Chi si aspettava una performance scandalosa o una montagna russa di emozioni, come spesso il belga sa fare, è stato smentito. Scattered Moments” si è rivelata una replica abilmente realizzata con innumerevoli citazioni di opere precedenti, altamente estetiche e concepite in modo intelligente. Proprio all’inizio, Wim si lancia in una performance da solista in cui parla di un primo impegno a Helena, nello Stato del Montana, che si è svolto in una “prigione di contea”. Al termine dell’esibizione, i cappelli sono volati sul palco in segno di eccitazione – un gesto con cui l’ensemble non aveva familiarità.
Wim ha appena finito la sua storia quando appare Saïd Gharbi, il ballerino cieco che è stato suo amico e collaboratore fin dall’inizio del suo lavoro con Ultima Vez. Improvvisamente Saïd gli lancia un mattone bianco. Nella sua prima opera con Ultima Vez, “Ciò che il corpo non ricorda”, ci sono molti mattoni bianchi che svolgono un ruolo centrale in questa coreografia. Il mattone bianco, ora collocato accanto a Vandekeybus ai margini del palco, forma l’apertura di una parentesi contestuale. Contiene non solo oggetti di scena di produzioni passate, come la già citata pietra, ma anche filmati e video, oltre a citazioni di coreografie di produzioni degli ultimi decenni. Anche la camicia bianca di Saïd, di cui parla con il suo amico sul palco all’inizio, appare in diverse produzioni precedenti.
Chi ha visto molto di Vandekeybus riconoscerà molto anche in questa produzione. Come la registrazione di Carlo Verano, un artista di varietà tedesco che era amico dell’artista a tutto tondo. “Immer das Selbe gelogen” è stato un tributo che Wim ha dedicato a Carlo e in cui l’allora 89enne ha fatto un’apparizione canora nel letto. Il fatto che la serata non sia comunque una piatta infilata di citazioni è merito delle forti dinamiche coreografiche, che vanno di pari passo con le altrettanto forti registrazioni musicali e permettono alle varie scene di fluire senza soluzione di continuità l’una nell’altra. La musica alterna successi popolari come “There is a hole in the bucket” di Harry Belafonte e Odetta, ma anche altri meno conosciuti, ma è sempre caratterizzata da ritmi chiari.
Il vocabolario della danza presenta numeri acrobatici in pista, oltre a quelle cascate saltellanti per le quali Vandekeybus è così noto. L’assenza di peso che diventa comprensibile per pochi secondi è qualcosa che ha catturato anche nei suoi film. Si può vedere anche in molti fotogrammi di film in cui i suoi ballerini fluttuano liberamente nell’aria. Più volte ricorre a questo elemento stilistico, ma non appare mai singolarmente, ma per lo più in una rapida sequenza, eseguita dal suo ensemble uno dopo l’altro in brevi intervalli. Compreso lo stesso Wim Vandekeybus, ci sono 23 persone che ballano sul palco questa sera. E ognuno di loro è riconoscibile nella sua individualità.
Alexandros Anastasiadis, Laura Aris Álvarez, Borna Babić, Maureen Bator, Tim Bogaerts, Damien Chapelle, Pieter Desmet, Saïd Gharbi, Rob Hayden, Germán Jauregui Allue, Luke Jessop, Kit King, Maria Kolegova, Anna Karenina Lambrechts, Anabel Lopez, Tanja Marin Friðjónsdóttir, Lieve Meeussen, Yassin Mrabtifi, Magdalena Oettl, Eddie Oroyan, Aymara Samira Parola e Mufutau Yusuf si esibiscono da soli, ma anche spesso in gruppi di 2 o 3 persone.
Quello che si vede sono calci e spinte incessanti, prese e prese reciproche, che in molti momenti hanno caratteristiche aggressive e brutali. Ma anche la coreografia di “Inspite of Wishing and Wanting”, in cui i singoli escono ripetutamente dal gruppo e si esibiscono in danze oniriche, mentre l’ensemble ai margini del palco ha assunto gesti di sonno. Lo scivolamento sul pavimento in diverse variazioni ricorda fortemente i movimenti del pattinaggio artistico, il che rafforza la situazione sonnambolica.
Una scena di intervista assume una nota particolarmente umoristica, in quanto non è Wim Vandekeybus ad essere intervistato, ma il “giornalista” non sembra accorgersene. Dopotutto, in questa intervista vengono rilasciate alcune affermazioni abilmente collocate. In esse, viene evidenziato il lavoro storicamente importante che Wim ha creato con il suo gruppo nel corso dei decenni. Un’autocelebrazione che non è tale a causa dell’ambientazione e che tuttavia non perde il suo effetto. Tuttavia, non si può ignorare che il coreografo belga ha scritto la storia della danza e lo sa.
Verso la fine, Saïd lancia a Wim “Sono venuto a venderti le tue ultime parole”. Anch’esse provengono da una prima produzione, ma in questo contesto ricevono un tocco diverso.
Con “Ricordi sparsi”, Wim Vandekeybus ha creato una cornucopia rigonfia da cui un ricordo dopo l’altro si riversa sul palco. Ricordi che raccontano la gioia e il lavoro permanente, così come la felicità familiare con i bambini, ma anche l’ansia, i sogni, la vecchiaia e gli addii. Nulla, tuttavia, fa pensare che la produzione sia una di quelle con cui Vandekeybus vuole dire addio. Si presenta troppo vitale con Ultima Vez e suscita curiosità su ciò che resta da vedere negli anni a venire. Ad multos annos!
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In questo lavoro, presentato all’Impuls Dance Festival presso il Volkstheater di Vienna, la coreografia di Vandekeybus e quella dell’artista visivo de Sagazan si intrecciano in modo del tutto armonioso, persino organico. La musica e il suono del compositore elettro-acustico e sound designer Charo Calvo supportano la natura oscura, animalesca e spesso violenta dell’azione, fino all’uso sorprendente del silenzio – che ha un senso drammaturgico in una scena.
Le mani non si toccano (Foto: Danny Willems)
Erwin Jans, il drammaturgo della produzione, spiega nel suo contributo al libretto del programma che Charo Calvo ha suggerito i miti della dea sumera Inanna e gli inni e le devozioni della sua sacerdotessa Enheduanna come possibile punto di partenza per la rappresentazione. Questi miti riguardano la dualità dell’uomo: il suo lato luminoso e radioso e il suo lato oscuro, che lo conduce agli inferi.
I miti sono caratterizzati dal fatto che rivelano fenomeni psicologici e sociali universali in modo tale da essere senza tempo e da poter essere interpretati in molti modi. Questo è esattamente ciò che si riflette in questo lavoro congiunto con l’ensemble Vandekeybus “Ultima Vez”. Se si vede l’opera senza alcuna conoscenza preliminare o riferimenti mitologici, diventa subito chiaro che si tratta di una narrazione che illumina gli incontri interpersonali che si ripetono sempre in questo o in un modo simile. Ma guarda anche a quegli oscuri abissi spirituali dell’essere umano in cui ognuno di noi può scivolare. L’opera racconta di un processo di trasformazione personale, che però si diffonde in un’intera società e la cambia drasticamente. Infine, il contenuto può anche essere interpretato come una semplice storia di gelosia con un piano perfido.
Le mani non si toccano (Foto: Danny Willems)
Indipendentemente dalla sua interpretazione, “Le mani non toccano il tuo prezioso io” vale la pena di essere visto sia per il lavoro di danza che per quello dell’artista visivo Olivier de Sagazan. Sul palcoscenico c’è un continuo andirivieni, una condensazione e un allontanamento di ballerini che reagiscono l’uno all’altro in modo artistico e riescono ad esprimere molte emozioni diverse con mezzi fisici. Innumerevoli movimenti di sollevamento, ma anche molte sequenze di danza sincronizzata a velocità mozzafiato sono così estetiche che non se ne può fare a meno.
Olivier de Sagazan, all’inizio ancora in scena come elfo etereo in un abito di lana bianca come partner di Lieve Meeussen, si trasforma nel corso dell’opera non solo in esseri ibridi animali-umani. Verso la fine, si comporta come una donna con il ventre aperto e insanguinato, la cui vista associa violenza e dolore. Con molta argilla e altrettanto sangue teatrale, il suo comportamento animalesco attira gradualmente tutti gli altri ballerini nel suo mondo sotterraneo parallelo. Il modo in cui de Sagazan si trasforma non è solo divertente, ma anche altamente spettacolare in alcune parti. Quando i suoi capelli finti bruciano sulla sua testa per minuti e continuano a brillare per molto tempo dopo, il pubblico trattiene il fiato. Il fuoco aperto sui palchi è ancora un momento di paura. Con la durata di questa scena di fuoco, non si può più parlare di un solo momento.
Solo Vandekeybus stesso, che riprende ripetutamente le scene con una telecamera dal vivo, che vengono proiettate come un’immagine fissa di grandi dimensioni su una superficie bianca sul palcoscenico, non si lascia prendere da questo scenario violento-grottesco. Come si scopre alla fine, si dimostra inaspettatamente un tiratore di corde senza emozioni e diventa il grande vincitore della storia. Non solo ha portato al suo fianco la donna che inizialmente lo aveva ignorato. È anche salito a capo di una società che ora – in totale contrasto con l’inizio – si riunisce intorno al suo grande tavolo allo stesso modo e gli rende omaggio in modo servile.
Da un lato, è l’intreccio intelligente delle diverse discipline artistiche che affascina. D’altra parte, sono l’attrazione drammaturgica e le performance di danza individuali e collettive che distinguono questa produzione e allo stesso tempo rivelano la firma coreografica di Vandekeybus. Impulstanz presenta una seconda produzione del multi-artista Vandekeybus in questa stagione. “Ricordi sparsi” – una retrospettiva di 35 anni di lavoro con Ultima Vez.
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[Qualche decennio fa – non so se sia ancora così oggi – si imparava molto nei corsi di storia dell’arte. In particolare gli stili e la loro distribuzione geografica. Ha studiato edifici, dipinti e sculture e ha fatto dei confronti. E se aveva già apprezzato le lezioni sull’iconografia, allora era anche in grado di interpretare il messaggio delle singole opere d’arte che era nascosto ai profani. Quando si sono terminati 8+x semestri e si è potuto mettere un titolo accademico davanti al proprio nome, improvvisamente ci si è trovati spesso nell’imbarazzo di poter fornire solo le informazioni biografiche più rudimentali sugli artisti. Non c’era quasi nessuno spazio dedicato a loro negli studi; se c’era, li si acquisiva da soli o ci si informava su di essi in caso di necessità. Per le opere d’arte stesse, tuttavia, c’era e c’è ancora una legge non scritta: se sono buone, non hanno bisogno di supplementi biografici.
Jan Lauwers, regista teatrale belga che ha originariamente studiato pittura presso l’Accademia delle Arti di Gand, con la sua nuova opera teatrale “All The Good” pone molti sentori in direzione della creazione di opere d’arte e del suo background biografico. È stato presentato nell’ambito del Festival Impuls Dance presso il Volkstheater di Vienna. Con la Needcompany, co-fondata da sua moglie Grace Ellen Barkey e da lui stesso, ha offerto al pubblico di Impulstanz del Volkstheater una visione della genesi di un’opera d’arte speciale. Nel farlo, non si è concentrato su un approccio iconografico e sul suo background filosofico. Al contrario. L’unico progresso incerto dello sviluppo dell’oggetto, dotato di gocce di vetro soffiato da un soffiatore di vetro palestinese, fa solo da sfondo a una storia di famiglia raccontata in modo vivido, che alla fine della performance viene completamente stravolta. E fa anche da sfondo a un’accusa molto sottile nei confronti di Israele. Un’accusa, tuttavia, in cui non ci sono vincitori e vinti, ma solo perdenti.
Ma finché ciò non accade, gli eventi – accompagnati dalla musica dal vivo di Maarten Seghers e altri tre musicisti – si intensificano in modo drammatico. I genitori Jan e Grace Ellen sono messi alla prova dalle azioni relazionali dei loro figli Romy Louise e Victor Lauwers. C’è la consapevolezza che le azioni artistiche di oggi, per quanto scioccanti nelle intenzioni, non sono né scioccanti né originali. Una scena di coito che si svolge coram publico si trasforma successivamente in un evento da incubo di un ex soldato israeliano traumatizzato.
Le donne, Grace Ellen, Romy Louise e Inge (compagna di Victor) premono il pedale dell’acceleratore con le loro interpretazioni femministe quando si tratta di nuovi modi di guardare alle opere d’arte storiche, ma anche alle produzioni artistiche attuali. Tuttavia, tutte danno l’impressione di non essere in grado di difendersi in modo coerente dal dominio maschile. Grace Ellen viene interrotta bruscamente dal marito mentre sta parlando del suo lavoro artistico. Romy Louise difende fino in fondo il suo partner Elik dalle domande della madre. Sa che Elik ha ucciso come ex soldato israeliano, ma non vuole saperne di più ed è felice di lasciare questi eventi nel passato non detto. Inge Van Bruystegem esce dal ruolo di conduttrice di studio solo quando parla della vita di Artemisia Gentileschi. Quella pittrice rinascimentale che fu maltrattata dal suo insegnante e che scrisse la storia dell’arte con i suoi autoritratti. Il fatto che alla pittrice siano state date delle viti per controllare la sua testimonianza incriminante, ma che poi non sia successo nient’altro al suo aguzzino, è un’ingiustizia che Elke vuole rendere drasticamente chiara a tutti. Per farlo, si assume persino il rischio di incitare Victor a commettere un’altra infrazione. Un giovane sensibile che, tuttavia, si rifiuta completamente di farlo.
Il dominatore incontrastato degli eventi familiari, tuttavia, è Jan Lauwers, il cui alter ego è interpretato sul palco da Benoit Gob. Sebbene Lauwers inizialmente spieghi lo scenario e presenti tutte le persone coinvolte, poi rimane sempre sullo sfondo osservando e non intervenendo quasi mai. Tra una cosa e l’altra, le opere d’arte vengono mostrate più volte e Jan ne parla brevemente. Poi c’è la danza e il canto – Maarten Seghers dimostra sia il suo bellissimo basso che il suo melodioso tenore in due esibizioni. Più volte, l’ensemble è infastidito dal fatto che l’azionamento elettrico dell’opera d’arte vetrata non funziona correttamente. Per cambiare, una volpe morde la testa di un piccione nel miglior modo Dada e ancora e ancora un ratto si spinge davanti al palco per presentare la sua visione delle cose in modo saccente.
Una scena sostituisce l’altra, i costumi vengono cambiati e dopo la rivelazione che l’artista Jan Lauwers si astiene sessualmente per non disturbare l’energico flusso di creazione delle sue opere in vetro, c’è una vera e propria crepa nel legno adatto alle famiglie. Il fatto banale dell’astinenza sessuale sconvolge completamente la struttura familiare. Segue una storia di infedeltà che è accaduta, sta accadendo e accadrà innumerevoli volte su questa terra in una costellazione quasi identica.
In questo modo, ci si è completamente allontanati dall’attuale produzione artistica, ma anche dalle considerazioni storiche di varie opere d’arte. Ora si discute, ci si rimprovera, ci si sente profondamente offesi e non si è più sicuri che dopo questa discussione possa nascere una vita familiare armoniosa. Ora è la pienezza della vita, con tutte le sue distorsioni, a venire alla ribalta.
Tutte le domande sulla teoria dell’arte vengono spazzate via. Il pubblico può porsi queste domande dopo la performance. Ciò che rimane è la consapevolezza che un’opera d’arte vive di narrazioni. Di quelli che nascono ad hoc attraverso l’associazione, ma anche di quelli che vengono segnalati in merito. Se l’oggetto che ruota sul proprio asse con le sue gocce di vetro blu-turchese si trovasse in un museo, nulla indicherebbe la sua genesi nel mezzo di una tragicommedia familiare. Allora si avvererebbe la legge non scritta secondo cui una buona opera d’arte non ha bisogno di allegati biografici per essere buona.
Lo spettacolo intelligente apre più domande che risposte. Nasconde più di quanto non mostri – lascia il pubblico all’oscuro di quali affermazioni vadano prese con sincerità e quali seguano una pura drammaturgia teatrale. L’unica cosa che sembra certa è un ciclo eterno. Un ciclo che in realtà viene interrotto da una corsa infinita intorno all’oggetto artistico da parte di tutti i membri dell’ensemble. Gli oggetti di scena vengono raccolti, trascinati, lasciati cadere di nuovo, per poi essere raccolti da altri. L’eternamente umano – il fare – rimane come costante di un processo creativo. Una produzione che sembra uscita da un libro illustrato: intelligente, divertente, profonda, varia e divertente. E una produzione che può guardare più volte!
Chi non conosce la storia del trovatello Mowgli, che cresce tra gli animali nella giungla indiana? Quella storia di Rudyard Kipling, che è stata ripresa come film d’animazione negli Studi Disney?
Ora c’è “Il libro della giungla reimmaginato” da Akram Khan. La prima austriaca si è svolta nell’ambito del festival Impulstanz presso il Burgtheater. Il ballerino e coreografo britannico, la cui famiglia è originaria del Bangladesh, da giovane ha interpretato Mowgli in uno spettacolo di danza indiano. Questo ricordo, ma soprattutto “le tre profonde lezioni della commedia”, come le chiama lui, lo hanno colpito così profondamente che ora, dopo molti anni, sta mettendo in scena un Libro della Giungla di nuova interpretazione con la sua compagnia. La trama principale della storia rimane più o meno la stessa, ma nella sua versione “Mowgli” è una ragazza che viene separata dalla sua famiglia a causa di un disastro ambientale. È ritratta in modo tenero e fragile, ma alla fine forte e piena di speranza per il suo futuro, da Pui Yung Shum. Come il suo modello maschile, anche lei trascorre del tempo tra gli animali che si prendono cura di lei, per poi ripartire alla ricerca degli umani.
Molte delle produzioni di Akram Khan trattano lo stato disastroso del nostro mondo. Il confronto con ciò che è stato e viene ancora distrutto sulla nostra terra è uno dei suoi temi centrali. E così anche la sua storia inizia con uno scenario apocalittico e selvaggio. Acque che salgono, città che affondano, città distrutte, persone che fuggono su zattere, tutto questo diventa visibile sul palco attraverso disegni animati al computer. Sebbene siano state originariamente previste solo per motivi economici e per minimizzare l’impatto ambientale al posto di una scenografia aptica, le rappresentazioni di Miriam Buether contribuiscono in modo significativo al successo della serata. Delicata e allo stesso tempo espressiva, piena di poesia eppure reale, ha creato un mondo di memoria e di attualità allo stesso tempo. Uccelli che volano, balene che cantano, foglie che cadono a terra: tutti questi elementi ambientano l’azione in ambienti mutevoli senza molta ricostruzione. L’uso di questa tecnica sul palcoscenico e nella danza non è nuovo, ma qui viene utilizzata in modo eccessivo. Tanto che in alcuni momenti ci si immagina nel West End di Londra o in una produzione di Broadway.
Tuttavia, Il Libro della Giungla di Khan – contrariamente a tutte le convenzioni sulla danza – non fa a meno del linguaggio. Piuttosto, è una componente centrale della produzione tanto quanto le immagini. Il testo, adattato ai giorni nostri, è stato scritto da Tariq Jordan. Le voci dei singoli personaggi, come la pantera Bagheera o l’orso Baloo, provengono dal nastro. L’aspetto affascinante è che ogni singolo movimento di danza è portato e sostenuto da queste voci. Questa combinazione, attraverso l’uso di modelli di movimento individuali, rafforza la riconoscibilità delle figure. I dialoghi dei singoli animali sono ripetutamente sostituiti da numeri di danza pura, sostenuti da un suono coerente. È una gioia guardare Holly Vallis nei panni di Bagheera che sgattaiola con leggerezza intorno a Baloo o Mowgli. È divertente quando Tom Davis-Dun mima l'”orso danzante” e sfugge completamente di mano. Anche il fatto che non ci sia nulla da temere dal serpente Kaa è risolto in modo meraviglioso e piacerà soprattutto al pubblico giovane.
Le composizioni mostrano forti prestiti dalle origini più diverse. Sia che si tratti di “Koyaanisqatsi” di Philip Glass – che ha creato per l’omonimo film di Godfrey Reggio, sia che si tratti di ampie interpretazioni rock sinfoniche – come quelle conosciute da Vangelis, sia che si tratti di citazioni di un Kyrie Eleison cristiano o di suoni provenienti da un album di world music – la compositrice inglese Jocelyn Pook ha attinto a piene mani per la sua colonna sonora. Le sue composizioni sono orecchiabili e supportano l’azione in modo altamente emotivo, proprio come una buona colonna sonora di un film.
La flotta di animali che si prende cura di Mowgli è immersa in un rosso drammatico, poi di nuovo in un blu freddo grazie all’illuminazione che cambia. I movimenti delle scimmie, della pantera e dell’orso imitano la loro andatura o addirittura il loro comportamento chiassoso. Ma quando vogliono comportarsi come esseri umani, ballano, come sappiamo dalle produzioni contemporanee. Mowgli stesso rimane un osservatore per lunghi tratti, interviene kauf. Al suo fianco c’è spesso la “scimmia emarginata”. È danzato in modo spaventoso, insondabile, ma anche pieno di empatia da Max Revell. “Come ti permetti!” di Greta Thunberg. – dal suo discorso del 2019 alle Nazioni Unite, ma anche le montagne di scatole di cartone distribuite dai giganti online in tutto il mondo alle persone dipendenti dal consumo, sono solo due dei numerosi riferimenti alle problematiche che sembrano travolgerci in questo momento.
Nonostante l’atmosfera da giorno del giudizio e le prospettive cupe, Akram Khan spera che la sua produzione venga visitata anche dai bambini. Confrontarli con ciò che chiamiamo ‘vita quotidiana’, secondo lui, è necessario. Soprattutto, però, sono i tre insegnamenti menzionati prima che per lui sono importanti da trasmettere. L’insegnamento della comunità di specie, l’interdipendenza tra uomini, animali e natura, l’importanza della famiglia e il nostro bisogno umano di appartenenza.
Il coreografo ha un talento per le grandi produzioni. Lo spettacolo creato dalla sua compagnia e da un gran numero di co-produttori conquisterà, con ogni probabilità, i grandi palcoscenici del mondo. Il fatto che ispirerà alla danza contemporanea anche molte persone che in precedenza non avevano un’affinità con la danza è un effetto collaterale da non sottovalutare.
. Unterferenti non avrebbero potuto essere, ma nemmeno più complementari. “Full Moon” – presentato sul grande palcoscenico del Burgtheater, interpretato dal Tanztheater Wuppertal Pina Bausch – è stato caratterizzato da una grande “magia teatrale”. L’opera, che ha debuttato 16 anni fa, richiede un totale di 12 ballerini, un’attrezzatura scenica che può far piovere e ha anche la possibilità di allagare parte del pavimento del palco. La Bausch inizia con un’atmosfera afosa da notte estiva, in cui giovani uomini e donne interagiscono tra loro in una successione costante di brevi scene. Nel processo, una o l’altra frase cade verso il pubblico, di solito condita con un pizzico di umorismo.
La coreografia, come i costumi, è dualistica rispetto al genere. Mentre gli uomini, prevalentemente in pantaloni lunghi e con la parte superiore del corpo nuda, dimostrano la loro forza in un modo simile alla danza o all’acrobazia, il tipico repertorio di movimenti della Bausch si vede nelle donne con capelli lunghi fino ai fianchi e abiti morbidi e fluenti. Oscillando tra i gesti dell’auspicata instaurazione di un contatto e quelli in cui il ritiro nella propria interiorità è sempre chiaramente riconoscibile, si alternano qui. La visualizzazione degli stati emotivi avviene molto più frequentemente nelle ballerine rispetto ai loro colleghi uomini. Gli incontri intersessuali sono spesso caratterizzati da momenti di tensione. Amare e odiare l’altro, non essere in grado di lasciarsi andare e punire l’altro con disprezzo sono visualizzati tanto quanto i momenti in cui le donne dominano gli uomini. Fino alle istruzioni su come il reggiseno di una donna debba essere slacciato il più rapidamente possibile, per non disturbare il momento di formicolio dell’anticipazione erotica.
Nonostante un intenso lavoro coreografico che richiede estremi all’ensemble, c’è tuttavia un altro attore silenzioso e immobile sul palco che cattura ugualmente l’attenzione del pubblico. Si tratta di un masso imponente che è sottopassato da uno specchio d’acqua. In particolare, nella seconda parte dopo l’intervallo, l’acqua scende sul palcoscenico quasi incessantemente come una pioggia continua e, a un certo punto, diventa addirittura la star del palcoscenico senza limiti. Raccolta in secchi dagli uomini a cottimo, viene scagliata da loro in potenti raffiche da tutti i lati contro il masso. Lo stimolo ottico che ne deriva può essere descritto come un “fuoco d’artificio d’acqua” senza aprire una contraddizione. Infatti, le esplosive cascate d’acqua assomigliano visivamente a quelle dei razzi che, una volta esplosi, si riversano sulla terra in una sottile pioggia di fuoco. Questa scena visivamente potente ha un carattere coinvolgente e si imprime nella memoria tanto quanto i costumi bagnati dei ballerini e insieme formano una coppia indelebile di riconoscimenti.
“Balli per un’attrice”
Mentre la Bausch ha lavorato con un impegno tecnico estremamente elevato nel suo pezzo, “Danze per un’attrice” se la cava con il consumo energetico di un aspirapolvere in funzione per 1 ora. Almeno così ha raccontato l’attrice belga Jolente De Keersmaeker, sorella della coreografa Anne Teresa De Keersmaeker, anche lei spesso ospite a Vienna con le sue coreografie. Jolente è stato convinto da Jérôme Bel a creare un pezzo di danza. Per chiunque abbia visto il lavoro di Bel, dovrebbe essere chiaro che questo non è un pezzo ordinario. Perfezione e belle apparenze: tutto ciò che Bel non pretende dai suoi artisti. Al contrario, richiede un grande coraggio per l’imperfezione e per la rivelazione al pubblico sia delle capacità che dei fallimenti. Il coreografo francese è una sorta di pioniere nella sua categoria. Ripensa a ciò che muove la società in un modo adatto al palcoscenico e, nel farlo, si interroga su ciò che i temi socio-politicamente rilevanti potrebbero significare per la pratica della performance.
“Balli per un’attrice” (Foto: Herman Sorgeloos)
Un esempio attuale è il diffuso rifiuto di stampare i libretti dei programmi. Per motivi ecologici, questi vengono attualmente salvati nelle esibizioni in tutto il mondo, vedi anche “Wiener Festwochen” – Bel ha trovato il suo metodo per dare comunque al pubblico una piccola anticipazione degli eventi. Attraverso un’introduzione orale della stessa Jolante, che ha raccontato al pubblico ciò che viene normalmente stampato, compreso l’elenco degli sponsor e dei partner. Inevitabilmente, questo è stato accompagnato da un enorme pizzico di umorismo, un segno distintivo, ma anche un sottile accenno al fatto che questa pratica che sta spuntando al momento non è probabilmente l’ultima parola in fatto di saggezza nemmeno per Bel.
Dopo questo prologo, innescato dal disastro ecologico generale a cui non possiamo sfuggire in questo momento, l’attrice danzatrice ha presentato una scena più lunga in cui ha dato esempi del suo repertorio di balletto classico. Ha attinto a un corpo di movimento che aveva sviluppato durante le lezioni di danza classica tra i 6 e i 14 anni. Il fatto che questo periodo non deve essere stato divertente per lei è evidente ancora oggi. I singoli passi di danza vengono eseguiti con grande concentrazione, i salti vengono eseguiti solo in modo da non correre il rischio di ferirsi e un controllo del corpo che rende la danza non divertente, ma piuttosto un’esperienza angosciante – tutto questo può essere preso come prova del fatto che Jolante non ha intrapreso la professione di ballerino.
Da queste prime impressioni, spazia in un’ampia gamma di improvvisazioni diverse di vari grandi coreografi e ballerini del XX secolo. Inizia con un Preludio di Chopin, originariamente coreografato e ballato da Isadora Duncan. Utilizzando questo esempio, dimostra anche uno dei metodi che i ballerini utilizzano per memorizzare le sequenze di movimento. La verbalizzazione delle sequenze di movimento è ancora oggi un mezzo comune per ricordare i passi e le sequenze di movimento.
“Balli per un’attrice” (Foto: Herman Sorgeloos)
Il passaggio a un’improvvisazione di Pina Bausch, basata sulla sua opera “Café Müller” del 1978, viene avviato da lei che si spoglia silenziosamente. L’immersione in quella fragile figura, che danza nuda davanti al pubblico al suono del “Lamento di Didos” di Henry Purcell, è uno dei momenti più impressionanti dell’intera performance. Il modo in cui la fragilità del corpo umano e della sua anima diventano visibili e tangibili allo stesso tempo dispiega un’incredibile magia emotiva. Che grande differenza con il pomposo pezzo “Full Moon” dello stesso coreografo. Se si volesse spiegare in modo vivido che l’impegno tecnico non deve necessariamente essere correlato al movimento emotivo del pubblico – questi due brani ne sarebbero un esempio da manuale.
Che grande, grande idea sostituire questa coreografia della Bausch con la canzone “Diamond” di Rihanna. Dotata di un ritmo pulsante e di una spinta vitale, la musica da sola travolge il pubblico in pochi istanti. Il corpo ancora nudo ora non ha assolutamente nulla di fragile, ma irradia pura energia vitale, sfrenata gioia di vivere e pura potenza di danza. Tanto che si vorrebbe ballare insieme a lei.
Dopo uno studio intensivo della mimica, dedicato al gran maestro di Butho Ono Kazuo, in cui l’interprete può mostrare la sua fortissima espressività mimica, finisce nella performance di danza contemporanea. Per questo, seduta sul palco con un computer portatile sulle ginocchia, descrive un video di YouTube, il cui contenuto riproduce solo testualmente. Tuttavia, “Balli per un’attrice” non sarebbe una produzione di Jérôme Bel se lui stesso non rispondesse con molto umorismo alla resa di danza puramente verbale-riflessiva con il prossimo “numero di John Travolta”. Il modo in cui Jolente De Keersmaeker inizia a ballare lentamente con la famosa “scena della Febbre del Sabato Sera” durante la sua descrizione, entrando progressivamente in sintonia con essa, è semplicemente sorprendentemente divertente.
Il fatto che aggiunga una coreografia autoprogettata alla musica rinascimentale con un ritmo forte e ripetitivo e un’atmosfera meridionale completa l’esibizione in modo riuscito e ancora una volta molto intelligente. Quanto è forte il contrasto che Keersmaeker esprime con la sua prova di balletto classico all’inizio e la sua coreografia potente e lussuriosa alla fine di “Danze per un’attrice”! Con questa sua coreografia, ha visibilmente raggiunto un punto in cui si può credere che la danza sia qualcosa che piace anche a lei, e che sembra addirittura essere nel suo sangue. Attraverso la sua geniale protagonista Jolente De Keersmaeker, l’opera di Bel rivela ciò che in realtà è un’intuizione profondamente semplice: la danza è un mezzo di espressione umana che ognuno può e viene incoraggiato a modellare secondo le proprie esigenze. Che voglia riprodurre esattamente una determinata coreografia, ballare un’improvvisazione su di essa o realizzare le proprie idee – tutto è possibile, tutto è desiderato, nulla è vietato. Che meravigliosa intuizione anche per le persone che lavorano con questo mezzo da decenni. Merci Jolente e chapeau Jérôme.
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