Mit wem redest du da?

von Michaela Preiner | Nov 25, 2023 | Theater, Allgemein

Unter der Regie von Ulrike Arnold wird gleich in den ersten Augenblicken klar, dass auch in unseren Tagen dieses Phänomen so ist, wie es immer war. Da gibt es auf der einen Seite die Kellner, die mit Tabletts, die mit Aperol-Gläsern bestückt sind, förmlich um ihr Leben rennen, bis ihnen die Luft wegbleibt. Dies allerdings mit so witzig gezeichneten Figuren, dass man dabei herzlich lachen kann. Auf der anderen Seite rudert die reiche Gesellschaft wortlos mit den Armen kreisend über die Bühne, so, als wäre sie nicht mehr von dieser Welt. Es mag wohl an der an Slapstick-Momenten reichen und teilweise outrierten Zeichnung der Figuren liegen, dass die Funken im Laufe des Abends eher spärlich sprühen, denn ein Gesamtfeuerwerk abgeben.

Ständig präsent sind Clemens Rynkowski und Jan Samson Kirzanic, die beiden Musiker, welche die Handlung mit einem zeitgeistigen Sound live untermalen. Dabei wechseln sie von Stage-Pianos und Synthesizern, E-Gitarren und einer großen Tuba auch hin zu einem Pianino und bieten eine große akustische Bandbreite.

„Der Zerrissene“ von Nestroy im Schauspielhaus Graz (Foto: Lex Karelly)

Das erste Bühnenprospekt, ein gemalter Himmel mit vielen Wolken, erinnert an Nestroys Zeiten, in welchen das Bühnenbild zum großen Teil aus gemalten Tableaus bestand. Das weiße Sofa und das weiße Sitzkissen stammen aber aus einem heutigen Möbelhaus. Arnold belässt den Text zum größten Teil im Nestroy`schen Diktum und ergänzt ihn stellenweise mit Worten aus unserem Sprachgebrauch. In der „Gastronomie“ fehlen „Praktikanten“, die Armen sind „Unterschicht“ und der verhinderte Modegeschäft-Besitzer, von seiner ursprünglichen Profession her aber Schmied, Gluthammer, kam bei der Kundschaft nicht gut an, da es alles in „metallic blue“ anfertigen ließ.

Zugleich aber animierte die Regisseurin die Grazer Autorin Ulrike Haidacher gemeinsam mit dem Ensemble anstelle der Couplets Songs zu verfassen, die sich mit den verschiedenen Rollen des Stücks auf einer Meta-Ebene befassen. Herr von Lips darf sich darin seine eigene Zerrissenheit mit „ich bin halt so“ zementieren, Kathi macht klar, dass sie nur so brav sei, weil Nestroy ihre Rolle so geschrieben habe. Frau von Schley beklagt, dass sie nach ihrem Auftritt in der Posse nicht mehr vorkommt, Herr Krautkopf fühlt sich in seiner unerwünschten Freunderlwirtschaft unwohl. Musikalisch geht davon nichts wirklich leicht ins Ohr, was nicht dazu angetan ist, auf dem Nachhauseweg nachgesungen zu werden. Vielmehr steuern die Tracks eine gehörige Portion Wehmut bei, die dem Gesamtfeeling einen neuen Dreh verpassen.

Ein brillantes Ensemble gibt 100 Prozent und macht den Abend sehenswert, der mit zweierlei Brillen gesehen werden kann. Einmal mit jener, mit welchen junge Menschen das Verwirrspiel um Arm und Reich, Tod und Leben, Freundschaft und Speichelleckerei sehen. Das rasante Treiben mit seinen vielen humorigen Szenen, seien es die Raufereien zwischen Herrn von Lips und Gluthammer oder Krautkopf und dem vermeintlichen Steffl, oder die wirksamen, weil unerwartbaren Auf- und Abgänge, kommen beim jungen Publikum extrem gut an. Mit raschen Videosequenzen und -schnitten aufgewachsen, in welchen in wenigen Sekunden der Witz überspringen muss, erfreuen sie sich daran, live an solchen Aktionen teilhaben zu können.

„Der Zerrissene“ von Nestroy im Schauspielhaus Graz (Foto: Lex Karelly)

Die Lachnerven jener Menschen hingegen, die schon lange ins Theater gehen und Nestroy zum Teil in vielen Inszenierungen gesehen haben, werden aufgrund ihrer vordisponierten Brille nicht so stark attackiert. Zu groß sind für sie zum Teil die charakterlichen Übertreibungen angelegt, zu weit weg die Abstraktion der Hautevolée, als dass starke Identifikationsmomente auftauchen würden.

Željko Marović als sagenhaft reicher Herr von Lips blödelt sich anfangs mit Vampir-Zähnen durch seine Langeweile, erlebt später, vom Schicksal dennoch gebeutelt, mit einer „schiachen Haube“, was es heißt, ein Habenichts zu sein und himmelt letztlich innig seine geliebte Kathi an. Er weiß in allen emotionalen Zuständen den perfekten Ton zu finden und erntet damit viele Sympathien. Kathi – Luisa Schwab – bleibt von Beginn bis zum Schluss bodenständig und hält gekonnt alle um sie herum verrückten Mannsbilder in Schach. Sie agiert wie der unverrückbare Kern einer Zentrifugalkraft, die nur durch sie zusammengehalten wird. Die beiden vermeintlichen Freunde des jungen Millionärs, Stifler – Oliver Chomik – und Wixer – Kaspar Simonischek – ergänzen sich perfekt in ihrer chamäleonhaften Wandelbarkeit zwischen Herren der besseren Gesellschaft und sich angeifernden Rivalen. Franz Solar als Krautkopf beklagt des Öfteren am Klo sitzend seinen schmerzenden Kopf, brüllt, was das Zeug hält, wenn seine Angestellten wieder einmal nicht parieren und schmeichelt vergebens um die Gunst seiner zu Reichtum gekommenen Nichte. Seine Art zu spielen, erinnert am stärksten an jene Nestroy-Darsteller, denen man in herkömmlichen Inszenierungen begegnete, was mit großem Spaß verbunden ist. Grantelnd, mit dem Schicksal hadernd, despotisch und zugleich völlig überfordert zieht er alle Register von Gefühlszuständen, mit denen er gesegnet ist. Sein Freund Gluthammer, Sebastian Schindegger, darf zu Beginn mit einer viele Meter langen Eisenstange waghalsig hantieren und zur allgemeinen Erheiterung beitragen. Zugleich berührt sein Spiel dort, wo aufblitzt, welch romantisches Wesen hinter seiner harten Schale steckt. Olivia Grigolli läuft in ihrem Chanson-Auftritt zu wahrer Größe auf und zeigt darin eine ganz andere Seite als jene von Madame Schleyer, die sich schon kurz vor der Verehelichung mit Lips sah. Herrlich jene Szene, in welcher Clemens Maria Riegler als geschniegelter und gestriegelter Justitiarius mit Nerd-Charakter den Tischhaustisch mit Ketchup- und Majonäse-Flaschen, Salzstreuern, Blumenvasen und Bierflaschen ordnet. (Kostüme Anna Lechner)

„Mit wem redest du da?“, diese Frage wird immer wieder von verschiedenen Personen an jene gestellt, die sich zum Publikum gewandt haben, um dieses in eigene Gedanken oder auch den Fortgang des Geschehens einzuweihen. Damit stellt die Regisseurin jene Bestrebungen bloß, die in vielen Inszenierungen fröhliche Urständ feiern und oft nicht wirklich ihr Ziel erreichen: das Publikum einzubeziehen. Mit dieser häufig gestellten Frage wird aber auch augenzwinkernd die Idee transportiert, dass das Geschehen nicht im Theater stattfindet; ein offensichtlicher Trugschluss, der ob seines Witzes gekonnt bis zum Schluss seine Lacher nicht verfehlt.

„Der Zerrissene“ von Nestroy im Schauspielhaus Graz (Foto: Lex Karelly)

„Der Zerrissene“ von Nestroy im Schauspielhaus Graz (Foto: Lex Karelly)

„Der Zerrissene“ von Nestroy im Schauspielhaus Graz (Foto: Lex Karelly)

„Der Zerrissene“ von Nestroy im Schauspielhaus Graz (Foto: Lex Karelly)

Sehr gut funktionieren die räumlichen Umbauten. (Bühne Franziska Bornkamm) Eine großzügige Umgebung mit Blick in den Himmel, verwandelt sich gekonnt durch Emporschieben eines neuen Raumes in eine vertäfelte, ländliche Wirtshausstube. Die Szene in den unterirdischen Gängen wiederum gestaltet sich genau gegenteilig zur allgemeinen Erwartung und erregt dadurch allgemeine Heiterkeit. Ein kleines Kabüffchen, in dem acht Menschen nur dicht an dicht Platzfinden, wird zur Nestroy’schen Possen-Metapher. So wie alle Beteiligten sich zum Schluss zusammengepfercht in der kleinen, schwarzen Box befinden, so intensiv muss letztlich auch die Handlung komprimiert werden, um zu einem Schluss zu kommen. Egal, wie viel an Charakter- oder weiterer Handlungsverständlichkeit dabei auch auf der Strecke bleibt. Dieser Blick auf den charakteristischen Schreibstil von Nestroy, ausgedrückt durch eine extrem verengte Bühnensituation, ist interessant und vergnüglich gleichermaßen und daher sehr gut umgesetzt.

Alles in allem erlebt man am Grazer Schauspielhaus einen Abend, in dem sich neben jeder Menge Spaß auch jene Zerrissenheit finden lässt, die das Theater manches Mal bewusst oder auch unbewusst produziert. Die Beurteilungen werden je nach aufgesetzter Brille unterschiedlich ausfallen.

Mit Beethoven und den Hip-Hoppern im Park

von Michaela Preiner | Nov 23, 2023 | Allgemein, Theater

Wenn man, wie bei dieser Vorstellung in eine Location geht, die man nicht kennt, ein Stück sieht, das in Österreich das erste Mal aufgeführt wird und auch bisher nicht die Gelegenheit hatte, die Schauspielerin live auf der Bühne zu erleben, dann liegt es fast auf der Hand, dass man überrascht wird. Dass diese Überraschung jedoch rundum so positiv ausfällt, das verblüfft dann doch.

Die Location – das Artists – im selben Haus wie das Volksheim untergebracht, jedoch mit eigenem Eingang und kurioserweise einer anderen Adresse, ist ein Veranstaltungsort mit überaus freundlichen Menschen, die dort werken. Angefangen vom Kartenverkäufer im Vorraum, bis hin zu jenem, der hinter der kleinen Bar steht und sichtbar Freude an Konversationen hat. So banal es klingt, aber allein schon der nette Empfang verbreitet eine angenehme Stimmung. Ein Umstand, den so manch arrivierte Bühne nicht mehr im Fokus hat.

Schramek hat sich, nach einiger Zeit Spielabsenz, ein Stück ausgesucht, das ihr auf den Leib geschrieben scheint. Die sympathische Schauspielerin schlüpft darin in sage und schreibe acht Rollen, inklusive ihrer eigenen als Erzählerin. Im Drama gehört sie einer Damenrunde an, die sich in einer noblen Pariser Altersresidenz zusammengefunden hat. Noch rüstig, unternehmen die vier Freundinnen gemeinsame Ausflüge und treffen sich bei Kuchen und Tee. Kiki, so der Name der Hauptfigur, entdeckt eines Tages am Flohmarkt einen Gipsabdruck von Beethovens Antlitz und ist verwundert. Weder sie noch Zoe, Rachel oder Candie hören Musik, wenn sie das gipserne Antlitz betrachten. Ganz im Gegensatz zu ihrer Jugendzeit, in welcher Beethovens Streichquartette, Klavierkonzerte, Fidelio oder seine Symphonien wie von selbst bei der Betrachtung in ihren inneren Ohren erklangen.

Andrea Schramek in „Kiki van Beethoven“ (Foto: Hilde Matouschek officinia)

Éric-Emmanuel Schmitt, der Autor der Stückes, erzählt eine Geschichte mit zwei parallelen Handlungssträngen, die sich im Objekt des Gipsportraits verzahnen.

Es ist zum einen die Erzählung über jene seelischen Verwundungen, die man im Laufe seines Lebens erhält, aber gerne vergessen und zuschütten möchte, inklusive der Geschichte eines jungen Mannes, der einen Suizid wählte.

Zum anderen erlebt man mit, wie sich zwischen Kiki und einem jungen Hip-Hopper, den sie in einem Park kennengelernt hat, eine Freundschaft der besonderen Art entwickelt. Eine Freundschaft, mit Nachhaltigkeitscharakter, wie sich herausstellen wird.

Ab einem bestimmten Alter hat man viel erlebt und gesehen und aus den Erfahrungen seine eigenen Schlüsse daraus gezogen. Viele Menschen legen sich dabei eine Art seelische Hornhaut zu, um die psychischen Wunden zuzudecken, die sie erlitten haben. Schmitt konstruiert mit scheinbarer Leichtigkeit Situationen, die dazu angetan sind, die individuellen Wunden der vier Frauen wieder offenzulegen. Als Katalysator und Sichtbarmachung der Wandlungen dient Beethovens Musik, die im Heilungsprozess aller eine wichtige Rolle spielt.

Es sind die berührenden Momente jeder Geschichte, die Schramek so pur über den Bühnenrand bringt, dass man vergisst, dass hier nur eine einzige Frau vor einem steht. Der Besuch in Auschwitz, bei welchem Rachel an der Gedenktafel der Ermordeten einen Teil ihrer Familie entdeckt, gehört dazu. Aber auch die Sehnsucht der heimlichen Postkartenschreiberin Zoe, die erkannt hat, dass ihr in diesem Leben keine reale Liebe glückt. Stattdessen verschickt sie mithilfe ihrer Enkelin Postkarten aus aller Welt an einen Mann, den sie unerkannt bleibend, liebt.

In Kiki selbst bricht die Erinnerung an den Selbstmord ihres Sohnes auf, den sie ihrer Schwiegertochter zuschreibt. Erst als ihr diese einen Brief überreicht und eindringlich bittet, ihn zu lesen, erkennt sie, dass ihre Einschätzung falsch war, sie vielmehr mit der Schuldauslagerung ihre eigene Trauer, Angst und Wut zu unterdrücken versuchte.

Auch wenn die einzelnen Geschichten direkt ins Herz gehen, so verfügt Éric-Emmanuel Schmitt doch über die Fähigkeit, mit subtilem Humor so gegensteuern zu können, dass man keine Taschentücher zücken muss. Dies mag wohl einer der Gründe sein, warum er derzeit zu einem der meistgespielten und meistgelesenen Autoren in Frankreich zählt.

Andrea Schramek in „Kiki van Beethoven“ (Foto: Peter Wohlfarth)

Die Art und Weise, wie die Schauspielerin die einzelnen Charaktere sichtbar macht, ist beeindruckend. Genauso wie das Timing ihrer Gesten und ihrer Mimik. Jeder Handgriff, jeder einzelne Schritt sitzt perfekt und kommt zum richtigen Zeitpunkt. Aufregung und Wut, Mitleid und Empörung sind nur einige Emotionen, welche sie mit Leichtigkeit sichtbar machen kann. Auch der Wandel zwischen verschiedenen Orten und Zeiten fällt ihr in ihrem one-woman-Auftritt nicht schwer. Alles in allem liefert sie ein schauspielerisches Gesamtpaket ab, das richtig überzeugt. Und vor allem, das Lust auf mehr macht.

Die Auseinandersetzung mit der eigenen Endlichkeit, gepaart mit einem Blick in die Zukunft ergibt ein überaus rundes, dramatisches Konstrukt mit Tiefgang und Humor gleichermaßen. Mit „Kiki van Beethoven“ darf man einen Theaterabend erleben, der zum Lachen, zum Weinen und zum Nachdenken anregt. Und das mit den ureigensten Mitteln, die dem Theater zur Verfügung stehen: einer guten Geschichte und einer ebensolchen Schauspielerin.

Ran ans Publikum, mit mythologischen Gestalten!

von Michaela Preiner | Nov 16, 2023 | Allgemein, Theater

Gedacht war die 3-er-Serie als Vorstellungslauf des neuen Ensembles am Schauspielhaus in Graz. „Metamorphosen“, Teil 1 – 3, so wurden die kurzen Stücke betitelt. Gestaltet wurde Teil 1 und 2 unter Mitwirkung des Ensembles selbst sowie der Regisseurin Anna-Elisabeth Frick. Kurzweilige, zum Teil trashige Ausflüge in die Mythologie wurden geboten, über die man sich von einem zum anderen Mal wieder freuen konnte.

Meta Morphosen Teil 1 – Otiti Engelhardt, Luisa Schwab, Mario Lopatta (Foto Lex Karelly)

Im Gegensatz zu den allgemein bekannten Götter- und Heldensagen gestalteten sich diese Trips modern, mit Heldinnen und Helden, die sich nicht anders benehmen als unsereins das tut. So durfte sich das Publikum in der einen oder anderen mythologischen Gestalt zum Teil selbst wiedererkennen. Ob Vertumnus oder Pomona – der Gott von Obst und Gemüse und die Baum-Nymphe, ob Pan, Echo oder Narziss, Fama, Herkules oder Medusa – sie alle brachten das Publikum zum Staunen und zum Lachen.

Meta Morphosen Teil 2 – Franz Solar, Luisa Schwab, Oliver Chomik, Dominik Puhl (Foto Lex Karelly)

Metamorphosen Teil 3 (Marielle Layher, Anna Klimovitskaya, Tim Breyvogel, Luiza Monteiro, Sarah Sophia Meyer) Foto: Lex Karelly

Wer ist man, wenn man sprachlos ist?

von Michaela Preiner | Nov 14, 2023 | Allgemein, Theater

Peter Handke ist ein Geschichtenerzähler. Aber auch ein Sprachsezierer. In seinem Stück „Kaspar“ aus dem Jahr 1967 tat er beides. Wer seiner Sprachkunst darin auf die Schliche kommen möchte, dem oder der bleibt nichts anderes übrig, als den Text zu lesen. Nach einem Hype nach der Veröffentlichung wurde es ruhiger um das Drama, dessen Ausgangspunkt die Geschichte von Kaspar Hauser ist. Jenem Jungen, der mit 16 Jahren in Nürnberg sprachretardiert aufgefunden wurde.

Kaspar • Akademietheater (Foto: Susanne Hassler-Smith)

„A söchtener Reuter möcht i wern, wie mein Voater gwen is“ („Ein solcher Reiter möchte ich werden, wie mein Vater gewesen ist.“). Diesen Satz soll Kaspar Hauser damals immer wieder gesagt haben, ohne jedoch den Sinn desselben zu verstehen. Und diesen Satz, von Handke auf „ich möchte einmal der sein, der ein anderer war“ verkürzt, beginnt das Spiel auf der Bühne des Akademietheaters.

Den Angaben, die Handke in seinem Text für die Aufführung fertigte, wird von Daniel Kramer auf seine eigene Art und Weise Rechnung getragen. Eine „Rock-Oper mit grellen Effekten“ stellte sich Handke die Bühnenfassung dar und tatsächlich bewegt sich die Inszenierung im Rahmen eines breiten Genre-Spektrums. Es wechselt zwischen bedrohlichen und absurden Szenen, aber auch solchen, die Empathie mit Kaspar aufkommen lassen oder burlesk-grotesken Szenen. Rockige Musik begleitet die Umbauten. (Musik Tei Blow) Marcel Heuperman gibt einen präsenten, kräftigen, zugleich aber auch zerbrechlichen Kaspar, der sich ohne Sprachfähigkeiten völlig den Repressalien seiner Umwelt ausgesetzt sieht. Eine überdimensionale Schiefertafel, die öfter von einzelnen Ensemblemitgliedern um die eigene Achse gedreht wird, macht deutlich, dass hier ein Lernprozess stattfindet. Kaspar, der zu Beginn als missgestaltetes Ungetüm aus einem engen Plastikschlauch von oben auf die Bühne herabrutscht, wird alsbald aus seinem Monsterkostüm geschnitten. Unter Zuhilfenahme einer elektrischen Baumsäge wird so lange an ihm gezerrt, bis er schließlich nackt auf dem Boden zu liegen kommt. Während er wie ein kleines Kind wimmert, unfähig, sich zu wehren, bläst man die letzten Reste Schmutz mit einem Laubbläser weg. Die Aussage ist deutlich: Dieser Mensch kommt aus dem Wald und wird eher wie ein Objekt behandelt, denn als lebendiges Wesen.

Kaspar • Akademietheater (Foto: Susanne Hassler-Smith)

Vier durch Latexkostüme unkenntlich gemachte Personen mit Masken auf dem Kopf, sehen sich genötigt, diesem Menschen nicht nur eine Sprache zu lehren. Das Hauptziel, so wird es bald verständlich, ist, diesen durch den Spracherwerb ein Teil der Gesellschaft werden zu lassen. So, dass er sich in diese ohne Umstände einfügen kann. Die Zurüstung dafür erfolgt mittels Worten und Sätzen, so lange, bis der Außenseiter zumindest die Bedeutung von einfachen Worten und Satzgebilden verstehen kann. Dass Handke in seinem Text zugleich der philosophischen Frage nach den Verbindungen zwischen Bildern, Wörtern, deren Bedeutung und Rezeption nachgeht, ist selbstverständlich. Es ist dennoch nicht zwingend notwendig, sich mit diesem Thema wissenschaftlich auseinanderzusetzen. Die Inszenierung ist eindringlich genug, um die Botschaft zu verstehen und lässt die „Einsager und Einsagerinnen“ ohne Mitleid ihr Werk vollenden.

Die Wandlung von einem Menschen ohne differenzierte Sprache und ohne eine Ahnung der ihn umgebenden Begrifflichkeiten, wird auch mithilfe unterschiedlicher Kostüme von Shalva Nikvashvili veranschaulicht. Bekommt er zuerst ein Babyoutfit mit einer übergroßen Haube, darf er wenig später als Schulbub in eine silbrig glänzende Hose und Hemd schlüpfen. Die kunstvollen Sprachkaskaden der Einsager und Einsagerinnen sind atemberaubend und so rasch vorgetragen, dass man sich gut in die Hauptfigur versetzen kann. Diese müht sich redlich ab, sprechen zu lernen und bekommt erklärt, dass Worte und Bewusstsein zusammengehören und es ohne Worte kein Empfinden und keine Gefühle gäbe. Als er das Ziel mit dem Satz „Ich bin, der ich bin“ zu erlangt haben scheint, wechselt das Bühnengeschehen.

Unter sichtbar großem Aufwand entsteht vor den Augen des Publikums eine Wohnungseinrichtung inklusive Dusche und Küche, Bett und Wohnzimmerecke. Nach und nach kommt das gesamte Ensemble in die Szenerie, zieht sich zum Teil ganz aus, duscht und schlüpft in Jogginghosen und Hoodies. Was diese Menschen der Jetzt-Zeit auszeichnet, ist ihre Sprachlosigkeit. Alles, was sie verrichten, geschieht ohne ein Wort. Selbst Interaktionen werden nicht kommentiert. Als eines der länglichen Pakete, die jeder und jede auf die Bühne mitbrachten, ausgepackt wird, kommt eine Maschinenpistole zum Vorschein. Der Wechsel der Begleitmusik hin zu einer, die man locker einem TV-Krimi zuordnen könnte, macht klar, dass das letzte Drama nicht ausbleiben wird. Tatsächlich liegen zuletzt alle, bis auf Kaspar, der sich entfernt hat, leblos am Boden.

Die Existenz, hier auf einen sich ständig wiederholenden Alltagstrott zusammen gedampft, in der sich niemand mehr mit anderen unterhält, niemand mehr den Austausch mit den anderen sucht, scheint eine zu sein, welche den Menschen in den Wahnsinn treibt. So dicht und so drängend in den Szenen davor auch die Sprache verwendet wurde, so unbehaglich einem beim Zusehen dabei werden konnte, so schrecklich scheint das genaue Gegenteil – die Absenz des Gesprochenen – auch zu sein.

Kaspar • Akademietheater (Foto: Susanne Hassler-Smith)

Mit einer burlesken Szenerie, voll mit Nonsens-Sätzen, Clown-Kostümen und dadaistischem Gehabe, schließt ein Auftritt der vier zuvor schwarz Gekleideten an. Es ist ein Hauen und Stechen mit Worten und mit Objekten, mit dem Schluss-Satz: Endlich sollen alle wollen können, was sie wollen sollen. Nach ihrem Abgang tritt Kaspar in einer völlig veränderten Gestalt auf. Mit grell geschminktem Gesicht in einem Travestie-Kostüm, ist er jetzt fähig, bühnenreife Sätze zu sprechen. „Ich wollte weder ich selber, noch wer anderer sein. Ich selber verstellte mir die Sicht und konnte nichts auseinanderhalten. Ich verirrte mich in den Gegenständen.“ All dies Gesagte spitzt sich mit der Aussage zu: „Das Wehtun hat mir die Verwechslungen ausgetrieben“, wobei sprachlich abstrahiert das zusammengefasst wird, was man zuvor gesehen hat. Gewalt, so lange an Kaspar ausgeübt, bis er sich dem Druck der Gesellschaft gänzlich gefügt hat. Endlich ist er so zugerichtet, wie die Gesellschaft ihn brauchen kann.

In der letzten Szene sitzt er einer gelben Rakete gegenüber, wieder nackt und bloß, ohne Schutz und ohne andere Menschen. Das Atomzeichen auf dem Furcht einflößenden Objekt und das darauf befindliche rote Warnlämpchen, das zu blinken beginnt, machen deutlich, dass sich Kaspar in einer ausweglosen Situation befindet. Seine Antwort darauf kann nicht treffender sein:
„Ziegen und Affen. Ziegen und Affen. Affen und Ziegen“. Die bittere Erkenntnis des nahenden Endes gebiert nichts anderes als abermaligen Nonsens. Was bleibt einem angesichts des bevorstehenden Supergaus anderes auch noch zu sagen?

Laura Balzer, Stefanie Dvorak, Jonas Hackmann und Markus Scheumann benötigen keine individuellen Charakterdarstellungen. Ihre in rascher Abfolge gesprochenen Texte erfordern jedoch höchste Konzentration und Genauigkeit. Annette Murschetz gestaltete die Bühne mit vielen Objekten kühl und ohne jeglichen persönlichen Touch – eine adäquate Textergänzung.

Die Inszenierung wartet nicht nur mit einer erweiterten Interpretationsebene auf. Sie zeigt auch, wie man heute mit theatralischen Mitteln punkten kann, auch wenn diese längst überholt zu sein schienen. Theater ist nicht gleich Leben, ist nicht gleich Realität. Das ist Gleichung Nummer 1. Theater gehört zum Leben und zu unserer Realität, wie letztlich auch die Sprache. Das wiederum ist Gleichung Nummer 2.

Für Theaterfreaks und solche, die es werden wollen

von Michaela Preiner | Nov 12, 2023 | Allgemein, Theater

Er hat ihn sicher gestohlen. Den blauen spitzen Hut mit den goldenen Sternen und der Mondsichel. Den Magier-Hut aus Walt Disneys „The sorcerer‘s apprentice“. Denn mit diesem ist es ein Leichtes zu zaubern, was einem in den Sinn kommt. Ernst Kurt Weigel muss ihn besitzen, jenen Hut, der dem Zauberlehrling viel Ungemach brachte, seinem Meister aber den uneingeschränkten Status des wahren Könners.

Man kann sich bestens vorstellen, wie der Theatermacher, mit dem Hut auf dem Kopfe, seine Mash-up-Ideen in einen großen, dampfenden Kessel wirft, das Gebräu kundig umrührt und es schließlich an sein Ensemble verteilt, auf dass es selbst erleuchtet würde vom Geist des Dramas und auch jenem des Filmes. Jeweils eine große Suppenschüssel davon bekommen auch all jene, die sich um Kostüm und Sound bemühen, denn schließlich muss alles aus einem Guss sein.

Und wahrlich, es ist ein Guss geworden – und was für einer! Oder exakter ausgedrückt: Es ist eine Melange geworden – Mash-up klingt wahrlich zu unfein, für das, was im Kessel des Off-Theaters gebraut wurde: Natural.Born.Medea nennt sich die schmackhafte Mixtur. In ihr vermischen sich zwei grauenvolle Geschichten zu einer Erzählung, deren tragische Hintergründe sich in Witz und Tollerei verwandeln, sodass einem ganz schwindelig davon werden könnte. So, wie sich die beiden Erzählungen vermengen, so tun es auch ihre Protagonistinnen und Protagonisten. Verschmelzen zum Teil in ein und dieselbe Person, um sich bald darauf mit Leichtigkeit von ihr wieder zu trennen. Franz Grillparzers „Medea“ trifft ihren „Jason“, der durch den Zaubertrank seinen Vornamen selbstverständlich englisch ausspricht. „Tscheison“ heißt er, wird aber von „Mae“ alsbald als „Jay“ gerufen. Genauso wie ihre Zwillinge im Geiste „Mickey“ und „Mallory“, vom Regisseur Oliver Stone einst auf die Leinwand gezaubert, fühlen sie sich von Beginn an zueinander hingezogen. Die Lust, ihr verkorkstes Leben via Social-Media-Kanäle millionenfach unter ihren Bewunderern zu verbreiten, ist ein weiteres Schmiermittel ihrer Beziehung.

NATURAL.BORN.MEDEA (Foto: Günter Macho)

Ganz dem mordenden Filmduo verpflichtet, ziehen die beiden bald eine blutige Spur über die Bühne, mit gewaltigen Licht- und Soundbegleitungen und ballern auf alles, was sich in ihrer Umgebung bewegt. Vater und Mutter, die am Beginn der Entsorgungsorgie stehen, haben es aber in sich. Denn obwohl dahin gemetzelt, wird Mallory-Medea von ihnen nie loskommen. Zum Glück gibt es da auch noch einen Gefängnisdirektor. Einen, der sich stets als Humanisten rühmt und in jedem und jeder nicht das Monster, sondern rein den Menschen erblicken möchte. Einen, der besessen ist von der Idee, im Maßnahmenvollzug mithilfe des Theaters die Menschheit von ihrem bösen Tun erlösen zu können. In seinen Hallen treffen alle aufeinander. Medea und Jason, Mickey und Mallory, Medeas Mutter und Vater sowie ihre Amme Gora. Logischerweise versammelt sich dort auch die Gegenseite in Gestalt der Tochter des Anstaltsleiters alias Kreusa und deren Mutter, zuständig für die Urlaubsbuchungen der Familie für die Silvesterparty im Ausland. Dass ihr werter Gemahl nicht weiß, wann das in diesem Jahr stattfindet, zeugt von seinem glasklaren Geisteszustand, der sich von jenem seiner Schützlinge nicht wesentlich unterscheidet.

Tollkühn stürzen sich alle, die man zu Beginn in einem Narrenhaus wähnte, in die Erzähl-Schlacht, angetrieben von der Idee, im Sauseschritt Stones und Grillparzers Dramen dem zeitwunden Publikum auf Wienerisch näherzubringen. Obwohl: So ganz Wienerisch dann auch wieder nicht, denn schließlich mutiert das Wigwam, in welches sich das Gangsterduo nach dem Genuss von halluzinogenen Schwammerln und Ebbe im Benzintank ihres Autos flüchtete, zu einem steirischen Unterschlupf. Die weibliche Eingeborene fährt darin einen oststeirischen Dialekt auf, dass einem warm ums Herz wird.

Wie nebenbei wird das goldene Vlies ohne vorherige Bestellung per Lieferando-Essensboten geliefert, von Medea klugerweise der direkten Blickrichtung aller wieder entzogen, schlussendlich aber, wie es ihm gebührt, todbringend wieder eingesetzt. Der Zauberer mit dem blauen Hut lässt nichts aus, aber schon gar nichts. Weder die Schlangenszene aus „Natural born killer“, noch die Annäherung von Kreusa an Medea in Gestalt der Seelsorgerin und Tochter des Gefängnisdirektors. Ein wilder Ritt durch die literarische Genealogie des goldenen Lammfelles inklusive Heiligem Gral und Harry-Potter-Verweis wird genauso geboten wie die unheilvolle Gesangsszene, an welcher Medea im Beisein ihrer Rivalin und ihres Gatten herzzerreißend scheitert. Franz Schuberts Ständchen „Leise flehen meine Lieder“ aus seinem Schwanengesang, seinem letzten großen Zyklus, den er vor seinem Tod verfasste, fügt sich nicht nur passend in das wienerische Kolorit. Es antizipiert als letzte große musikalische Tat dieses tragischen Genies auch gleich das letale Ende einiger Charaktere subkutan mit.

NATURAL.BORN.MEDEA (Foto: Babara Pálffy)

NATURAL.BORN.MEDEA (Foto: Babara Pálffy)

NATURAL.BORN.MEDEA (Foto: Günter Macho)

Mit welch hoher literarischer Qualität der Zaubertrank ausgestattet ist, darf am parallelen Einsatz der natürlich wirkenden Mischung von Grillparzers Dramensprache und zeitgeistigem Slang unterschiedlichster Gesellschaftsschichten erkannt werden. „Leck Fettn ihr seids vull nebn die Schua“ und „kommt her zu mir, ihr heimatlosen Waisen, wie frühe ruht das Unglück schon auf euch“ stehen nicht in beißendem Widerspruch zueinander, sondern amalgamieren in einem geistig-literarischen Cocktail auf wundersame Art und Weise.

Zauberei mag wohl auch im Spiel sein, wenn sich Medea, das benutzte, das weggeworfene, das schambehaftete, gefürchtete und doch weitsichtigste Wesen von allen, ganz ihrem Verlassenheits-Schmerz ausliefert und unter grauenhaftem Geschrei ihre Kinder mordet. Denn mit einem Mal ist alles weg, was gerade noch fröhlich und unsinnig war. Ganz so in Rauch aufgelöst, wie der Dampf über dem Kessel des Disney-Magiers. Der grelle und schrille Theater-Trank kippt mit einer Umdrehung in die entgegengesetzte Richtung wie vergoren in die schwärzeste Brühe, so ungenießbar, dass sie bitter im Hals stecken bleibt.

NATURAL.BORN.MEDEA (Foto: Günter Macho)

Der fleischfressende, angsteinflößende Hase, der das Publikum schon beim Eintritt irritierend verfolgte und ein ständiger Begleiter Jasons ist, mag als Vorbilder Monty Python, Alice im Wunderland oder aber die Killer-Hasen-Marginalien mittelalterlicher Handschriften anführen. Die Etymologie seines alternativ gebrauchten Wortes Kaninchen stammt aus dem Lateinischen cuniculus, was übersetzt „unterirdischer Gang“ bedeutet. Auf die wilde Schar an Charakteren von Natural.Born.Medea angewandt, könnte man salopp mit dem Strafvollzugs-Direktor argumentieren, dass „das Böse halt im Gehirn drin ist“ oder die Karnickel-Metapher auch anders ausdrücken: In den Tiefen des Unterbewussten lauert das Unheil.

Rina Juniku, Andrzej Jáslikowski, Jula Zangger, Kajetan Dick, Anja Štruc, Matthias Böhm, Yvonne Brandstetter auf der Bühne, Leonie Wahl als Choreografin, b.fleischmann als Soundakrobat, sowie Julia Trybula, welche den Charakteren ihr markantes Aussehen verpasste und die Ausstattung besorgte – sie alle gehören x-fach beklatscht vor den nicht vorhandenen Vorhang.

Mögen die kommenden Vorstellungen all jene anlocken, die theaterbesessen sind, aber auch all jene, die noch nie im Theater waren. Für beide Gruppen garantiert das.bernhard.ensemble einen unvergesslichen Abend. Fürchten muss sich niemand, außer davor, dass der theatrale Zauber Suchtcharakter haben kann, besitzt doch EKW mit Bestimmtheit einen blauen spitzen Hut mit goldenen Sternen und einer Mondsichel darauf.