Propaganda – mange plus de légumes!

by Michaela Preiner | Mai 16, 2010 | Theater, Theater

Die Gruppe Acrobat aus Australien (c) Karen Donnelly

La surprise est d’autant plus grande quand on découvre, quelques instants plus tard, que l’assistant est en vérité une femme, toute fine, sanglée telle une sirène dans un pantalon moulant, vert pomme. Elle grimpe encore et encore, sans jamais toucher terre, jusqu’à l’extrémité de la corde pour se laisser tomber ensuite ou alors pour redescendre à toute allure. Prisonnière des boucles de cette même corde elle s’en extrait, en tournant, dans une manœuvre périlleuse, en direction du sol.

Le duo de cirque australien « Acrobat », Jo Ann Lancester et son mari Simon Yates, créateurs de « Propaganda » semblent avoir des muscles qui ne connaissent pas la fatigue. Ce qu’elle montre à la corde, ses multiples façons, pour certaines incroyables, de monter et de redescendre, lui, il le montre le long de la barre – et c’est à couper le souffle : La tête en bas, il se hisse quelques mètres plus haut – ou plutôt il « saute » plus haut à la seule force de ses bras. Peu après, tel un jouet d’enfant qui, désarticulé, descend un bâtonnet en bois, Yates descend le long de sa barre. Il montre des mouvements dont on ignorait l’existence jusqu’ici. Il prouve qu’il est possible de dormir contre une corde en biais, à peine tendue, comme dans un lit et de se changer après son réveil pour être prêt à partir au travail. Cette preuve, il la donne sans aucune prétention, comme si ce n’était même pas la peine d’en parler. A la fin du spectacle, le numéro d’acrobatie autour d’un vélo, pour lequel les deux acrobates portent des collants blancs à fines côtes, fait renaître une certaine nostalgie – tout comme au début de la pièce. Mais à coté de ça existent toutes sortes de rapports théâtraux, faisant allusion au titre de la production. Au cours du spectacle on apprend, que « propaganda » peut signifier autre chose qu’un orateur hurlant sur un podium des paroles censées « motiver les troupes ».

Formidable Yates, qui ouvre et ferme sa bouche telle une marionnette, « accompagné » par le haut-parleur derrière lui qui diffuse des annonces guerrières. La propagande ne signifie pas seulement, comme suite logique du « turbo » capitalisme, qu’on est censé manger des billets de banque et des pièces de monnaie, comme s’ils étaient une délicieuse salade. On peut définir comme « propagande » aussi toutes les méthodes subtiles qui incitent à éduquer les enfants dans l’idée d’une vie saine, vraie, authentique et belle.

Grover, le fils des acrobates en costume d’ange, s’envole sur sa balançoire d’enfant dans les airs pour présenter, les unes après les autres, des pancartes au public : On pouvait y lire entre autres « Mange plus de légumes ! » « Sois gentil » ou encore « Circule en vélo ». Une façon de rajouter à ce spectacle éreintant une bonne dose de prise de conscience.
La propagande commence à l’âge tendre de l’enfance! Qui l’eût cru ? Dans le petit programme, une simple feuille format A 4 est dit, que Grover mange beaucoup de légumes, mais concernant la betterave rouge, il avait encore du chemin à faire ! Une jolie preuve que « Acrobats » communiquent ouvertement et humainement avec leur public – sans oublier les clins d’œil!

La démonstration d’une maîtrise totale et parfaite du corps humain. Présentée, comme si les choses les plus difficiles étaient les plus évidentes à réaliser, c’était une soirée très touchante : en grande partie grâce à sa mise en scène « familiale » mais aussi de par le regard aiguisé qu’elle portait sur les limites de l’homme, y compris dans le domaine artistique.

Le spectacle à Strasbourg fut le coup d’envoi pour leur tournée européenne. « Propagande » sera jouée à Londres, Madrid, Toulouse, Karlsruhe, Saint Etienne, Grugliasco, Paris, Croningen et Norsborg.

Texte traduit de l’allemand par Andrea Isker

Madame de Sade

by Michaela Preiner | Nov 24, 2009 | Theater, Theater

Un décor minimaliste mais néanmoins très esthétique, des costumes «extra» – ordinaires au sens propre du terme, de véritables objets d’art et des performances d’acteurs convaincants : le TNS (Théâtre National de Strasbourg) propose tout cela actuellement dans une production de la Compagnie Sirènes-Paris.

Madame de Sade im TNS Strasbourg (photo: Anne Gayan)

Madame de Sade, écrit par le Japonais Yukio Mishima en 1965 et mis en scène par Jacques Vincey peut servir d’exemple en ce qui concerne l’interaction réussie de différentes formes artistiques sur une scène. On ne célèbre pas seulement l’art dramatique, mais on jouit d’un tout dont on ne se lasse pas : Le décor extrêmement ingénieux, les costumes précédemment cités et l’utilisation sporadique mais très efficace de la musique forment un ensemble séduisant. L’histoire que l’on raconte, c’est à dire la façon dont Madame de Sade ainsi que d’autres figures féminines, avec ou sans lien de parenté vivent les excès sexuels de Sade, passe par moment en arrière-plan, tant les scènes sont sublimes. Yukio Mishima a écrit une pièce dans laquelle la complexité des caractères ne se dévoile que progressivement au cours de la soirée.

Madame de Sade est incarnée par Hélène Alexandridis. Au début, c’est une femme naïve et têtue, qui se cramponne à son mari. Mais petit à petit elle se mue en un être qui réussit à se forger sa propre opinion concernant les évènements en dehors des conventions et qui finit par refuser au moment décisif la loyauté à son mari. Anne Prospére dans le rôle de la sœur, vit sa vie sans but précis, au jour le jour, profitant de tout sans contraintes, au delà des conventions. Mais elle est aussi la seule, qui prend son destin activement en main. Elle réussit avec l’aide de son mari à quitter la France pour Venise. Cette ville qu’elle décrit dans un premier temps en termes rêveurs, finit par devenir un refuge, nécessaire à sa survie. D’un point de vue théâtrale, la partie où elle imite les pigeons de Venise tout en démontrant sa propre personnalité volatile, est une parfaite réussite. Sa mère tapageuse, Madame de Montreuil jouée par Marilu Marini en revanche montre à la fin de la pièce, qu’elle ne pense qu’à elle et à son confort et qu’elle change d’opinion comme une girouette qui tourne en fonction de la direction du vent.

Madame de Sade (photo: Anne Gayan)

Ce genre de caractère se trouve fréquemment dans la bonne société en Europe de l’ouest. De sorte qu’il peut être considéré comme un archétype de notre société qui est transmis depuis des siècles de génération en génération jusqu’à nos jours.

L’idée de voir son gendre en prison ne lui déplaisait pas. Mais à sa libération, la veille de la révolution française, elle espère tout de même pouvoir compter sur son aide au cas où, en tant que membre da la noblesse, elle aurait des comptes à rendre. La baronne de Simiane, une amie d’enfance du Marquis de Sade et bigote de surcroît, se bouche les oreilles pour ne pas être obligée d’entendre les horreurs que l’on raconte au sujet de celui-ci. Elle finit par fuir le monde pour trouver refuge dans la religion et au couvent. Au passage, elle essaie autant que possible de convaincre tous les autres que la voie du seigneur est la seule valable. La comtesse de Saint-Fond, le pendent de la baronne de Simiane, interprétée de façon ostentatoire par Julia Vidit est bien la seule qui reste fidèle à ses propres principes jusqu’à sa mort. Elle défend Sade et ses penchants. Elle le jalouse même pour ses expériences. Comme lui, elle vit sa vie de façon obsessionnelle jusqu’à sa dernière heure, tout en sachant que cela fait d’elle un être marginal. Elle va jusqu’à travailler incognito en tant que prostituée – non pas pour l’argent, mais pour l’excitation que cela lui procure. Pendant les premiers troubles révolutionnaires elle est tuée, écrasée par un mouvement de foule et – grâce à l’histoire – célébrée comme héroïne, car elle est prise pour une femme du peuple. Charlotte finalement, incarnée par un homme dans cette mise en scène – Alain Catillaz – se tient tout au long de la pièce, qui couvre une période de 18 ans, au rôle qui lui est attribué : elle/il est domestique sans avoir grand-chose à dire. C’est lui qui emporte vers la fin une à une les plaques de sol brillantes – une belle métaphore du déclin de la noblesse.

La pièce de Mishima possède différents niveaux de lecture : Des phrases profanes des protagonistes, passant par des réflexions concernant le comportement de la société vis-à-vis d’individus qui outrepassent les limites dictées par les conventions en vigueur. Tout ceci permet des interprétations variées et nombreuses : Des réflexions sur la psychologie de l’être humain s’imposent tout autant que celles concernant la société actuelle en constante et rapide mutation. La traduction visuelle, très claire et à peine soulignée par des gestes ou des mouvements, qui trouve ses racines dans la tradition théâtrale japonaise, contribue à transposer l’action sur un niveau métaphorique : « Regardez ! Ce que l’on joue ici vous concerne tous d’une façon ou d’une autre!» c’est l’appel muet mais très compréhensible lancé au public.

Les costumes de Claire Ristercucci sont des chefs-d’œuvre. Leur construction basée sur des structures de crinolines reste pratiquement entièrement visible. Seuls quelques morceaux de tissu la cachent partiellement. Le coté encombrant de ces monstres est à l’origine d’une distance peu naturelle entre les femmes. Une distance qui n’est franchie que pour de très courts moments. A savoir, quand de fortes émotions comme par exemple la compassion s’emparent de Madame de Sade. Quand elle veut consoler sa mère en détresse qui souffre. Agile, elle quitte son armure d’anneaux pour pouvoir la câliner sans obstacle. De petites cantates italiennes de différents siècles sont interprétées par l’ensemble de la troupe derrière un paravent sombre mais transparent. Elles marquent le début des nouvelles scènes, sans avoir recours au rideau traditionnel. Quelques accents rythmiques, joués par des instruments japonais, soulignent ou marquent les dires des personnages. Grâce à ces tours de mains artistiques et l’évidente connotation de l’esthétique théâtrale japonaise on peut admirer un spectacle qui, même s’il se situe à la fin du 18e siècle mérite l’appellation « intemporel ». Et c’est précisément pour cette raison qu’il est particulièrement beau.

Traduit de l´allemand par Andrea Isker