da Aurelia Gruber | Set 17, 2023 | 2021, Theater
“A good story is like a fit knife”, tradotto: Una bella storia è come un coltello affilato. Anna Luca Poloni recita questa frase all’inizio e alla fine della sua produzione “Orlando Trip“, che ha presentato in anteprima in Austria insieme a Christian Mair al festival “Europa in Szene” incentrato su “Sea Change – l’arte della trasformazione” presso il Kasematten di Wiener Neustadt.
Lo spettacolo cinematico-musicale, prodotto sotto l’etichetta “Fox on ice”, si rifà alla tradizione dei “concept album” con 12 canzoni. Con il suo album “Frank Sinatra sings for only the lonely“, Frank Sinatra è considerato il capostipite di questo genere, in cui i singoli titoli si riferiscono l’uno all’altro e quindi seguono un certo “concetto”.
“Orlando Trip” si riferisce al famoso libro di Virginia Woolf “Orlando” in cui si racconta la trasformazione di un cavaliere medievale in una donna. Il fatto che questa trasformazione avvenga nell’arco di 400 anni sottolinea ulteriormente la fantastica costruzione di idee della storia. L’originale ha ispirato e continua a ispirare molti artisti che riprendono il materiale e aggiungono le loro interpretazioni. Ciò che difficilmente si sa, anche tra i fanatici della letteratura, è il fatto che Virginia Woolf avesse un modello per il suo testo. “Orlando furioso” di Ludovico Ariosto del XVI secolo. È interessante notare che proprio nel nostro tempo la storia si sta presentando sempre più spesso in modi diversi. Diversi adattamenti cinematografici, un’opera di Olga Neuwirth, adattamenti di radiodrammi, spettacoli di danza, ma anche quelli nello spazio pubblico, come il progetto Orlando a Vienna, rendono chiaro che il materiale offre ancora sufficienti impulsi per affrontarlo in modo originale.
Orlando-Trip (Foto: Ludwig Drahosch)
Christian Mair e Anna Luca Poloni alias Anna Maria Krassnigg lo fanno a modo loro, con un alto valore di riconoscimento. Il materiale cinematografico, registrato da Christian Mair, si intreccia con i testi di Anna Luca Poloni, che sono cantati da lei, ma in parte anche recitati in stile parlato. Ci si stupisce di quanto la coppia di artisti sia poliglotta in questa produzione. I testi sono in gran parte scritti in poesia inglese, un’impresa che di solito viene affrontata solo da artisti letterari la cui lingua madre è l’inglese. Inoltre, ci sono spruzzate di italiano ma anche di francese, che sottolineano il tocco internazionale della produzione.
Non è necessario leggere il materiale in anticipo, eppure “Orlando Trip” riesce a farti venire voglia di prendere il libro della Woolf per leggerlo per la prima volta, ma anche di rileggerlo. Un fatto che si riscontra spesso nelle produzioni di “wortwiege”. Questo dimostra anche che uno dei compiti principali di questo teatro è quello di trasmettere la letteratura. Non importa se si tratta di materiale drammatico o drammatizzato. Sensuale, gioioso, teatralmente realizzabile: questi sono i criteri decisivi per la ricezione e la realizzazione del wortwiege. Da non dimenticare: degni di essere discussi.
Le composizioni di Christian Mair in “Orlando Trip” si muovono tra canzoni liriche morbide, spesso dai toni cupi, e brani rocciosi, ritmati e orecchiabili. Gli interpreti ripercorrono lo sviluppo di Orlando, lo sostengono con immagini attuali provenienti da molti paesi diversi e aprono finestre su mondi da sogno. Il tema principale è la trasformazione fisica, ma non mentale, che Orlando subisce nel sonno senza alcun intervento attivo da parte sua. Si assiste a come, da giovane, scopre i suoi sentimenti e la sua infatuazione per Sasha, che lo abbandona nel momento più importante. Si segue il suo interesse per la letteratura, che continua a sostenere come elisir di lunga vita anche da donna. E ci si meraviglia della resistenza della donna Orlando, che sa come preservare la propria indipendenza nonostante il matrimonio e un figlio.
Orlando-Trip (Foto: Ludwig Drahosch)
Il carisma androgino di Anna Luca Poloni in questa produzione sostiene la fluidità tra i confini di genere. Tuttavia, nonostante il suo aspetto delicato, si percepisce una forza permanente nella rappresentazione delle parti maschili e femminili che sembra essere indipendente dal genere. Il giovane Orlando si rivolge alla letteratura come una cosa ovvia dopo il suo disastro amoroso nell’emigrazione interiore. Indipendente dal punto di vista economico, non si chiede nemmeno se può e gli è permesso farlo. Ma si può anche empatizzare autenticamente con lo stupore femminile per i giochi tra uomo e donna. Quando Anna Luca Poloni canta “dimmi, Capitano”, si rivolge anche al fascino femminile dell’uniforme. Allo stesso tempo, però, trasmette in ogni momento un’irrevocabile volontà di libertà, che mantiene anche dopo la sua trasformazione in donna.
Christian Mair forma una sorta di roccia nel surf della produzione accanto a lei con la sua chitarra elettrica. Dettando il ritmo, riesce comunque a dare alla sua partner una libertà così giocosa che entrambi appaiono uguali nella percezione del pubblico. Una circostanza che si verifica raramente nel mondo dei concerti, ma che qui funziona perfettamente in modo simbiotico.
“Perché incollarsi? È questa la volontà della natura?” canta Orlando a un certo punto, sollevando la questione della convivenza e del matrimonio come fenomeno socialmente consolidato. A differenza degli attuali dibattiti sul genere, la trasformazione di Orlando è completamente priva di attriti, quasi naturale, al massimo sorprendente. Il merito di questa produzione è quello di mettere in evidenza questa possibilità pacifista, seppur ipotetica.
Nell’ambito dell’iniziativa “Sea Change“, “Orlando Trip” è stato e viene proiettato in molti paesi europei. Sarebbe un piacere essere presente a ogni singola rappresentazione all’estero per poter seguire le diverse reazioni del pubblico. Alla prima nelle casematte di Wiener Neustadt, “Fox on ice” è stato applaudito freneticamente.
Ci sarà un’altra rappresentazione il 23.9.
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da Aurelia Gruber | Set 22, 2022 | 2021, Theater
Quando ci viene in mente il nome di Shakespeare, la maggior parte di noi probabilmente pensa ai drammi reali come Lear, Macbeth o Amleto. Ma per trovare qualcuno che abbia visto Coriolano, bisogna cercare a lungo. La compagnia teatrale “wortwiege” ha appena rimediato a questo problema con il suo festival “Europa in Szene”. La creatrice teatrale e docente di regia presso il Seminario Max Reinhardt, Anna Maria Krassnigg, ha invitato due ex studenti del suo corso di regia all’attuale edizione del festival per mostrare i loro progetti finali. Azelia Opak ha scavato a fondo nella sua ricerca e, con un ensemble di attori giovani ma già affermati e due membri del ‘wortwiege’, presenta l’ascesa e la caduta del patrizio romano Coriolano. È l’ultima opera di Shakespeare ed è generalmente considerata matura. La sua diversa autorità interpretativa può forse essere responsabile del fatto che non viene eseguita spesso.
Coriolano (Foto: Julia Kampichler)
Coriolano, addestrato alla battaglia fin dall’infanzia, si candida alla carica di console romano, spinto dalla madre. Si è sufficientemente guadagnato i meriti per questo; potrebbe mostrare più di 20 cicatrici al popolo, come era consuetudine prima di assumere l’incarico, per dimostrare di essere fedele a Roma. Potrebbe, se non fosse per il suo indomabile orgoglio. È questo orgoglio che alla fine lo fa crollare. Qualche secolo dopo Shakespeare, ci sarà un secondo personaggio chiamato Michael Kohlhaas che sarà altrettanto inflessibile di Coriolano, anche se il motivo è diverso.
Ma fino a questo momento, Opak mostra i personaggi di Shakespeare in tutta la loro differenziazione psicologica: Coriolano (Lukas Haas), l’indomito, che per una volta non rimane fedele ai suoi principi, ma per il resto può essere considerato un uomo testardo per eccellenza. È fantastico il modo in cui Haas riesce a parlare con se stesso fino a raggiungere una furia quasi spaventosa. Sua madre Volumnia (Judith Richter), che, come le madri sportive di oggi, esige tutto da suo figlio per potersi crogiolare nella sua gloria. Menenio Agrippa (Jens Ole Schmieder), un membro della casta elitaria, che sostiene Coriolano con consigli benintenzionati per non mettere in pericolo la propria posizione. Tullo Aufidio (Philipp Dornauer), il perdente multiplo di Coriolano in battaglia, aspetta solo di vendicarsi al momento giusto. Nonostante la sua giovane età, Dornauer imita un combattente dal sangue caldo, ma mette una grande dose di ponderatezza prima di ogni sua azione. Giunio Bruto (Paul Hüttinger), uno dei primi tribuni del popolo, imparò rapidamente come funzionano gli intrighi politici. Sebbene i suoi attributi esterni, come una spessa catena d’argento al collo, indichino la sua vicinanza al popolo, Hüttinger tuttavia infonde al suo tribuno una grande dose di subdolezza e astuzia. Infine, Sicinius Velutus (Uwe Reichwaldt), secondo tribuno del popolo, che, nella regia di Opak, si districa in tutte le situazioni pericolose come un funzionario austriaco-Slavin e ha la simpatia del pubblico dalla sua parte.
Una scenografia estremamente intelligente (Felix Huber) separa il lungo spazio scenico. Una porta rotonda girevole – la parte anteriore in oro scintillante, la parte posteriore dipinta di nero pece – indica se l’azione si svolge a Roma o con il nemico di Roma, i Volsci. Dopo l’ultima battaglia vinta, Coriolano spalma il sangue delle sue mani sul grande specchio nell’abside del palcoscenico, chiarendo che le sue battaglie sono costate più di una sola vita umana.
L’idea di accompagnare la produzione con musica dal vivo non è solo grandiosa, ma ha anche un senso drammaturgico. Boglarka Bako e Marie Schmidt intonano ripetutamente il motivo del Coriolano di Beethoven con leggere variazioni sui loro strumenti ad arco. Questo sottolinea anche quei momenti in cui il patrizio si vede completamente nel suo elemento come leader popolare e governante aristocratico che si arroga il diritto di prendere le sue decisioni senza il popolo, che in realtà considera fastidioso e dispensabile. I due musicisti siedono a destra e a sinistra sul fondo del palcoscenico, in modo da poter essere visti ma senza disturbare la rappresentazione sul palcoscenico limitato.
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
La produzione non vive solo del fatto che mostra diversi punti di vista su uno Stato di successo e sui rispettivi rappresentanti. La produzione vive anche di momenti forti ed emotivi, come quello in cui la madre di Coriolano si getta in ginocchio davanti a lui e lo implora di avere pietà per Roma. Il modo in cui si aggrappa a lui poco dopo mostra chiaramente il legame fatale tra lei e suo figlio. Judith Richter rimane indelebile nella memoria con questa scena. Ma Jens Ole Schmieder riesce anche a dimostrare cosa sia l’alta recitazione in un’interpretazione quasi senza parole. Il modo in cui spinge le tribune ai lati del palco con brevi scatti denigratori e non lascia che prendano posto al centro entra nella pelle e lo rende profondamente spregevole in questo momento.
Chi è il bene qui e chi è il male qui, in definitiva, non è realmente distinguibile. Come nella vita reale, in questa opera non c’è un vero nero e un vero bianco. Ciò che rimane è la consapevolezza che un tempo la politica era fatta dalle persone, proprio come oggi. Da persone che, da un lato, si trovano dove sono in virtù della loro volontà e, dall’altro, si sono conquistate un posto grazie a reti familiari o politiche, per le quali sono disposte a fare sacrifici personali, ma anche a passare sui cadaveri.
Il fatto che l’opera sembra fatta per le casematte di Wiener Neustadt è un altro punto a favore della produzione. Le altre performance sono incorniciate da colloqui salottieri, ma anche da un nuovo formato. Con i “discorsi”, vengono riproposti i discorsi di personaggi famosi, che di solito si conoscono solo per sentito dire. Un’altra grande idea artistica che getta luce da un’angolazione diversa sul grande campo del ‘potere’, che è in definitiva ciò che riguarda la ‘Szene Europa’ nelle casematte di Wiener Neustadt.
Questo articolo è stato tradotto con deepl.com
