Julius Bürger – chassé et redécouvert I Un compositeur viennois de retour

par Michaela Preiner | Août 23, 2023 | 2021, Konzert

Le RSO, sous la direction de Gottfried Rabl, a donné la première autrichienne d’œuvres de ORF RadioKulturhaus le 18 août 2023 dans la grande salle de diffusion de Julius Bürger (1897-1995). Et cela 18 ans après que le compositeur juif soit décédé à New York à l’âge de 98 ans.

Julius Bürger (photo : Brian Coats)

Si les morceaux ont pu être entendus, c’est grâce à l’action intelligente de Ronald S. Pohl, un avocat new-yorkais spécialisé dans les successions. Il avait été engagé par Bürger en 1989 pour gérer l’héritage de sa femme Rose, décédée peu de temps auparavant, et pour que la majeure partie de l’argent soit versée à de jeunes musiciens israéliens. Ne sachant pas encore que Julius Bürger avait une œuvre de composition remarquable à son actif, Pohl lui a demandé si, en raison de son âge avancé, il ne voulait pas également s’occuper de sa succession à temps, ce qui s’est avéré être une aubaine. Bürger, né et élevé à Vienne, avait déménagé à Berlin dans sa jeunesse avec des camarades d’études et son professeur de composition Franz Schreker, et a ensuite fait la navette entre Londres, Paris, Berlin et Vienne. Mais l’invasion de l’Autriche par Hitler l’a tellement alarmé qu’il a pu émigrer en Amérique avec sa femme à temps. Là-bas, il obtint la nationalité américaine et travailla au Metropolitan Opera, mais aussi pour des stations de radio et de télévision en tant que chef d’orchestre, arrangeur et compositeur sur commande, sans pour autant renoncer complètement à sa propre activité de composition indépendante. Heureusement, Bürger avait trouvé en Pohl un homme d’action. Il a fait tout ce qui était en son pouvoir pour que son client puisse entendre à nouveau son concerto pour violoncelle de 1932, créé en 1952 et qui n’avait pas été joué depuis 1991. Les efforts de Pohl ont été couronnés de succès. Après avoir été joué aux Etats-Unis, il a également été joué en Israël par les musiciens qui avaient reçu des bourses de Rose Bürger. Ce n’est qu’après avoir établi le contact avec Gerold Gruber, le directeur du Centre Exilarte pour la musique persécutée du mdw et que l’héritage musical de Julius Bürger a été transféré à Vienne, qu’il a été possible d’organiser un concert avec des œuvres de ce dernier ici aussi. Si Pohl n’avait pas rencontré le compositeur, on peut supposer avec beaucoup de certitude que ses œuvres, rassemblées dans un petit meuble, auraient été jetées après sa mort lors de l’évacuation de son appartement.

Photo: Benjamin Pieber – Herzog Media

Adagio pour orchestre à cordes

L’éventail des œuvres qui ont résonné à Vienne était riche. L’ouverture était un Adagio pour orchestre à cordes, datant de 1978. C’était la seule œuvre qui avait déjà été jouée en Autriche. Elle s’écoule doucement, s’assombrit brièvement à plusieurs reprises pour révéler des éléments plus dramatiques. A certains endroits, les basses de violon poussent littéralement les cordes à des moments de tension, mais elles sont toujours vaincues par celles-ci. Ils parviennent finalement à laisser derrière eux le côté sauvage, le mal, presque inexprimable, qui se fait entendre à plusieurs reprises, et à terminer l’œuvre sur une note douce et agréable. Le choix de Anna Litvinenko pour la partie solo du concerto pour violoncelle qui a été joué ensuite était excellent. Ce qui était impressionnant, ce n’était pas seulement les passages techniquement difficiles, maîtrisés avec brio, mais surtout l’intériorité et la sensibilité de son solo dans le dernier mouvement. La technique n’est qu’un élément d’une performance réussie, mais remplir l’œuvre d’âme fait la différence que Litvinenko a su montrer au public. Après une introduction calme, les vents se forment et libèrent un rythme vibrant que l’orchestre et le violoncelle reprennent. Bientôt, l’action musicale devient une danse légère et se développe en un flux lent dans lequel les pulsations rythmiques se répètent. Le petit thème apparaît à plusieurs reprises à travers l’orchestre, couvrant à peine trois mesures. Bürger laisse le mouvement se terminer uniquement par les vents, soutenus par le violoncelle. Le compositeur a dédié le deuxième mouvement à sa mère, qui a été tuée par les nazis lors de la marche vers Auschwitz. Dès le début, une longue marche traînante est entonnée et le thème du violoncelle est bientôt repris par le hautbois. Les cordes interviennent élégamment et sont portées par l’instrument solo qui poursuit le thème. Le ductus traînant se transforme peu à peu en un scintillement général et une transition du thème vers un scénario éclairci avec un accompagnement de harpe. L’attitude apaisante et charmante ne dure pas longtemps, bientôt le son s’assombrit à nouveau. Il subit une forte concentration et une longue séquence de cuivres avec des disharmonies qui réveillent l’orchestre et l’incitent à une action sauvage et sombre. Le violoncelle obtient alors un solo que l’on peut décrire comme sans illusion. Il n’y a plus aucune trace de ce passage apaisé, affirmant la vie, avec accompagnement de harpe, on a plutôt l’impression que le violoncelle a cédé aux voix de la violence sauvage. Logiquement, il s’ensuit une conclusion dans laquelle l’orchestre, comme au début, reproduit la marche traînante. Connaissant le destin de la mère de Bürger, on peut sentir quel dernier moment de sa vie il a capturé ici musicalement. Dans le rapide troisième mouvement, le violoncelle réagit de manière presque chambriste aux différents solos instrumentaux. Des passages apaisants soutenus par les cordes, souvent à l’unisson, s’opposent régulièrement aux passages animés précédents, qui reprennent ensuite de la vitesse avec l’aide des vents en alternance avec le violoncelle. La fin est un solo de violoncelle avec de belles colorations dynamiques différenciées, suivi d’une finale furieuse des cuivres et des timbales. A juste titre, l’orchestre et la soliste ont été longuement applaudis pour leur performance.

Chansons avec accompagnement symphonique

Les deux chansons suivantes avec accompagnement symphonique ont été interprétées par Matija Meić. « Légende » d’après un texte de Christian Morgenstern et « Silence de la nuit » d’après Gottfried Keller, ont permis des comparaisons musicales avec Gustav Mahler. Presque chaque ligne, chaque humeur, chaque description d’un paysage, d’un état d’âme ou d’une action reçoit sa propre expression musicale chez Bürger. Que Jésus, avant d’entrer dans le jardin de Gethsémani, se mette à danser avec une jeune femme de manière inattendue et que ces pas exubérants deviennent audibles, que le ressac d’une mer chez Gottfried Keller déclenche des remous musicaux dans le corps sonore, la musique et les mots se soutiennent mutuellement de manière très artistique. Le baryton de Meić sonnait plein, chaud et très mûr, sans toutefois manquer d’une prononciation claire. Il a facilement réussi à laisser le large soutien symphonique, un défi pour le chanteur dans ces œuvres, en tant que tel et à s’impliquer vocalement comme un instrument solo. Les deux morceaux peuvent être caractérisés comme de petits poèmes symphoniques, mais dotés d’une force épique, utilisant un grand instrumentarium, ce qui les rend extraordinairement passionnants. On aimerait en entendre davantage.

Photo : Benjamin Pieber – Herzog Media

« Symphonie de l’Est »

Le concert s’est terminé par la « Eastern Symphony » de 1931. Conçue en 3 mouvements, elle s’ouvre sur un thème alerte aux vents auquel répondent les cordes. Des souvenirs de Gershwin, son aîné d’un an, sont évoqués, principalement par les rythmes très accentués qui changent souvent. Ce qui est frappant, comme dans les chansons précédentes, c’est que Bürger maintient presque constamment l’ensemble des instruments de l’orchestre en mouvement. Il n’y a guère de passage où les musiciens ne sont pas sollicités en même temps, ce qui s’avère extrêmement attrayant. Les cymbales, les timbales et les tambours, tout comme les vents, donnent le ton dominant et permettent au mouvement d’être vécu comme hymnique et progressif. Le deuxième mouvement commence avec le hautbois, largement soutenu par l’orchestre. Les violons et les violoncelles lui répondent de telle sorte qu’une fluidité s’empare de l’ensemble du corps sonore et qu’un vaste paysage s’ouvrant peut être facilement imaginé. C’est à nouveau la harpe qui fait la transition avec la clarinette, le basson et les cordes, ainsi que les bois légers. C’est cette migration instrumentale du thème et en même temps la continuation de celui-ci qui rend ce mouvement si intéressant. Le ductus calme est maintenu et la fin s’achève en conséquence. Comme il pourrait en être autrement, le mouvement final commence furieusement dans tout l’orchestre avec une course effrénée. Les trompettes et les tambours donnent un rythme rapide qui ne s’apaise qu’avec la harpe et le hautbois et le thème chanté par les cordes. Maintenant, ce sont les flûtes qui complètent cette description du paysage. Comme si l’on suivait une rivière avec de petits tourbillons d’eau, les violons, tenus par la clarinette, continuent à se vriller de manière vivante et passent le relais aux flûtes. Avec une dernière intervention massive de l’orchestre, le thème, présenté une fois de plus, termine la belle œuvre. La caractéristique de la musique de Bürger est claire et peut être clairement nommée. En tant que compositeur, il se situe esthétiquement entre le 19ème et le 20ème siècle, auquel il a emprunté non seulement le courage de créer des flous sonores, mais aussi des rythmes jusqu’alors inhabituels et une instrumentation parfois nouvelle. Mais sa technique de composition est toujours claire, les structures sont bien reconnaissables et – c’est ce qui caractérise le plus les œuvres symphoniques de Bürger – il séduit par une richesse de couleurs musicales par excellence. L’Autriche, et plus particulièrement Vienne, n’a pas fait amende honorable avec ce concert. Il n’y en a pas. Mais la déclaration qui a été faite est claire et était plus que nécessaire. S’occuper de l’héritage des compositeurs et compositrices expulsés est une nécessité absolue. Le travail du centre Exilarte de mdw devrait être beaucoup plus connu du public. Une prise de conscience plus large de ce chapitre peu glorieux dans le cadre de l’histoire de la musique peut au moins contribuer à ce que le travail des exilés ne soit pas exposé à l’oubli. Nous, qui avons la chance d’être des enfants de la postérité, pouvons soit participer activement à cet événement, soit – et cela ne doit pas être sous-estimé – prendre d’assaut des concerts comme celui-ci et remplir les salles jusqu’à la dernière place. Nous manifestons ainsi notre intérêt et donnons à la musique ce qui la maintient en vie et lui revient de droit : notre attention sans partage.

de gauche à droite professeur Gerold Gruber, Josipa Bainac Hausknecht, Ronald S. Pohl, Gottfried Rabl (photo : Ronald Pohl)