventa più denso e raggiunge proporzioni estatiche, anche grazie all’accompagnamento vocale.

Nel silenzio che segue, il performer più anziano, munito di due borse della spesa, attraversa la stanza e infine ne versa il contenuto – ossa di maiale lucidate a specchio – sul pavimento. Una ad una, le donne ne raccolgono alcune dal piccolo mucchio e le portano in altri punti della stanza per riordinarle. Col tempo, lo sguardo archeologico con cui le ossa vengono messe insieme per formare nuove forme si riversa sul pubblico. Il riferimento al pericolo e alla fragilità della natura non viene omesso. I contenitori di vetro cilindrici contenenti piccole biosfere danno l’impressione di una natura preservata in un futuro distopico. Simboleggiano un residuo di ciò che la terra era un tempo.

Non sarebbe un’opera di Claudia Bosse se non trattasse esplicitamente il mezzo teatrale. E lo fa con un gran finale. In essa evoca l’immagine di una donna addormentata in un luogo creato come un circo, che colloca tutto ciò che si poteva vedere prima nel regno dei sogni.

Con Anna Biczók, Myrthe Bokelmann, Anita Kaya, Carla Rihl, Marcela San Pedro e Christa Zuna-Kratky, l’ensemble era omogeneo ma anche vario. L’intelligente cast tutto al femminile ha permesso di non sollevare questioni sull’identità maschile e femminile, sulla rivalità, sull’attrazione e sulla repulsione, concentrandosi sull’umano in sé. Non vediamo l’ora di continuare nello spazio esterno.

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La creatura di Frankenstein ai piedi della Fortezza di Salisburgo

La creatura di Frankenstein ai piedi della Fortezza di Salisburgo

La Schauspielhaus, che si affaccia sul retro delle Feste Salisburghesi, può quasi essere definita un consiglio da insider. Sebbene sia il più grande teatro indipendente con un ensemble fisso, sorprendentemente non riceve molta attenzione al di fuori della regione. A torto. Perché offre una grande varietà di produzioni, con attualmente 10 prime a stagione. La seconda produzione di questa stagione, “Frankenstein”, è sotto la responsabilità di Jérôme Junod, attuale direttore del teatro e capo drammaturgo. L’anno scorso ha debuttato a teatro con “King Arthur”, la sua nuova versione del materiale storico. A causa di una chiusura, questa straordinaria produzione è stata purtroppo rappresentata solo poche volte. Ora ha scritto la sua versione teatrale dell’opera di Mary Shelley, scritta nel 1816, dandole un’impronta del tutto particolare e inedita.

La storia può essere immaginata metaforicamente come una bambola matrioska russa: come una commedia, in una commedia, in una commedia. Uno dopo l’altro, si sviluppano diversi filoni narrativi che iniziano e finiscono con Roberta Walton. Questa – riccamente dotata di dominanza maschile – è un’avventuriera dell’acqua più pura che vuole raggiungere il Polo Nord con un piccolo equipaggio sulla propria nave. Petra Staduan incarna non solo questo spirito libero femminile, ma anche la condannata Justine nell’ascensore penitente e la ribelle Agatha, che denuncia la disuguaglianza tra ricchi e poveri. Nei panni di Walton, è quasi costantemente presente sul palco e ascolta le storie del giovane Victor Frankenstein.

Quest’ultimo, salvato da lei dall’inferno di ghiaccio nordico, le racconta della sua giovinezza e degli anni di studio all’università di Ingolstadt sotto il dominio di due professori scorbutici. Questi lo sostennero fino al sacrificio assoluto nel suo tentativo di trasformare la materia morta in materia viva e di creare un essere umano artificiale. Antony Connor e Olaf Salzer hanno le risate dalla loro parte in questi ruoli deliziosamente creati. Dimostrano anche il loro talento comico come marinai e passano con altrettanta abilità ai personaggi seri del padre di Frankenstein e di un rivoluzionario cieco.

Wolfgang Kandler incarna il giovane scienziato curioso che ben presto deve rendersi conto della disgrazia che ha portato nella vita sua e della sua famiglia con la creazione della sua “creatura”. Magdalena Oettl nel ruolo di Elisabeth, la sua fidanzata, fa da cornice alla narrazione così come un nuovo personaggio introdotto da Junod, Margaret Saville, una giornalista mondana a cui viene permesso di vivere un sorprendente sviluppo caratteriale. Il personaggio principale di Paul Andre Worms, Henry, amico d’infanzia di Victor Frankenstein, è il suo completo opposto non solo in termini di struttura del personaggio ma anche visivamente. Allegro e amante del divertimento, disponibile e aperto, viene tuttavia ucciso dal mostro di Frankenstein per sete di vendetta.

Tranne che nell’ultima scena, quest’ultimo appare in pantaloni neri e aderenti con un grande maglione nero con cappuccio, in modo tale da non riuscire a distinguere il suo volto. (Costumi Antoaneta Stereva) Hussan Nimr, nel ruolo della creatura di Frankenstein, è perennemente in movimento, con una voce cupa e minacciosa, e rende chiare le sue origini innaturali attraverso i suoi movimenti animaleschi. Si muove a quattro zampe, si arrampica agilmente sulle impalcature e di solito sta con la testa china mentre cerca di raccontare la sua storia. L’ambivalenza di questo personaggio e, soprattutto, il riconoscimento del motivo per cui lui stesso è diventato un mostro, sono molto toccanti e danno alla storia dello Schauspielhaus di Salisburgo una colorazione tutta sua. Bernhard Eder accompagna musicalmente l’azione dal vivo, sia con la voce che con la chitarra elettrica e l’elettronica, regalando così ulteriori momenti emotivi.

L’interpretazione di Junod di “Frankenstein” non si basa su effetti horror e sulla generazione di pelle d’oca. Invece, colpisce per il suo psicogramma finemente realizzato di un outsider il cui più grande difetto è la sua solitudine, che cerca di sublimare attraverso il sentimento di vendetta, diventando così un assassino di massa. Una serata teatrale di successo in un autunno in cui la storia del mondo purtroppo pullula di mostri.

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Quando il risotto comincia a profumare

Quando il risotto comincia a profumare

Il programma del ‘Musiktheatertage Wien’ di Thomas Cornelius Desi e Georg Steker offre al pubblico una gamma quasi mozzafiato di performance diverse. Lo dimostrano le due produzioni tematicamente diametralmente opposte “Chornobyldorf” e ‘Incontri di cucina europea: VR-Bania’.

Questo ‘progetto di realtà virtuale con gusto’, come dice il sottotitolo, è opera della regista austriaca Carmen C. Kruse e del compositore italiano Manuel Zwerger. Si sono recati nella città italiana di Verbania, sul Lago Maggiore, e hanno intervistato diversi residenti sul tema dell’alimentazione. Le interviste sono state montate in piccole sequenze che potevano essere viste con gli occhiali VR proprio come la preparazione di un risotto – per essere precisi, un “risotto giallo con salciccia”, cucinato dalla performer Anna Piroli. Era supportata da Leo Morello con un bel paesaggio sonoro in cui si poteva sentire il raschiare del coltello sulla tavola di legno in modo altrettanto alienato del ritmico gocciolare dei chicchi di riso nella pentola. Ringhiando, vibrando, picchiettando, ha sostenuto Piroli con tutti i tipi di strumenti a percussione, proprio come si faceva la musica dei film muti di una volta. L’unica differenza era che il repertorio uditivo era molto più contemporaneo.

VR-Bania (Foto: Nick-Mangafas)

Il pubblico è stato invitato a seguire la procedura di cottura e le interviste con movimenti sulle sedie girevoli su cui sono stati posizionati. Il punto culminante della performance, tuttavia, è stato che mentre i video venivano riprodotti nell’angolo cottura del WUK dietro il pubblico, questo piatto veniva effettivamente preparato, e quindi gli eventi olfattivi si fondevano con quelli videoregistrati per formare un’esperienza dal vivo.

VR-Bania (Foto: Nick-Mangafas)

La successiva cena con il regista e il compositore ha offerto l’opportunità di parlare non solo di ciò che è stato visto, ma anche di ciò che è stato fatto prima. Questa parte in particolare va sottolineata, perché è l’esperienza di unione che non si può provare indossando gli occhiali VR che ha dato alla performance il suo vero pepe. È ciò di cui il pubblico ha bisogno, ora più che mai, quando viene esposto alle esperienze teatrali. I video, i lungometraggi o le opere teatrali registrate possono essere guardati post Corona in massa davanti allo schermo video di casa. La conversazione con persone che non si conoscono, ma che hanno almeno un denominatore comune – il desiderio di teatro – questa conversazione e questo scambio non possono essere sostituiti, ma dovrebbero essere intensificati – come esemplificato in questa produzione.

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Chornobyldorf – uno sguardo al passato e uno al futuro

Chornobyldorf – uno sguardo al passato e uno al futuro

Nell’oscurità della sala, la voce di un uomo diventa udibile. Racconta di come ciò che viene detto sia in realtà la fine di una lettera; una lettera che non è mai stata spedita, ma che sarà comunque scritta un giorno. Poco dopo, la sua voce è accompagnata visivamente da una donna il cui ritratto appare in un video. Mentre l’uomo parla e recita una lunga poesia in ucraino, lei inizia ad esprimersi con suoni onomatopeici in una lingua artificiale sconosciuta. Anche se – se non si parla ucraino – non si può né seguire il contenuto della voce dell’uomo né sapere esattamente cosa vuole dire la donna, si ha la sensazione che ciò che viene trasmesso qui derivi da esperienze dolorose.

Infatti, il titolo “Chornobyldorf. Opera archeologica” è già un indizio che uno dei riferimenti di questa nuova opera è la tragedia di Chernobyl. La combinazione con l’affisso sostantivato ‘dorf’ è nata perché l’ensemble ha visitato Zwentendorf e i suoi dintorni all’inizio dell’opera. La centrale nucleare in Austria, che non è mai entrata in funzione, e quella in Ucraina, la cui costruzione è iniziata nel 1970, prima dell’indipendenza del Paese, hanno spinto i creatori culturali ucraini a proporre una visione globale del tema delle centrali nucleari e dei loro effetti distopici; indipendentemente dal luogo in cui si trovano, questi reattori rappresentano una minaccia transfrontaliera per l’umanità.

L’opera è ambientata tra il 23° e il 27° secolo, in un’epoca in cui siamo già passati alla storia e non ci saremo più. Si basa sull’ipotesi di una catastrofe di portata mondiale, in cui i sopravvissuti devono prendere nuovamente coscienza della propria identità. In un futuro in cui vengono creati nuovi rituali e tuttavia tutto ciò che accade a livello interpersonale nelle società attinge consapevolmente o inconsapevolmente a modelli storici.

I sette capitoli, che si fondono l’uno nell’altro senza soluzione di continuità ma in modo riconoscibile, portano i titoli: Elektra, Dramma per musica, Rhea, La piccola Akkorden, Messe de Chornobyldorf, Orfeo ed Euridice e Saturnalia. In questo modo, i due compositori Roman Grygoriv e Illia Razumeiko da un lato riprendono i grandi miti greci, che sono diventati il terreno di coltura principale della produzione artistica europea. D’altra parte, fanno riferimento direttamente alle tradizioni musicali slave. Questo intreccio artistico, in cui vengono utilizzati diversi mezzi stilistici musicali, rende chiara una cosa: le persone che sono in scena qui e tutti coloro che hanno lavorato a quest’opera si vedono profondamente appartenenti all’Europa. L’attuale discussione sull’ammissione dell’Ucraina all’UE è legittimata in modo quasi storico-culturale dai riferimenti storici che vengono fatti qui. Ma anche ciò che rende l’Europa, l’individualità dei Paesi e dei loro diversi gruppi etnici, viene espresso con veemenza. Ancora e ancora, le citazioni musicali storiche – trasformate in immagini sonore moderne – sono sostituite da melodie popolari bosniache-erzegovesi e ucraine. Le lamentazioni e i canti nuziali sono cantati nella loro tipica linea melodica. Le linee all’unisono si separano in una microtonalità brevemente udibile che è vecchia di secoli eppure suona nuova e fresca. I secondi di distacco, già quasi puramente sentiti, così come i successivi salti di settima intensificano l’espressione emotivamente dolorosa. Le progressioni di accordi mahleriane, cantate coralmente, e una fuga di Bach che sembra andare fuori controllo, pongono una traccia storico-musicale in quel nucleo dell’Europa che ha letteralmente dato il tono dal Barocco al secolo scorso.

A tutto questo si aggiunge una ricchezza di nuovo materiale sonoro: strani suoni di corde, i ritmi più diversi, a volte fortemente accentuati, suonati su un costrutto di percussioni assemblato da vari oggetti trovati (Evhen Bal), così come aggiunte elettroniche che rendono udibili atmosfere di vento o un drone minaccioso e indefinibile.

Villaggio Chornobyl (Foto: Anastasiia Yakovenko eSel)

Una rapida successione di immagini, supportata da inserti video che mostrano fragili figure umane in paesaggi ucraini, frequenti cambi di persone e di costumi, nonché la creazione di bagni emozionali alternati, creano un’abbondanza di eventi teatrali che si riversano su di lei come uno tsunami. Allo stesso tempo, si viene coinvolti negli eventi, a volte sonnambolici, in modo tale che è difficile mettere le proprie capacità cognitive al di sopra dei propri forti sentimenti.

L’incoronazione quasi surreale, ma allo stesso tempo molto romantica, di un giovane fisarmonicista, supportata da un feed video che espande lo spazio, viene sostituita da suoni e immagini religiose. Un Agnus Dei appropriato, cantato in una struttura classica-armonica, viene interrotto da uno simile, ma esplosivamente punk. In modo scioccante, ci si ritrova nel qui e ora, in uno stato in cui il romanticismo non trova più posto. La sepoltura di Euridice, il lamento del suo Orfeo, si concretizza in una coreografia visivamente potente, in cui la nudità dei partecipanti sottolinea in modo particolare la loro fragilità e il bisogno di protezione. Il finale è un’orgia saturnale intorno a un ritratto di cartone di Lenin capovolto.  Tutto ciò che si è accumulato in precedenza in sentimenti e sofferenze inesprimibili, tutto ciò di cui è difficile parlare, si dissolve in questa scena selvaggia ed esuberante, in cui si vorrebbe ballare con se stessi. Il fatto che la fine, con il suo rumore del vento, ricordi l’inizio della produzione può simboleggiare un ciclo eterno. Un ciclo in cui l’umano esistenziale viene vissuto in definitiva più e più volte, ma viene anche reinventato, anzi deve essere reinventato. Quando nulla è più come una volta, bisogna ripiegare su ciò che è sopito nel profondo dell’essere umano, ma anche su ciò che lo distingue come essere vivente sulla terra. È un essere che si riforma e si adatta costantemente, eppure porta ancora dentro di sé le sue radici presumibilmente tagliate.

Nessuno degli artisti avrebbe sognato, quando l’opera è stata creata, che tanto di ciò che viene mostrato in essa avrebbe avuto un riferimento all’attualità. Gli orrori della guerra e le sofferenze che si stanno verificando in Ucraina risuonano fortemente nell’accoglienza in questo momento. La minaccia alla terra rappresentata dal progresso tecnologico, le forme ibride di esseri umani che praticano generi artistici che tuttavia non potranno mai essere animati da loro, anche questo è contenuto in “Chornobyldorf”. Si spera che l’opera, dopo la prima a Rotterdam e la seconda stazione nella WUK a Vienna, in occasione del ‘Musiktheatertage Wien’, possa conoscere molte altre stazioni. E si spera che l’ensemble riceva dal pubblico il messaggio che un’opera come questa, soprattutto in tempi difficili, è necessaria, e ancora di più: che contribuisce anche alla sopravvivenza. Alla luce della brutalità degli eventi, una cantante ha detto, durante la discussione con il pubblico, che non era più convinta che il teatro potesse ottenere qualcosa. L’esperienza della violenza, che sopprime tutto, è troppo diametralmente opposta a questa idea.

Che l’affermazione “vita brevis, ars longa” dia a lei e all’ensemble un piccolo spostamento. Che possa offrire loro un barlume di speranza che l’arte sopravviva alla vita e quindi anche a questa, la loro produzione. Un giorno sarà disponibile per le generazioni successive – in qualsiasi modo – e offrirà una visione di quel presente così difficile da sopportare per la popolazione ucraina, ma anche per tutti gli altri partecipanti sofferenti.

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Da un esercizio zen ad un massacro fisico

Da un esercizio zen ad un massacro fisico

Mettere in scena un one-man show non è solo una grande sfida fisica.  Essere l’unico responsabile della coreografia e del concetto artistico offre anche un’ampia superficie di attacco critico.

Da anni ormai, l’austriaco Simon Mayer sta affrontando queste sfide. E per anni sembra aver fatto tutto bene. Questo è stato anche il caso della sua produzione “Being moved”, che ha debuttato in Austria nel 2020 al Brut. Ora ci è riuscito sul palco dell’Akademietheater in occasione dell’Impulse Dance Festival.

Qual è l’origine dei movimenti, cosa motiva le persone a danzare, come sono collegati il respiro e il movimento e come si può renderli visibili? Ciò che sembra molto teorico e anche un po’ arido, tuttavia, si sviluppa in modo completamente diverso sul palco. All’inizio, Mayer invita il pubblico a sedersi su sedie immaginarie disposte a semicerchio. I microfoni penzolano sopra le poltrone, gli altoparlanti sono posizionati sul pavimento e lui stesso è cablato alle estremità e al corpo.

“Essere spostati” (Foto: Franzi Kreis)

Ogni movimento che farà sul palco quella sera sarà registrato, amplificato e quindi reso udibile a tutti: il suo respiro, i movimenti delle mani e delle braccia mentre spazia nell’aria in un ampio arco, il calpestio dei suoi piedi nudi sul pavimento del palco. Ciò che normalmente non si percepisce coscientemente a livello uditivo, diventa un impulso ritmico udibile per la sua performance qui. Ciò che inizia in modo tranquillo, presto prende velocità. L’esecutore passa da un esercizio di respirazione Zen calmante a un cerchio apparentemente infinito, simile a un derviscio, intorno al proprio asse. Ma non si associa più nulla di contemplativo al paesaggio sonoro, che è aumentato fino a diventare un forte frastuono. Quando il rumore cessa improvvisamente, il palco viene avvolto dalla nebbia mentre Mayer si spoglia e prende in mano un archetto da violino. Accarezzando l’arco contro il suo stesso corpo, esso acquisisce qualcosa di feticcio, ma presto muta in uno strumento di arti marziali, poi in una sciabola e infine in una bacchetta da direttore d’orchestra.

Il respiro di Mayer diventa udibile in multipli e, dopo aver dato al pubblico le istruzioni per respirare insieme, si mescola in un coro di respiro a più voci. Ancora una volta il suono cambia in un brontolio selvaggio, in uno sbuffo e in un sibilo, in un ruggito e in un ringhio, sostenuti da un ruggito spaventoso. I suoni degli animali si mescolano con quelli umani ed elettronici. Anche il repertorio di movimenti di Mayer cambia verso l’animalesco. Al nuovo cambio di suono – sempre con voci umane e rumori di respirazione udibili – Mayer ora cammina all’indietro in cerchio. Come se volesse tornare al punto di partenza. Come se volesse annullare e dimenticare tutto ciò che aveva appena vissuto nello scenario minaccioso.

Ma ancora una volta stupisce con una nuova idea coreografica. I suoi movimenti diventano più frastagliati, la nebbia si insinua di nuovo e ancora una volta inizia a danzare in cerchio. Con una raffica di luci stroboscopiche e un ritmo duro ed elettronico, ora incarna, con le braccia apparentemente fisse dietro la schiena, un uomo esposto alla violenza fisica. Quello che si vede ora ricorda la tortura dei soldati catturati e anche le urla registrate supportano questa associazione.

In questo stato, Simon Mayer dà l’impressione di trovarsi in uno spazio intermedio. Il movimento del suo corpo contrasta con una trance in cui sembra essere completamente immerso. Il palco, il pubblico, si ha l’impressione, è dimenticato in questo momento. L’alto livello di energia in cui si trova il ballerino può essere quasi percepito fisicamente.

“Essere spostati” (Foto: Franzi Kreis)

Quando il ritmo si attenua e lo stato d’animo aggressivo cede, riprende l’archetto del violino e inizia a farlo scorrere sul polso e a cantare insieme a lui. Anche in questo caso i suoi passi sono amplificati con il riverbero – fino a quando un nero pone fine alla performance. Per qualche istante il suo respiro è ancora udibile. Poi la performance fisicamente estremamente impegnativa è finita.

In esso, Mayer offre una ricchezza di associazioni, ma anche un numero incredibile di elementi di movimento e di immagini con una forte risonanza. Egli chiama la miscela di coreografia e composizione che ha sviluppato per se stesso “compografia” – Pascal Holper è responsabile dell’impressionante sound design. Non è una storia continua quella raccontata in “Essere commossi”. Si tratta piuttosto di un intreccio di idee che mette in moto un corpo. Il modo in cui Simon Mayer collega questa catena di idee è artisticamente eccezionale. Sebbene i temi siano diversi, riesce a creare un flusso incessante con una risacca vorticosa e rapide che riconducono ad acque calme. Tecnicamente all’avanguardia e coreograficamente perfettamente su misura per se stesso, la produzione è un chiaro esempio che la danza contemporanea è in continua evoluzione e può aprire nuovi spazi tecnici, ma anche di danza.

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