“Luna piena”. Un’opera di Pina Bausch”

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Unterferenti non avrebbero potuto essere, ma nemmeno più complementari. “Full Moon” – presentato sul grande palcoscenico del Burgtheater, interpretato dal Tanztheater Wuppertal Pina Bausch – è stato caratterizzato da una grande “magia teatrale”. L’opera, che ha debuttato 16 anni fa, richiede un totale di 12 ballerini, un’attrezzatura scenica che può far piovere e ha anche la possibilità di allagare parte del pavimento del palco. La Bausch inizia con un’atmosfera afosa da notte estiva, in cui giovani uomini e donne interagiscono tra loro in una successione costante di brevi scene. Nel processo, una o l’altra frase cade verso il pubblico, di solito condita con un pizzico di umorismo.

“Luna piena” (Foto: © yako.one)

La coreografia, come i costumi, è dualistica rispetto al genere. Mentre gli uomini, prevalentemente in pantaloni lunghi e con la parte superiore del corpo nuda, dimostrano la loro forza in un modo simile alla danza o all’acrobazia, il tipico repertorio di movimenti della Bausch si vede nelle donne con capelli lunghi fino ai fianchi e abiti morbidi e fluenti. Oscillando tra i gesti dell’auspicata instaurazione di un contatto e quelli in cui il ritiro nella propria interiorità è sempre chiaramente riconoscibile, si alternano qui. La visualizzazione degli stati emotivi avviene molto più frequentemente nelle ballerine rispetto ai loro colleghi uomini. Gli incontri intersessuali sono spesso caratterizzati da momenti di tensione. Amare e odiare l’altro, non essere in grado di lasciarsi andare e punire l’altro con disprezzo sono visualizzati tanto quanto i momenti in cui le donne dominano gli uomini. Fino alle istruzioni su come il reggiseno di una donna debba essere slacciato il più rapidamente possibile, per non disturbare il momento di formicolio dell’anticipazione erotica.

“Luna piena” (Foto: © yako.one)

Nonostante un intenso lavoro coreografico che richiede estremi all’ensemble, c’è tuttavia un altro attore silenzioso e immobile sul palco che cattura ugualmente l’attenzione del pubblico. Si tratta di un masso imponente che è sottopassato da uno specchio d’acqua. In particolare, nella seconda parte dopo l’intervallo, l’acqua scende sul palcoscenico quasi incessantemente come una pioggia continua e, a un certo punto, diventa addirittura la star del palcoscenico senza limiti. Raccolta in secchi dagli uomini a cottimo, viene scagliata da loro in potenti raffiche da tutti i lati contro il masso. Lo stimolo ottico che ne deriva può essere descritto come un “fuoco d’artificio d’acqua” senza aprire una contraddizione. Infatti, le esplosive cascate d’acqua assomigliano visivamente a quelle dei razzi che, una volta esplosi, si riversano sulla terra in una sottile pioggia di fuoco. Questa scena visivamente potente ha un carattere coinvolgente e si imprime nella memoria tanto quanto i costumi bagnati dei ballerini e insieme formano una coppia indelebile di riconoscimenti.

“Balli per un’attrice”

Mentre la Bausch ha lavorato con un impegno tecnico estremamente elevato nel suo pezzo, “Danze per un’attrice” se la cava con il consumo energetico di un aspirapolvere in funzione per 1 ora. Almeno così ha raccontato l’attrice belga Jolente De Keersmaeker, sorella della coreografa Anne Teresa De Keersmaeker, anche lei spesso ospite a Vienna con le sue coreografie. Jolente è stato convinto da Jérôme Bel a creare un pezzo di danza. Per chiunque abbia visto il lavoro di Bel, dovrebbe essere chiaro che questo non è un pezzo ordinario. Perfezione e belle apparenze: tutto ciò che Bel non pretende dai suoi artisti. Al contrario, richiede un grande coraggio per l’imperfezione e per la rivelazione al pubblico sia delle capacità che dei fallimenti. Il coreografo francese è una sorta di pioniere nella sua categoria. Ripensa a ciò che muove la società in un modo adatto al palcoscenico e, nel farlo, si interroga su ciò che i temi socio-politicamente rilevanti potrebbero significare per la pratica della performance.

“Balli per un’attrice” (Foto: Herman Sorgeloos)

Un esempio attuale è il diffuso rifiuto di stampare i libretti dei programmi. Per motivi ecologici, questi vengono attualmente salvati nelle esibizioni in tutto il mondo, vedi anche “Wiener Festwochen” – Bel ha trovato il suo metodo per dare comunque al pubblico una piccola anticipazione degli eventi. Attraverso un’introduzione orale della stessa Jolante, che ha raccontato al pubblico ciò che viene normalmente stampato, compreso l’elenco degli sponsor e dei partner. Inevitabilmente, questo è stato accompagnato da un enorme pizzico di umorismo, un segno distintivo, ma anche un sottile accenno al fatto che questa pratica che sta spuntando al momento non è probabilmente l’ultima parola in fatto di saggezza nemmeno per Bel.

Dopo questo prologo, innescato dal disastro ecologico generale a cui non possiamo sfuggire in questo momento, l’attrice danzatrice ha presentato una scena più lunga in cui ha dato esempi del suo repertorio di balletto classico. Ha attinto a un corpo di movimento che aveva sviluppato durante le lezioni di danza classica tra i 6 e i 14 anni. Il fatto che questo periodo non deve essere stato divertente per lei è evidente ancora oggi. I singoli passi di danza vengono eseguiti con grande concentrazione, i salti vengono eseguiti solo in modo da non correre il rischio di ferirsi e un controllo del corpo che rende la danza non divertente, ma piuttosto un’esperienza angosciante – tutto questo può essere preso come prova del fatto che Jolante non ha intrapreso la professione di ballerino.

Da queste prime impressioni, spazia in un’ampia gamma di improvvisazioni diverse di vari grandi coreografi e ballerini del XX secolo. Inizia con un Preludio di Chopin, originariamente coreografato e ballato da Isadora Duncan. Utilizzando questo esempio, dimostra anche uno dei metodi che i ballerini utilizzano per memorizzare le sequenze di movimento. La verbalizzazione delle sequenze di movimento è ancora oggi un mezzo comune per ricordare i passi e le sequenze di movimento.

“Balli per un’attrice” (Foto: Herman Sorgeloos)

Il passaggio a un’improvvisazione di Pina Bausch, basata sulla sua opera “Café Müller” del 1978, viene avviato da lei che si spoglia silenziosamente. L’immersione in quella fragile figura, che danza nuda davanti al pubblico al suono del “Lamento di Didos” di Henry Purcell, è uno dei momenti più impressionanti dell’intera performance. Il modo in cui la fragilità del corpo umano e della sua anima diventano visibili e tangibili allo stesso tempo dispiega un’incredibile magia emotiva. Che grande differenza con il pomposo pezzo “Full Moon” dello stesso coreografo. Se si volesse spiegare in modo vivido che l’impegno tecnico non deve necessariamente essere correlato al movimento emotivo del pubblico – questi due brani ne sarebbero un esempio da manuale.

Che grande, grande idea sostituire questa coreografia della Bausch con la canzone “Diamond” di Rihanna. Dotata di un ritmo pulsante e di una spinta vitale, la musica da sola travolge il pubblico in pochi istanti. Il corpo ancora nudo ora non ha assolutamente nulla di fragile, ma irradia pura energia vitale, sfrenata gioia di vivere e pura potenza di danza. Tanto che si vorrebbe ballare insieme a lei.

Dopo uno studio intensivo della mimica, dedicato al gran maestro di Butho Ono Kazuo, in cui l’interprete può mostrare la sua fortissima espressività mimica, finisce nella performance di danza contemporanea. Per questo, seduta sul palco con un computer portatile sulle ginocchia, descrive un video di YouTube, il cui contenuto riproduce solo testualmente. Tuttavia, “Balli per un’attrice” non sarebbe una produzione di Jérôme Bel se lui stesso non rispondesse con molto umorismo alla resa di danza puramente verbale-riflessiva con il prossimo “numero di John Travolta”. Il modo in cui Jolente De Keersmaeker inizia a ballare lentamente con la famosa “scena della Febbre del Sabato Sera” durante la sua descrizione, entrando progressivamente in sintonia con essa, è semplicemente sorprendentemente divertente.

Il fatto che aggiunga una coreografia autoprogettata alla musica rinascimentale con un ritmo forte e ripetitivo e un’atmosfera meridionale completa l’esibizione in modo riuscito e ancora una volta molto intelligente. Quanto è forte il contrasto che Keersmaeker esprime con la sua prova di balletto classico all’inizio e la sua coreografia potente e lussuriosa alla fine di “Danze per un’attrice”! Con questa sua coreografia, ha visibilmente raggiunto un punto in cui si può credere che la danza sia qualcosa che piace anche a lei, e che sembra addirittura essere nel suo sangue. Attraverso la sua geniale protagonista Jolente De Keersmaeker, l’opera di Bel rivela ciò che in realtà è un’intuizione profondamente semplice: la danza è un mezzo di espressione umana che ognuno può e viene incoraggiato a modellare secondo le proprie esigenze. Che voglia riprodurre esattamente una determinata coreografia, ballare un’improvvisazione su di essa o realizzare le proprie idee – tutto è possibile, tutto è desiderato, nulla è vietato. Che meravigliosa intuizione anche per le persone che lavorano con questo mezzo da decenni. Merci Jolente e chapeau Jérôme.
 
Questo articolo è stato tradotto automaticamente con deepl.com
 

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