par Elisabeth Ritonja | Mar 12, 2024 | Allgemein, Theater
Des boîtes en carton avec des dates écrites en gros, un ballon de football, deux fauteuils et un cheval – ce dernier étant un accessoire d’une autre pièce – il n’en faut pas plus à Ido Shaked et Hannan Ishay pour allumer un extraordinaire feu d’artifice scénique.
Les deux acteurs et metteurs en scène ont présenté leur dernière pièce « A Handbook FOR THE ISRAELI THEATRE DIRECTOR IN EUROPE » au festival ‘wortwiege’ dans les casemates de Wiener Neustadt sous le label ‘Théâtre Majâz’. Tous deux sont originaires d’Israël et ont quitté leur pays il y a quelques années – Ido Shaked pour s’installer à Paris et Hannan Ishay pour étudier et travailler en Autriche. Aujourd’hui, il vit de nouveau à Tel Aviv avec sa famille et peut témoigner directement de la situation sur place.
A HANDBOOK FOR THE ISRAELI THEATRE DIRECTOR IN EUROPE (Foto: Julia Kampichler)
Le spectacle, qui se déroule dans le style d’une double conférence, est né de l’idée de parler sur scène d’Israël et de ce qui s’y passe, car les deux hommes sont toujours interrogés sur ce qui s’y passe lors de leurs voyages. Ils ont donc profité de l’urgence de l’information pour contribuer à une meilleure compréhension des événements en donnant leur point de vue sur l’évolution de la situation. Et ce, avec le moyen qu’ils maîtrisent le mieux : le théâtre.
Il suffit de quelques instants sur scène pour comprendre qu’Ido et Hannan se lancent des boules d’arguments, truffées d’humour et d’apartés, à une telle vitesse que l’on se réjouit de la bonne compréhension de leur anglais. Les surtitres ou les sous-titres seraient totalement inutiles dans cette constellation, mais leur conversation est si bien rythmée que même le public qui ne parle pas anglais au quotidien n’a aucune difficulté à suivre les deux hommes.
Ils parlent de politique, de football ou de nourriture, ils parlent d’Israël en tant que puissance occupante et du fait qu’ils ne peuvent ou ne doivent pas parler de beaucoup de choses. En partie parce que cela va à l’encontre de la raison d’Etat, en partie parce qu’ils ne savent pas eux-mêmes comment gérer une évolution dont les spirales de violence sont inéluctablement poussées vers le haut.
A HANDBOOK FOR THE ISRAELI THEATRE DIRECTOR IN EUROPE (Foto: Julia Kampichler)
Aussi difficile que soit la situation dans leur pays d’origine et aussi difficile à croire que l’on puisse mettre en scène une soirée sur Israël pimentée de manière à offrir au public un divertissement de haut niveau, l’entreprise est tout aussi plausible. Lorsqu’on leur demande s’ils seraient en mesure de monter leur pièce en Europe, compte tenu de la violence qui fait rage actuellement, tant du côté israélien que palestinien, ils répondent tous deux sans équivoque : « Oui ! Comment pourrions-nous faire face à cette situation si ce n’est par la réflexion sur scène ? ».
Le courant antisémite en Europe est abordé tout comme le sentiment d’être déchiré. Déchiré entre le luxe de vivre à l’étranger, mais en même temps de ne pas avoir la possibilité d’assister à des manifestations anti-gouvernementales en Israël. Ido et Hannan sont conscients que leur entreprise sur scène peut à tout moment être vouée à l’échec, mais ils sont suffisamment professionnels pour que cela n’arrive pas. Leur pas de deux plein d’esprit captive, inquiète et invite en même temps à rire, laissant au public beaucoup d’émotions et encore plus de matière à réflexion.
« Qu’est-ce que tu vas faire ? Partir ? Rester ? » demande Ido à la fin à son collègue Hannan, qui n’a pas de réponse concluante. Ils inscrivent plutôt leurs dernières réflexions dans les grands mythes européens, comme ceux d’Ulysse et de Troie, cette ville réduite en cendres, et situent ainsi l’horreur et la souffrance, mais aussi la résurrection de la poussière, dans ces récits millénaires qui sont toujours aussi valables aujourd’hui que dans l’Antiquité.
Quelle merveilleuse référence également au « wortwiege » hôte, qui, dans ses festivals, reprend toujours des thèmes antiques pour illustrer exactement la même chose. Précision : à voir absolument !
par Michaela Preiner | Sep 27, 2023 | 2021, steirischer herbst, Theater
La « performance poético-documentaire » a un lien fort avec Graz et sera présentée en tant que co-production dans le cadre de « Steirischer Herbst » au Theater am Lend. C’est logique, puisque le thème du festival de cette année est « Humains et démons » et que de nombreuses contributions sont liées à Graz par leur contenu.
Le texte est écrit par l’ensemble lui-même. Bernhard Berl, Vinko Cener, Franciska Farkas, Natalija Teodosieva et Christian Winkler racontent des histoires de leur vie et de celle de leurs ancêtres. A l’exception de Natalija et Christian, qui se charge de la partie d’intro, ils appartiennent tous au groupe de population des Roms et sont originaires d’Autriche, de Slovénie, de Hongrie et de Macédoine. Entre les différents récits, ils travaillent tous ensemble sur un bateau en bois portant l’inscription « Feuerwehr Steiermark ». Ils le dénoyautent, poncent des parties de la surface, le vernissent et collent ensemble des pièces de bois individuelles.
Moritz Weiß et Ivan Trenev (photos Edi Haberl)
Ivan Trenev (accordéon) et Moritz Weiß (clarinette/clarinette basse) apportent depuis le bord de la scène un fond musical cohérent. Dans leur répertoire, il y a du klezmer avec un fort drive balkanique, mais aussi des morceaux lyriques qui accrochent bien l’oreille, ainsi que des sons dramatiques lorsque l’action s’intensifie sur la scène.
Le bateau utilisé sur scène est un bateau qui était déjà utilisé comme bateau de sauvetage dans la Mur dans les années 30. Le fait qu’elle n’ait pas été utilisée lorsque l’arrière-grand-mère de Bernhard Berl s’est noyée dans la Mur le 13 mars 1938 témoigne de l’attitude hostile de la société dont les Roms ont fait l’amère expérience pendant l’entre-deux-guerres et la Seconde Guerre mondiale.
Bernhard, originaire de l’est de la Styrie, raconte de manière plastique qu’à l’âge de 20 ans, il s’est mis à la recherche de ses ancêtres et a appris qu’il était un Rom. Au cours de son récit, on remarque à quel point il est toujours émotionnellement touché par cette circonstance, même s’il la minimise d’abord avec les moyens de l’humour. « Je suis Rom ? Super, un Italien ! » est sa réaction à la révélation de ses origines. Ce n’est que lorsque sa grand-mère lui répond : « Non, pas un Italien, un gitan », que le jeune homme perd pied. Il avoue franchement qu’il n’aurait pas pu reprendre sa vie en main sans soutien psychologique.
Natalja a vécu des expériences contradictoires. Dès son plus jeune âge, elle était très attachée à l’une de ses « babas », qui était l’une des chanteuses roms les plus connues. Elle voulait devenir comme elle. Quand son frère lui a dit, à l’âge de huit ans, qu’il n’y avait aucun lien de sang entre cette grand-mère et elle et qu’elle n’était pas une Rom, le monde s’est écroulé pour elle.
Vinko, un Rom de Slovénie, a dû apprendre la langue de ses ancêtres à l’âge adulte. Ses parents étaient trop soucieux de s’intégrer dans leur pays et de ne pas se faire remarquer en tant que Roms. C’est presque une ironie du sort que Vinko ait fini par avoir sa propre émission de télévision dans laquelle il présentait les questions relatives aux Roms. Cela fait maintenant plusieurs années qu’il vit à Graz et qu’il fait l’expérience de ce que cela signifie de ne pas être né ici.
Enfin, Franciska commence son récit par une histoire horrible de l’époque nazie. Après une pause de consternation où l’on sent que le public est très mal à l’aise, elle prend soudain un tout autre visage et pose la question de savoir ce qui se passerait si cette histoire était inventée. Franciska est une actrice professionnelle, une célébrité en Hongrie, et elle ne souhaite rien d’autre que de ne pas être constamment occupée par des rôles de Romnja.
bateau de Thésée (Fotos Edi Haberl)
bateau de Thésée (Fotos Edi Haberl)
bateau de Thésée (Fotos Edi Haberl)
Aussi différents que soient tous les parcours de vie de la troupe et les approches de l’origine rom, ils sont unis par le fait qu’à un moment de leur vie, leur identité a vacillé et qu’ils ont dû faire face à leurs origines, qu’ils le veuillent ou non. En utilisant le bateau, Franz von Strolchen a créé deux niveaux dramaturgiques sophistiqués qui, à première vue, semblent très discrets. D’une part, le paradoxe philosophique du bateau de Thésée est expliqué à l’aide de textes défilants. D’autre part, il crée une parenthèse avec le bateau à rames. Elle englobe l’histoire de l’arrière-grand-mère de Bernhard, racontée au début de la mise en scène, vers la fin, car : Dans la dernière scène, le bateau est enveloppé d’un tissu blanc sans paroles, entouré de cordes et finalement laissé seul sur la scène. L’association qui s’arrête ici a de l’importance : ficelés de cette manière, des gens trouvent leur dernier repos, qui meurent en haute mer et ne sont pas ramenés sur terre, mais trouvent leur dernier repos dans les flots des mers ou des rivières.
« Le bateau de Thésée » ouvre de nombreuses fenêtres sur le passé, mais en même temps, on ressent aussi le désir presque impérieux des acteurs et actrices d’un avenir meilleur. Un avenir dans lequel la lignée et l’origine d’une personne ne devraient plus avoir d’importance. Les utopies deviennent une réalité lorsqu’elles sont vécues. Commencer maintenant semble être le mot d’ordre à une époque comme celle-ci, où les courants nationaux contraires se multiplient. Le théâtre contemporain ne peut pas être plus actuel.
Ce texte a été traduit automatiquement avec deepl.com
par Aurelia Gruber | Sep 17, 2023 | 2021, Theater
« A good story is like a fit knife » traduit : une bonne histoire est comme un couteau bien aiguisé. Anna Luca Poloni récite cette phrase au début et à la fin de sa production « Orlando Trip« , qu’elle a présentée pour la première fois en Autriche avec Christian Mair lors du festival « Europa in Szene », axé sur « Sea Change – l’art de la métamorphose« , aux Casematten de Wiener Neustadt.
Le spectacle cinématographique et musical, produit sous le label « Fox on ice », s’inspire de la tradition des « albums conceptuels » avec 12 chansons. Frank Sinatra, avec son album « Frank Sinatra sings for only the lonely« , est considéré à cet égard comme l’ancêtre de ce genre, dans lequel les différents titres se réfèrent les uns aux autres et suivent ainsi un certain « concept ».
« Orlando Trip » se réfère au célèbre livre de Virginia Woolf « Orlando » dans lequel elle raconte la transformation d’un chevalier médiéval en femme. Le fait que cette transformation s’étende sur une période de 400 ans souligne la construction fantastique de l’histoire. Le modèle a incité et incite encore de nombreux artistes à reprendre le sujet et à l’enrichir de leurs propres interprétations. Ce que l’on sait peu, même parmi les geeks littéraires, c’est que Woolf avait un modèle pour son texte. L' »Orlando furioso » de Ludovico Ariosto, datant du 16e siècle. Il est intéressant de constater qu’à notre époque, elle revient de plus en plus souvent sous différentes formes. Plusieurs adaptations cinématographiques, un opéra d’Olga Neuwirth, des adaptations de pièces radiophoniques, des performances de danse, mais aussi dans l’espace public, comme le Orlando project à Vienne, montrent clairement que le sujet offre encore suffisamment d’impulsions pour l’aborder de manière originale.
Orlando-Trip (Foto: Ludwig Drahosch)
Christian Mair et Anna Luca Poloni alias Anna Maria Krassnigg le font à leur manière, qui est très reconnaissable. Des séquences filmées par Christian Mair s’imbriquent avec les textes d’Anna Luca Poloni, chantés par elle, mais aussi en partie récités à la voix. On est étonné de voir à quel point le couple d’artistes est polyglotte dans cette production. Les textes sont en grande partie écrits en poésie anglaise, un exercice que seuls les écrivains dont l’anglais est la langue maternelle maîtrisent généralement. Il y a aussi des inserts en italien et en français qui soulignent la touche internationale de la mise en scène.
Il n’est pas nécessaire d’avoir lu le sujet au préalable, mais Orlando Trip fait en sorte que l’on se tourne ensuite volontiers vers le livre de Woolf pour le lire pour la première fois, mais aussi pour le relire. C’est un fait que l’on retrouve souvent dans les productions de ‘wortwiege’. Cela montre bien que l’une des missions principales de ce théâtre est de transmettre la littérature. Qu’il s’agisse de drames ou de sujets dramatisés. Sensuel, joyeux, théâtralement réalisable – ce sont les critères qui déterminent l’acceptation et la mise en œuvre du wortwiege. Sans oublier : digne de discussion.
Dans « Orlando Trip », les compositions de Christian Mair oscillent entre des chansons douces, souvent teintées de noirceur et de lyrisme, et des vers d’oreille rock, rythmés, voire pop. Les interprètes suivent le parcours d’Orlando, l’étayent avec des visuels actuels de nombreux pays différents et ouvrent des fenêtres sur des mondes de rêve. Le thème principal est la transformation physique, mais pas psychique, qu’Orlando opère dans son sommeil sans sa participation active. On assiste à la découverte de ses sentiments et de son amour pour Sasha, qui le laisse tomber au moment décisif. On suit son intérêt pour la littérature, qu’il maintient plus tard en tant que femme comme un élixir de vie. Et on s’étonne de la résistance de la femme Orlando, qui sait garder son indépendance malgré son mariage et son fils.
Orlando-Trip (Foto: Ludwig Drahosch)
Le rayonnement androgyne d’Anna Luca Poloni dans cette mise en scène soutient la fluidité entre les frontières des sexes. Malgré son apparence délicate, on ressent une force permanente dans l’interprétation des parties masculine et féminine, qui semble être indépendante du sexe. Le jeune Orlando se tourne naturellement vers la littérature après son désastre amoureux dans son émigration intérieure. Indépendant financièrement, il ne se pose même pas la question de savoir s’il peut et a le droit de le faire. Mais on peut aussi ressentir de manière authentique l’étonnement féminin face aux jeux entre hommes et femmes. Quand Anna Luca Poloni chante « dimmi, Capitano », elle évoque aussi la fascination féminine pour l’uniforme. Mais en même temps, elle transmet à chaque instant une volonté de liberté irrévocable qu’elle conserve même après s’être transformée en femme.
Christian Mair, avec sa guitare électrique, est une sorte de roc dans la mise en scène. En donnant le rythme, il réussit à donner à sa partenaire une telle liberté de jeu qu’ils apparaissent tous les deux sur un pied d’égalité dans la perception du public. Une situation que l’on rencontre rarement dans le monde des concerts, mais qui fonctionne ici de manière symbiotique.
« Pourquoi s’unir ensemble ? Est-ce la volonté de la nature ? » chante Orlando à un moment donné, soulevant ainsi la question de la cohabitation et du mariage en tant que phénomène socialement consolidé. Contrairement aux débats actuels sur le genre, la transformation d’Orlando est totalement sans friction, presque naturelle, tout au plus étonnante. C’est le plus grand mérite de cette production que de montrer cette possibilité pacifiste, même si elle est hypothétique.
Dans le cadre de l’initiative « Sea Change« , « Orlando Trip » a été et sera projeté dans de nombreux pays européens. On aimerait bien assister à chacune des représentations à l’étranger afin de pouvoir suivre les différentes réactions du public. Lors de la première dans les casemates de Wiener Neustadt, « Fox on ice » a été applaudi frénétiquement.
Il y aura une autre représentation le 23 septembre.
Cet article a été traduit automatiquement par deepl.com
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par Michaela Preiner | Août 30, 2023 | 2021, Theater
L’objectif du projet théâtral était de confronter le public de manière interactive à l’histoire d’Orlando de Virginia Woolf le long de différentes stations dans le centre-ville de Vienne. A pied, équipés d’un téléphone portable et d’écouteurs, les participants ont suivi un parcours de cinq stations en compagnie d’un guide charmant. Il fallait faire environ 9000 pas en une heure et demie. A chaque station, on recevait des instructions sur l’environnement sur lequel il fallait pointer la caméra du téléphone portable mis à disposition afin de déclencher l’application installée sur celui-ci.
Anisoglu et Pacher travaillent de manière très transfrontalière, ce qui signifie que chaque station de vie d’Orlando a été conçue par d’autres artistes. Les visuels qui apparaissaient sur les petits écrans de téléphone portable se fondaient en partie dans l’environnement pour lequel ils avaient été créés. A l’exception d’une station, on écoutait le texte de Sophie Steinbeck, qui avait fait une version courte, mais aussi une réécriture du modèle littéraire de Woolf. Elle a utilisé d’une part la narration des différents chapitres du livre, et d’autre part ses propres idées, qui ajoutent temporairement un niveau supplémentaire au texte original. Un petit échantillon :
« La langue anglaise ne suffit pas pour dire ce qu’il ressent.
l’allemand doit suffire à l’auteur pour comprendre ce qu’orlando ne peut pas dire en anglais »
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Aras Levni Seyhan a fourni la parenthèse musicale qui reliait toutes les étapes entre elles.
Claudia Virginia Dimoiu, Simon Goritschnig, Theo Emil Krausz, Nour Shantout, Cosima Büsing, Metamorkid et Lara Sienczak sont les artistes qui ont également été invités à participer au projet et qui ont apporté leur contribution.
L’histoire d’Orlando est variée et colorée, onirique et en même temps visionnaire. « The Orlando project » reprend cette polychromie. Le récit de la vie d’un homme qui se transforme en femme s’étend du Moyen-Âge jusqu’à notre époque. Chacune des cinq étapes marque une période particulière et porte sa propre signature artistique. Des réalisations visuelles à l’aide de la réalité virtuelle, des intermèdes de danse et de chant enregistrés en vidéo et retravaillés sur ordinateur, mais aussi un jardin de sculptures que l’on peut parcourir grâce à une grande architecture artificielle, créent de la variété et de l’excitation. Ce qui commence dans la Griechengasse se termine finalement dans le quartier des musées devant le Mumok.
Les diverses impressions ont été joliment capturées dans un leporello que l’on reçoit à la fin du voyage. Il devient ainsi une sorte d’outil de rappel le long duquel on peut laisser vagabonder ses pensées. Une courte description de chaque étape ainsi que le texte complet à écouter y sont inscrits. Les différentes stations de texte sont complétées par un petit extrait photographique. Suffisamment grand pour déclencher le souvenir, suffisamment petit pour faire revivre ses propres sensations et impressions.
Foto: Glass Circle
Foto: Glass Circle
Foto: Glass Circle
Foto: Glass Circle
Foto: Glass Circle
Foto: Glass Circle
En fait, l’équipe artistique a réussi à créer un travail durable que l’on pourra – c’est prévu – découvrir à l’avenir en utilisant l’application seule. C’est logique, car la surabondance d’impressions, couplée à la « real life » qui t’entoure inévitablement pendant la performance, ne te permet pas de tout enregistrer, écouter, voir et traiter en même temps.
On se souvient de certaines réalisations très réussies sur le plan esthétique. Par exemple, le paysage artificiel de Simon Goritschnig dans le Schweizerhof du château, ou le travail de Manuel Biedermann, qui a étendu la performance transgenre de Metamorkid avec une animation de mapping mémorable sur le mur du Mumok. Le tapis persan fragmenté de Nour Shantout sur la façade du Weltmuseum, qui symbolise le séjour d’Orlando à Istanbul, en fait également partie. Il faut aussi retenir que l’on a réussi à suivre de manière plausible la démarche d’Orlando à travers les siècles et à voir son changement de sexe de manière finalement contemporaine.
Si le projet s’émancipe dans la prochaine étape avec une application à utiliser soi-même, cela pourrait devenir une nouvelle attraction touristique de Vienne qui souligne l’internationalité de cette ville de manière artistique.
par Michaela Preiner | Oct 23, 2022 | 2021, Theater
Le Schauspielhaus, qui donne sur l’arrière de la Feste Salzburg, est presque un secret. Bien qu’il s’agisse du plus grand théâtre indépendant avec une troupe fixe, il n’est étonnamment pas vraiment fortement perçu au niveau national. Et ce, à tort. Car il offre une grande diversité de productions avec actuellement 10 premières par saison. La deuxième mise en scène de cette saison, « Frankenstein », est signée Jérôme Junod, actuel directeur de jeu et dramaturge en chef. Il a fait ses débuts dans la maison l’année dernière avec « Le roi Arthur », une nouvelle version du sujet historique. En raison d’un lockdown, cette production remarquable n’a malheureusement été jouée que quelques fois. Aujourd’hui, il a écrit sa propre version scénique de la pièce de Mary Shelley, écrite en 1816, et lui a donné une impulsion spéciale et inédite.
Le récit peut être imaginé métaphoriquement comme une poupée russe matriochka – comme une pièce, dans la pièce, dans la pièce. Différentes lignes narratives se développent l’une après l’autre, qui trouvent leur origine et leur fin chez Roberta Walton. Celle-ci – richement dotée d’une domination masculine – est une aventurière de l’eau pure qui veut atteindre le pôle Nord avec un petit équipage sur son propre bateau. Petra Staduan n’incarne pas seulement cet esprit libre féminin, mais également la condamnée à mort Justine dans l’ascenseur des pénitents, ainsi que la rebelle Agatha, qui dénonce l’inégalité entre les riches et les pauvres. En tant que Walton, elle est présente sur scène presque tout le temps, écoutant les récits du jeune Victor Frankenstein.
Celui-ci, sauvé par elle de l’enfer de glace nordique, lui raconte ses années de jeunesse et d’études à l’université d’Ingolstadt sous la domination de deux professeurs excentriques. Ceux-ci le soutenaient jusqu’à l’abnégation absolue dans ses efforts pour transformer la matière morte en matière vivante et créer un homme artificiel. Antony Connor et Olaf Salzer ont les rires de leur côté dans ces rôles magnifiquement conçus. Ils prouvent également leur talent comique en tant que marins et passent tout aussi habilement aux personnages sérieux du père de Frankenstein et d’un révolutionnaire aveugle.
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
Wolfgang Kandler incarne le jeune scientifique avide de connaissances qui doit bientôt se rendre compte du malheur qu’il a apporté à sa vie et à celle de sa famille en créant sa « créature ». Magdalena Oettl dans le rôle d’Elisabeth, sa fiancée, encadre également le récit en tant que nouveau personnage introduit par Junod, Margaret Saville, une chroniqueuse mondaine qui a la chance de voir son caractère évoluer de manière étonnante. Le personnage principal de Paul Andre Worms, Henry, l’ami d’enfance de Victor Frankenstein, n’est pas seulement le contraire du personnage, mais aussi de son apparence. Gai et joyeux, serviable et ouvert, il est néanmoins assassiné par le monstre de Frankenstein par soif de vengeance.
Jusqu’à la toute dernière scène, ce dernier porte un pantalon noir moulant et un grand sweat à capuche noir, de sorte que l’on peut à peine voir son visage. (Costumes Antoaneta Stereva) Hussan Nimr est la créature de Frankenstein, toujours en mouvement, avec une voix sombre et menaçante, et il montre clairement son origine contre-nature par ses mouvements empruntés aux animaux. Il s’enfuit à quatre pattes, grimpe sur des échafaudages et se tient la plupart du temps la tête basse en essayant de raconter son histoire. C’est l’ambivalence de ce personnage, et surtout le fait de savoir pourquoi il est devenu lui-même un monstre, qui touche fortement et donne à l’histoire au Schauspielhaus de Salzbourg sa propre couleur. Bernhard Eder accompagne musicalement l’action en direct, tant au niveau de la voix que de la guitare électrique et de l’électronique, ajoutant ainsi des moments émotionnels supplémentaires.
L’interprétation de Junod de « Frankenstein » ne mise pas en premier lieu sur des effets d’horreur et la création de frissons. Elle impressionne plutôt par le psychogramme finement élaboré d’un marginal dont le plus grand défaut est sa solitude, qu’il essaie de sublimer par un sentiment de vengeance et qui devient ainsi un meurtrier de masse. Une soirée de théâtre réussie dans un automne où l’histoire mondiale regorge malheureusement de monstres.
Cet article a été traduit automatiquement par deepl.com
par Aurelia Gruber | Sep 22, 2022 | 2021, Theater
Lorsque le nom de Shakespeare est évoqué, la plupart d’entre nous pensent probablement aux drames royaux comme Lear, Macbeth ou Hamlet. Mais pour trouver quelqu’un qui a vu Coriolanus, il faut chercher longtemps. La compagnie de théâtre « wortwiege » y remédie justement lors de son festival « Europa in Szene ». Anna Maria Krassnigg, créatrice de théâtre et professeur de mise en scène au Max Reinhardt Seminar, a invité deux anciens étudiants de sa classe de mise en scène à présenter leur travail de fin d’études lors de l’édition actuelle du festival. Azelia Opak s’est plongée dans ses recherches pour présenter l’ascension et la chute du patricien romain Coriolanus avec une troupe de jeunes acteurs déjà confirmés et deux membres du « wortwiege ». Il s’agit de la dernière œuvre de Shakespeare et elle est généralement considérée comme mature. Ses différentes interprétations sont peut-être à l’origine du fait qu’elle n’est pas souvent jouée.
Coriolanus (photo : Julia Kampichler)
Formé dès l’enfance au combat, Coriolanus, poussé par sa mère, se présente à la fonction de consul romain. Il s’est déjà bien battu pour cela et pourrait montrer au peuple plus de 20 cicatrices, comme il était d’usage avant son entrée en fonction, afin de prouver qu’il est fidèle à Rome. Il le pourrait, si ce n’était sa fierté inflexible. C’est finalement lui qui le fait tomber. Quelques siècles après Shakespeare, il y aura un deuxième personnage appelé Michael Kohlhaas, qui se montrera aussi inflexible que Coriolanus, même si le motif est différent.
Mais avant d’en arriver là, Opak présente les personnages de Shakespeare dans toute leur complexité psychologique : Coriolanus (Lukas Haas), l’inflexible, qui ne reste pas fidèle à ses principes une seule fois, mais qui peut être considéré comme une tête de mule par excellence. C’est formidable de voir comment Haas peut se mettre à parler avec une furie qui fait presque peur. Sa mère Volumnia (Judith Richter), qui, à l’instar des mères sportives d’aujourd’hui, exige tout de son fils pour pouvoir finalement se prélasser dans sa gloire. Ménénius Agrippa (Jens Ole Schmieder), membre de la caste des élites, qui conseille Coriolanus avec bienveillance afin de ne pas compromettre sa propre position. Tullus Aufidius (Philipp Dornauer), vaincu à plusieurs reprises par Coriolanus, n’attend que le moment opportun pour se venger. Malgré sa jeunesse, Dornauer est un combattant au sang chaud, mais il met une grande dose de réflexion dans chacune de ses actions. Junius Brutus (Paul Hüttinger), l’un des premiers tribuns du peuple, a rapidement appris comment fonctionnent les intrigues politiques. Bien que ses attributs extérieurs, comme une grosse chaîne en argent autour du cou, indiquent qu’il est proche des citoyens, Hüttinger confère à son tribun beaucoup de ruse et de perfidie. Enfin, Sicinius Velutus (Uwe Reichwaldt), le deuxième tribun du peuple, qui, dans la mise en scène d’Opak, se faufile à travers toutes les situations dangereuses comme un fonctionnaire-esclave autrichien et qui a la sympathie du public de son côté.
Un décor extrêmement intelligent (Felix Huber) permet de séparer le long espace scénique. Une porte tournante ronde, peinte en or brillant sur la face avant et en noir sur la face arrière, indique si l’action se déroule à Rome ou chez les ennemis de Rome, les Volsques. Après la dernière bataille gagnée, Coriolanus barbouille de ses propres mains de sang le grand miroir de l’abside de la scène, montrant ainsi clairement que ses combats n’ont pas coûté qu’une seule vie humaine.
L’idée d’accompagner la production d’une musique en direct est non seulement formidable, mais elle a également un sens dramaturgique. Boglarka Bako et Marie Schmidt entonnent régulièrement le motif de Coriolanus de Beethoven sur leurs instruments à cordes, avec de petites variations. Cela permet également de souligner les moments où le patricien se comprend tout à fait dans son élément de chef du peuple et de souverain noble, qui s’arroge le droit de prendre ses décisions sans le peuple, qu’il considère en fait comme gênant et dispensable. Les deux musiciennes sont assises à gauche et à droite, au fond de la scène, de telle sorte que l’on puisse les percevoir, mais qu’elles ne perturbent pas le jeu sur la scène limitée.
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
La mise en scène ne vit pas seulement du fait qu’elle montre différentes conceptions d’un système étatique réussi et leurs représentants respectifs. La mise en scène se nourrit également de moments forts et émotionnels, comme celui où la mère de Coriolan se jette à genoux devant lui et lui demande la clémence pour Rome. La façon dont elle s’accroche à lui peu après montre clairement le lien fatidique qui l’unit à son fils. Avec cette scène, Judith Richter laisse un souvenir indélébile. Mais Jens Ole Schmieder réussit également à montrer ce qu’est le grand art dramatique lors d’une apparition presque sans paroles. La manière dont il pousse les tribuns du peuple sur le côté de la scène avec des claquements de doigts brefs et méprisants et ne les laisse pas s’asseoir au milieu, est à fleur de peau et le rend à ce moment-là profondément détestable.
En fin de compte, il n’est pas vraiment possible de déterminer qui est bon et qui est mauvais. Comme dans la vie réelle, il n’y a pas vraiment de noir ou de blanc dans cette pièce. Ce qui reste, c’est la prise de conscience que la politique, hier comme aujourd’hui, est faite par des hommes. Par des gens qui, d’une part, sont là où ils sont en vertu de leur propre volonté et qui, d’autre part, ont conquis une place grâce à leurs liens familiaux ou politiques, pour lesquels ils sont prêts à faire des sacrifices personnels, mais aussi à marcher sur des cadavres.
Le fait que la pièce semble avoir été conçue pour les casemates de Wiener Neustadt est un autre atout de la mise en scène. Les autres représentations seront encadrées par des discussions de salon, mais aussi par un nouveau format. Avec « Reden », des discours de personnes célèbres, que l’on ne connaît généralement que par ouï-dire, sont rejoués. Une autre idée artistique géniale qui éclaire sous un autre angle le vaste champ du « pouvoir » dont il est finalement question lors de « Szene Europa » dans les casemates de Wiener Neustadt.
Cet article a été traduit avec deepl.com
Moritz Weiß et Ivan Trenev (photos Edi Haberl)
Orlando-Trip (Foto: Ludwig Drahosch)
Orlando-Trip (Foto: Ludwig Drahosch)
