Le Schauspielhaus, qui donne sur l’arrière de la Feste Salzburg, est presque un secret. Bien qu’il s’agisse du plus grand théâtre indépendant avec une troupe fixe, il n’est étonnamment pas vraiment fortement perçu au niveau national. Et ce, à tort. Car il offre une grande diversité de productions avec actuellement 10 premières par saison. La deuxième mise en scène de cette saison, « Frankenstein », est signée Jérôme Junod, actuel directeur de jeu et dramaturge en chef. Il a fait ses débuts dans la maison l’année dernière avec « Le roi Arthur », une nouvelle version du sujet historique. En raison d’un lockdown, cette production remarquable n’a malheureusement été jouée que quelques fois. Aujourd’hui, il a écrit sa propre version scénique de la pièce de Mary Shelley, écrite en 1816, et lui a donné une impulsion spéciale et inédite.
Le récit peut être imaginé métaphoriquement comme une poupée russe matriochka – comme une pièce, dans la pièce, dans la pièce. Différentes lignes narratives se développent l’une après l’autre, qui trouvent leur origine et leur fin chez Roberta Walton. Celle-ci – richement dotée d’une domination masculine – est une aventurière de l’eau pure qui veut atteindre le pôle Nord avec un petit équipage sur son propre bateau. Petra Staduan n’incarne pas seulement cet esprit libre féminin, mais également la condamnée à mort Justine dans l’ascenseur des pénitents, ainsi que la rebelle Agatha, qui dénonce l’inégalité entre les riches et les pauvres. En tant que Walton, elle est présente sur scène presque tout le temps, écoutant les récits du jeune Victor Frankenstein.
Celui-ci, sauvé par elle de l’enfer de glace nordique, lui raconte ses années de jeunesse et d’études à l’université d’Ingolstadt sous la domination de deux professeurs excentriques. Ceux-ci le soutenaient jusqu’à l’abnégation absolue dans ses efforts pour transformer la matière morte en matière vivante et créer un homme artificiel. Antony Connor et Olaf Salzer ont les rires de leur côté dans ces rôles magnifiquement conçus. Ils prouvent également leur talent comique en tant que marins et passent tout aussi habilement aux personnages sérieux du père de Frankenstein et d’un révolutionnaire aveugle.
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
« Frankenstein » – Schauspielhaus Salzburg (Foto: Chris Rogl)
Wolfgang Kandler incarne le jeune scientifique avide de connaissances qui doit bientôt se rendre compte du malheur qu’il a apporté à sa vie et à celle de sa famille en créant sa « créature ». Magdalena Oettl dans le rôle d’Elisabeth, sa fiancée, encadre également le récit en tant que nouveau personnage introduit par Junod, Margaret Saville, une chroniqueuse mondaine qui a la chance de voir son caractère évoluer de manière étonnante. Le personnage principal de Paul Andre Worms, Henry, l’ami d’enfance de Victor Frankenstein, n’est pas seulement le contraire du personnage, mais aussi de son apparence. Gai et joyeux, serviable et ouvert, il est néanmoins assassiné par le monstre de Frankenstein par soif de vengeance.
Jusqu’à la toute dernière scène, ce dernier porte un pantalon noir moulant et un grand sweat à capuche noir, de sorte que l’on peut à peine voir son visage. (Costumes Antoaneta Stereva) Hussan Nimr est la créature de Frankenstein, toujours en mouvement, avec une voix sombre et menaçante, et il montre clairement son origine contre-nature par ses mouvements empruntés aux animaux. Il s’enfuit à quatre pattes, grimpe sur des échafaudages et se tient la plupart du temps la tête basse en essayant de raconter son histoire. C’est l’ambivalence de ce personnage, et surtout le fait de savoir pourquoi il est devenu lui-même un monstre, qui touche fortement et donne à l’histoire au Schauspielhaus de Salzbourg sa propre couleur. Bernhard Eder accompagne musicalement l’action en direct, tant au niveau de la voix que de la guitare électrique et de l’électronique, ajoutant ainsi des moments émotionnels supplémentaires.
L’interprétation de Junod de « Frankenstein » ne mise pas en premier lieu sur des effets d’horreur et la création de frissons. Elle impressionne plutôt par le psychogramme finement élaboré d’un marginal dont le plus grand défaut est sa solitude, qu’il essaie de sublimer par un sentiment de vengeance et qui devient ainsi un meurtrier de masse. Une soirée de théâtre réussie dans un automne où l’histoire mondiale regorge malheureusement de monstres.
Cet article a été traduit automatiquement par deepl.com
Lorsque le nom de Shakespeare est évoqué, la plupart d’entre nous pensent probablement aux drames royaux comme Lear, Macbeth ou Hamlet. Mais pour trouver quelqu’un qui a vu Coriolanus, il faut chercher longtemps. La compagnie de théâtre « wortwiege » y remédie justement lors de son festival « Europa in Szene ». Anna Maria Krassnigg, créatrice de théâtre et professeur de mise en scène au Max Reinhardt Seminar, a invité deux anciens étudiants de sa classe de mise en scène à présenter leur travail de fin d’études lors de l’édition actuelle du festival. Azelia Opak s’est plongée dans ses recherches pour présenter l’ascension et la chute du patricien romain Coriolanus avec une troupe de jeunes acteurs déjà confirmés et deux membres du « wortwiege ». Il s’agit de la dernière œuvre de Shakespeare et elle est généralement considérée comme mature. Ses différentes interprétations sont peut-être à l’origine du fait qu’elle n’est pas souvent jouée.
Coriolanus (photo : Julia Kampichler)
Formé dès l’enfance au combat, Coriolanus, poussé par sa mère, se présente à la fonction de consul romain. Il s’est déjà bien battu pour cela et pourrait montrer au peuple plus de 20 cicatrices, comme il était d’usage avant son entrée en fonction, afin de prouver qu’il est fidèle à Rome. Il le pourrait, si ce n’était sa fierté inflexible. C’est finalement lui qui le fait tomber. Quelques siècles après Shakespeare, il y aura un deuxième personnage appelé Michael Kohlhaas, qui se montrera aussi inflexible que Coriolanus, même si le motif est différent.
Mais avant d’en arriver là, Opak présente les personnages de Shakespeare dans toute leur complexité psychologique : Coriolanus (Lukas Haas), l’inflexible, qui ne reste pas fidèle à ses principes une seule fois, mais qui peut être considéré comme une tête de mule par excellence. C’est formidable de voir comment Haas peut se mettre à parler avec une furie qui fait presque peur. Sa mère Volumnia (Judith Richter), qui, à l’instar des mères sportives d’aujourd’hui, exige tout de son fils pour pouvoir finalement se prélasser dans sa gloire. Ménénius Agrippa (Jens Ole Schmieder), membre de la caste des élites, qui conseille Coriolanus avec bienveillance afin de ne pas compromettre sa propre position. Tullus Aufidius (Philipp Dornauer), vaincu à plusieurs reprises par Coriolanus, n’attend que le moment opportun pour se venger. Malgré sa jeunesse, Dornauer est un combattant au sang chaud, mais il met une grande dose de réflexion dans chacune de ses actions. Junius Brutus (Paul Hüttinger), l’un des premiers tribuns du peuple, a rapidement appris comment fonctionnent les intrigues politiques. Bien que ses attributs extérieurs, comme une grosse chaîne en argent autour du cou, indiquent qu’il est proche des citoyens, Hüttinger confère à son tribun beaucoup de ruse et de perfidie. Enfin, Sicinius Velutus (Uwe Reichwaldt), le deuxième tribun du peuple, qui, dans la mise en scène d’Opak, se faufile à travers toutes les situations dangereuses comme un fonctionnaire-esclave autrichien et qui a la sympathie du public de son côté.
Un décor extrêmement intelligent (Felix Huber) permet de séparer le long espace scénique. Une porte tournante ronde, peinte en or brillant sur la face avant et en noir sur la face arrière, indique si l’action se déroule à Rome ou chez les ennemis de Rome, les Volsques. Après la dernière bataille gagnée, Coriolanus barbouille de ses propres mains de sang le grand miroir de l’abside de la scène, montrant ainsi clairement que ses combats n’ont pas coûté qu’une seule vie humaine.
L’idée d’accompagner la production d’une musique en direct est non seulement formidable, mais elle a également un sens dramaturgique. Boglarka Bako et Marie Schmidt entonnent régulièrement le motif de Coriolanus de Beethoven sur leurs instruments à cordes, avec de petites variations. Cela permet également de souligner les moments où le patricien se comprend tout à fait dans son élément de chef du peuple et de souverain noble, qui s’arroge le droit de prendre ses décisions sans le peuple, qu’il considère en fait comme gênant et dispensable. Les deux musiciennes sont assises à gauche et à droite, au fond de la scène, de telle sorte que l’on puisse les percevoir, mais qu’elles ne perturbent pas le jeu sur la scène limitée.
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
Coriolanus (Foto: Julia Kampichler)
La mise en scène ne vit pas seulement du fait qu’elle montre différentes conceptions d’un système étatique réussi et leurs représentants respectifs. La mise en scène se nourrit également de moments forts et émotionnels, comme celui où la mère de Coriolan se jette à genoux devant lui et lui demande la clémence pour Rome. La façon dont elle s’accroche à lui peu après montre clairement le lien fatidique qui l’unit à son fils. Avec cette scène, Judith Richter laisse un souvenir indélébile. Mais Jens Ole Schmieder réussit également à montrer ce qu’est le grand art dramatique lors d’une apparition presque sans paroles. La manière dont il pousse les tribuns du peuple sur le côté de la scène avec des claquements de doigts brefs et méprisants et ne les laisse pas s’asseoir au milieu, est à fleur de peau et le rend à ce moment-là profondément détestable.
En fin de compte, il n’est pas vraiment possible de déterminer qui est bon et qui est mauvais. Comme dans la vie réelle, il n’y a pas vraiment de noir ou de blanc dans cette pièce. Ce qui reste, c’est la prise de conscience que la politique, hier comme aujourd’hui, est faite par des hommes. Par des gens qui, d’une part, sont là où ils sont en vertu de leur propre volonté et qui, d’autre part, ont conquis une place grâce à leurs liens familiaux ou politiques, pour lesquels ils sont prêts à faire des sacrifices personnels, mais aussi à marcher sur des cadavres.
Le fait que la pièce semble avoir été conçue pour les casemates de Wiener Neustadt est un autre atout de la mise en scène. Les autres représentations seront encadrées par des discussions de salon, mais aussi par un nouveau format. Avec « Reden », des discours de personnes célèbres, que l’on ne connaît généralement que par ouï-dire, sont rejoués. Une autre idée artistique géniale qui éclaire sous un autre angle le vaste champ du « pouvoir » dont il est finalement question lors de « Szene Europa » dans les casemates de Wiener Neustadt.
Les ‘Journées du Théâtre Musical de Vienne’, programmées par Thomas Cornelius Desi et Georg Steker, offrent au public un éventail presque époustouflant de spectacles différents. En témoignent les deux productions thématiquement diamétralement opposées « Chornobyldorf » et ‘European Kitchen Encounters : VR-Bania’.
Ce ‘projet de réalité virtuelle avec goût’, comme son sous-titre l’indique, est l’œuvre de la réalisatrice autrichienne Carmen C. Kruse et du compositeur italien Manuel Zwerger. Ils se sont rendus dans la ville italienne de Verbania, sur le lac Majeur, et ont interviewé différents habitants sur le thème de la nourriture. Les interviews ont été montées en petites séquences que l’on pouvait voir avec les lunettes VR, tout comme la préparation d’un risotto – pour être précis, un « risotto giallo con salciccia », cuisiné par la performeuse Anna Piroli. Elle a été aidée par Leo Morello avec un environnement sonore subtil, où l’on pouvait entendre le raclement du couteau sur la planche en bois, aussi altéré que le ruissellement rythmique des grains de riz dans la casserole. Il a soutenu Piroli en ronflant, en vibrant, en frappant avec toutes sortes d’instruments de percussion, comme on faisait autrefois de la musique de film muet. A la seule différence que le répertoire auditif était nettement plus contemporain.
VR-Bania (Photo : Nick-Mangafas)
Le public était invité à suivre à sa guise la procédure de cuisson ainsi que les interviews en se déplaçant sur les fauteuils pivotants sur lesquels il avait été placé. Mais le clou de la performance était que, pendant la lecture des vidéos, ce plat était réellement préparé dans la kitchenette du WUK, derrière le public, et que les événements olfactifs se mêlaient ainsi à ceux qui étaient filmés pour former une expérience en direct.
VR-Bania (Photo : Nick-Mangafas)
Le repas qui a suivi, en compagnie de la réalisatrice et du compositeur, a été l’occasion d’échanger non seulement sur ce que nous avions vu, mais aussi au-delà. C’est justement cette partie qui mérite d’être soulignée, car c’est l’expérience du partage, que l’on ne peut pas ressentir en portant les lunettes VR, qui a donné à la performance toute sa saveur. C’est ce dont le public a besoin aujourd’hui plus que jamais lorsqu’il s’expose à des expériences théâtrales. Des vidéos, des films ou des pièces de théâtre enregistrées peuvent être visionnés en masse sur l’écran vidéo de la maison après le Corona. La discussion avec des personnes que l’on ne connaît pas, mais qui ont au moins un dénominateur commun – le goût du théâtre – ne peut pas être remplacée, mais devrait être renforcée, comme le montre cette production.
Cet article a été traduit automatiquement avec deepl.com
Imaginez que votre rayon d’action se limite à quatre murs et que cela ne vous dérange pas du tout, que vous trouvez même cela confortable. Imaginez que vous avez votre propre assistante qui fait tout pour vous. Appelez-la Isadora et parlez-lui comme vous le feriez avec votre meilleure amie. Imaginez que tout est si bien organisé pour vous que vous pouvez même recevoir des amis à votre table de déjeuner virtuelle. Imaginez que vous êtes totalement indépendant du monde extérieur et que vous êtes heureux, mais que vous ne sortez jamais parce que vous en avez peur.
C’est exactement le cadre que Caroline Peters a proposé avec le groupe Ledwald dans la pièce « La machine ne s’arrête pas ». La mise en scène est une paraphrase d’un texte de E.M. Forster « The machine stops » de 1909 et a été créée en réaction à la pandémie, au cours de laquelle la plupart d’entre nous sont devenus beaucoup plus dépendants des ordinateurs et d’Internet.
Des visuels étonnants d’Eric Dunlap, un guidage permanent de la caméra en direct par Andrea Gabriel (également responsable des vidéos enregistrées) et un design sonore et lumineux parfaitement adapté de Lars Deutrich ajoutent une couche électronique à la représentation, qui n’est pas seulement absolument contemporaine, mais qui prend ici tout son sens. Le texte, adapté par Caroline Peters, raconte l’histoire d’une femme qui reçoit un jour un appel de son père. Celui-ci, qui vit comme elle à 2,5 km de chez elle dans un cadre tel que celui décrit ci-dessus, souhaite lui faire part de quelque chose et lui demande de prendre la route et de venir le voir non pas virtuellement mais en chair et en os.
Cette situation initiale place sa fille dans une situation ambiguë, puisqu’elle doit quitter son environnement protecteur contre toute injonction et s’aventurer sur un terrain dont elle n’a aucune idée de ce qui l’attend. Le Mindcontrol est tellement avancé que toute expérimentation en dehors de ses quatre murs ne semble plus souhaitable et que la maxime suivante s’applique : l’immobilité est un progrès et ce que je n’essaie pas ne peut pas échouer. En fait, vers la fin, la fille parvient à se libérer de sa compagne de surveillance Isadora, dont la comparaison avec Alexa, Siri ou d’autres assistants électroniques déjà actifs s’impose immédiatement. Outre la description du quotidien, que Peters restitue avec un grand talent d’actrice, qu’il s’agisse d’une recette de cuisine qu’elle souhaite voir réaliser par Isadora, de la réception d’appels vocaux ou du visionnage de vidéo-lectures, elle fascine par ses multiples rôles dans la scène de table avec ses amis et amies invités. Ils ont tous été enregistrés au préalable par elle et se rassemblent dans l’espace virtuel autour de la table dressée en appuyant sur un bouton, pour – comme on le sait dans la vie réelle – parader, avoir l’air effrayé, être stupéfait ou se laisser admirer, en fonction de leurs personnages respectifs.
Lars Deutrich, à la sono électronique, et Andrea Gabriel, dans le rôle d’Isadora, muette, qui capte et enregistre tout avec sa caméra en direct, sont présents en permanence sur scène. Peters et Gabriel portent tous deux des costumes vert vénéneux avec un motif d’araignée, symbole de l’emprisonnement dans la toile, mais qui est perçu comme chic et indispensable. (Costumes Flora Miranda) Ce n’est pas seulement le décor illusionniste qui impressionne, mais aussi le texte, qui comporte toute une série de perles de phrases éblouissantes telles que : « Depuis la pandémie, nous savons que les virus et la technologie croissent de manière exponentielle », « La connaissance est une sorte de fiction », « L’intelligence profonde n’est aussi qu’une autre forme de tricherie » ou « Au temps sa boucle, à la boucle sa liberté » – une réécriture de la devise de Hevesi qui trône au-dessus de la Sécession viennoise. Il ne s’agit là que de quelques déclarations que l’on aimerait relire chez soi face à la multitude d’idées philosophiques, de bons mots et de visions d’avenir.
La fin intelligente et ouverte laisse un goût de soulagement et d’angoisse à la fois, et n’enjolive en rien l’avenir numérique dans lequel nous nous trouvons déjà.
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Conçu comme une « promenade pour le personnage », il invite les spectateurs à passer, avec un conférencier, de l’arrière-cour du théâtre au parc Arne Karlsson situé en face. Là, il a découvert à différentes stations toute une série de figures animales qui s’avèrent être des candidats aux élections avec des discours flamboyants.
Le singe Sunni, décoré d’un si grand nombre de titres qu’il ne reste finalement pas d’autre choix que de l’appeler uniquement Sunni, libère les spectateurs dans la nature avec leur accompagnateur Markus-Peter Gössler. Ils y rencontrent un chat du Grinse, sous la direction duquel les candidats à l’élection peuvent être débusqués.
Un rat des bas-fonds prononce un discours enflammé contre l’injustice qui favorise les écureuils les plus agiles par rapport à eux. Un mystérieux lapin divertit le public avec des promesses électorales tout aussi mystérieuses, qui, après les avoir interrogées, en sait aussi peu sur lui qu’avant. Deux asticots antiques tentent d’attirer leur clientèle de leur côté avec des sons pop – au grand plaisir des enfants présents qui se sont arrachés à leur jeu et se réjouissent du spectacle inattendu des asticots. Enfin, un ancien général en forme de sanglier offre du Leberkäse à l’électorat intéressé présent, afin de pouvoir protéger davantage sa patrie grâce à ses voix.
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Schubertheater)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Schubert Theater)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Wahlkampf der Tiere (Foto: Barbara Pálffy)
Pour tous ceux qui font partie du public habituel du Théâtre Schubert, ce petit voyage est aussi une merveilleuse occasion de revoir les différents personnages. Les deux asticots gras et gourmands ont fait leur grande apparition dans Wolkenkucksheim XX, tout comme le rat dans Ochkatzlschwoaf. Le général des verrats est issu de la pièce Go West ! Quant au lapin blanc, il était présent dans ALICE.
Que l’on se joigne à ce petit tour d’horizon en tant que nouveau venu ou en tant qu’habitué, cela ne fait cependant aucune différence. Le plaisir de jouer aux marionnettes et leur secret bien connu, à savoir que les personnes qui les manipulent disparaissent derrière elles tout en restant visibles, est toujours le même.
Sous la direction de Simon Meusburger, Soffi Povo, Angelo Konzett et Markus-Peter Gössler se fondent dans leurs marionnettes tout en restant visibles dans leur sympathique performance d’acteurs.
Autres dates chaque week-end de juin, le samedi 14:30 & ; 17:30, le dimanche 11:00 & ; 15 heures.
Cet article a été traduit automatiquement avec deepl.com
Il fut un temps où le cœur s’arrêtait presque toutes les minutes à la lecture de certaines de ses pensées formulées. Il fut un temps où l’on savait : Là où Rabtaldirndl est écrit, il y a de l’esprit, de la verve et de l’intelligence. L’insubordination et l’auto-autonomisation démonstrative, mais aussi des questions intelligentes sur la condition féminine, côtoyaient avec légèreté la grande intrigue de chaque titre choisi. Que la confiture soit transformée en « Phrase d’or » ou que l’on puisse participer au procès en plein air derrière « Uschi Kümmernis », les éclairs de génie ont toujours jailli et l’ensemble a toujours incité à réfléchir et à changer de point de vue.
Le nom Toxic dreams est synonyme d’expériences théâtrales non conventionnelles. Il s’agit de mettre en scène des situations sociales sous un éclairage théâtral qui révèle ce qui, sans cela, semble tout simplement indicible.
Dans la production « The unreal Housewife of Vienna vs. The unreal Housewives of Graz », les deux compagnies se sont associées pour aborder le thème des « femmes au foyer fortunées ». Le format de téléréalité « The real housewives » a servi de modèle, dans lequel les spectateurs ont le droit de jeter un coup d’œil sur la prétendue vie intérieure mais aussi extérieure des belles et riches personnes.
La mise en scène actuelle, dirigée par Yosi Wanunu, directeur artistique de toxic dreams et homme de théâtre expérimenté, n’est cependant pas à la hauteur des attentes de cette collaboration. Cet état de fait a plusieurs causes. La traduction d’un format télévisuel au théâtre n’est pas une tâche facile, d’autant plus qu’il existe déjà des parodies scéniques pour cette série en particulier.
Deuxièmement, il se peut que l’un ou l’autre trouve divertissant de voir des femmes se démasquer psychologiquement et se battre comme des corbeaux. Mais ce genre de divertissement n’a pas vraiment fait bondir le public présent.
Troisièmement, on peut se demander quel est l’intérêt d’opposer des cliques de femmes de Vienne et de Graz issues de milieux aisés et de les faire s’affronter dans une épreuve de force comme dans une arène. L’élégance métropolitaine en noir et blanc, contre le costume traditionnel coloré et à la mode, indique clairement quelles sont les femmes-requins qui mènent la danse au niveau international et lesquelles au maximum au niveau national. Les costumes de Susanne Bisovsky, une figure de la mode viennoise, constituent les points forts absolus de la production. Le fait que les Gracques se définissent davantage par rapport à leurs biens et radotent à ce sujet, que les Viennoises se livrent dès le début à des introspections plus poussées, mais pour s’exprimer ensuite également de manière désobligeante sur ce qu’elles ont entendu à chaque fois – cette différence ne suffit pas à rendre la soirée passionnante.
Qu’il s’agisse de l’intérieur blanc et chic d’une villa de Ruckerlberger ou des canapés en cuir marron de l’appartement avec vue sur la cathédrale Saint-Étienne (scène Götz Bury, Paul Horn), que les dames se vêtissent de tenues de tennis ou de manteaux de sauna, le nombrilisme de la haute société de Graz ou de Vienne lasse assez rapidement. Il est possible que cette sensation ait été encore renforcée par la chaleur qui montait en permanence dans la salle du Kristallwerk.
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
The unreal Housewife (Foto: Nikola Milatovic)
Les intermèdes musicaux, interprétés en direct vers la fin, n’aident pas non plus. Le texte utilisé ne reflète rien d’autre que ce que l’on a déjà pu apprendre auparavant. Celui qui est riche et beau peut tout se permettre, celui qui est riche et beau, peu importe comment il ou elle l’a obtenu, ne doit se soucier des autres que pour la forme. Et – ne pas oublier : Celui qui est riche et beau souffre de sa vie vide de sens. L’une un peu plus, l’autre un peu moins, mais elles n’ont pas la vie facile non plus !
Ce qui manque, c’est l’esprit mordant qui peut mettre à nu des structures sociales toxiques, exclusivement orientées sur le principe de ma maison, ma voiture, mon yacht. Ce qui manque, ce sont les finesses linguistiques, dont les Rabtaldirndln sont les plus représentatives. Leurs bribes de dialecte styrien, souvent lancées avec désinvolture, sont généralement bien supérieures à l’allemand standard en termes de concision et transforment bien des remarques prétendument secondaires en un diamant intellectuel qui scintille longtemps.
Mais il manque aussi le flair pour savoir combien de platitudes un texte peut supporter sans tomber dans l’ennui, la répétition et la prévisibilité.
En bref, ce qui manque, c’est le moment où l’étincelle se propage dans le public et allume ses émotions. Ceux qui appartiennent à cette catégorie de la population, qui est ici prise pour cible avec des moyens pas très appropriés, ne se sentiront pas vraiment concernés. Et si c’est le cas, ils s’y opposeront violemment dans une sorte de position défensive. Ceux qui n’appartiennent pas au milieu mondain ne doivent pas s’attendre à un regard psychologique profond sur les dames qui sont incarnées sur scène. Le texte leur offre à toutes trop peu de contours personnels pour que l’on puisse s’identifier à elles.
La deuxième série de représentations aura lieu à partir de l’automne au brut à Vienne. Peut-être y aura-t-il d’ici là des adaptations qui rendront la visite plus intéressante. Les dérapages sont autorisés et font partie de l’activité théâtrale. « The unreal Housewife of Vienna vs. The unreal Housewives of Graz » ne devrait en aucun cas contribuer à ne pas assister aux prochaines mises en scène des Rabtaldirndln et de toxic dreams. Le fait de se concentrer sur les compétences clés de chacun et surtout sur des thèmes passionnants permettra certainement au public de passer à nouveau des soirées théâtrales intéressantes et hautement émotionnelles.
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